CHAPTER 15: ADVICE TO BEGINNING VOCAL ACCOMPANISTS（初心者のボーカル伴奏者へのアドバイス）
kenzanA good comper functions much like that of a good movie score, coaxing the action along and making it infinitely more compelling, often without people consciously aware of the critical function being played. The key is to adjust to the individual, keep your ears open and provide enough support to make everyone shine. 92 – D.D. Jackson
優れた伴奏者は、良い映画の音楽のように、行動を促進し、それを無意識のうちにますます魅力的にします。多くの場合、人々が重要な役割を演じていることに気づかずに。鍵となるのは、個々に合わせて調整し、耳を傾け、全員が輝くための十分なサポートを提供することです。- D.D.ジャクソン
Aspiring accompanists would do well to study not just vocal accompanists of the past, but also the exceptional instrumental accompanists. Count Basie’s minimal approach, Thelonious Monk’s highly rhythmic and melodically oriented interjections, Horace Silver’s driving comping, Wynton Kelly and Red Garland’s tasteful and swinging comping with Miles Davis’s group are all inspiring possibilities. The work of solo pianists may also generate ideas; Errol Garner’s masterful sense of orchestration and Art Tatum’s runs, when integrated tastefully with a vocal performance, can also produce fresh possibilities.
伴奏者を志す人々は、過去のボーカル伴奏者だけでなく、優れた楽器伴奏者も研究することが重要です。カウント・ベイシーのシンプルなアプローチ、セロニアス・モンクのリズミカルでメロディに重点を置いたインタージェクション、ホレス・シルバーのドライブ感のあるコンピング、ワイントン・ケリーとレッド・ガーランドがマイルス・デイヴィスのグループとともに見せる洗練されたスウィング感のあるコンピングなど、すべて魅力的な可能性です。また、ソロピアニストの作品からもアイデアを得ることができます。エロール・ガーナーの見事なオーケストレーションの感覚やアート・テイタムのラン、それらをボーカルのパフォーマンスと上手に組み合わせることで、新たな可能性を生み出すこともできます。
Jazz pianist Paul Hofmann notes that at its highest level, the challenging art of accompanying the jazz vocalist entails more than knowing the usual conventions of standard tunes, trading fours, and an awareness of common introductions and endings: “It also presupposes a fluency in the language of Western music, an ability to swing authentically, and the ability (indeed, the willingness) to ‘go with the flow.’ As with anything else worthwhile, the process of becoming a successful accompanist usually involves years of maturation … but the artistic rewards are great.”93
ジャズピアニストのポール・ホフマンは、ジャズボーカリストの伴奏の難しい芸術が最高のレベルで行われる場合、標準的な曲の通例やフォー・トレーディング、一般的な導入部やエンディングについて知っているだけでは十分ではないと指摘しています。彼は言います。「それはまた、西洋音楽の言語に堪能であり、本物のスウィング感を持ち、そして『流れに乗る』能力（実際には、それを望む意思）も前提とされます。他のどんな価値あることでもそうであるように、成功した伴奏者になるプロセスには通常、長年の成熟が必要です…しかし、芸術的な報酬は大きいです」。
In his book, The Pro Keyboardist’s Handbook, Jon Dryden states that a useful way to learn how to accompany a vocalist is to practice accompanying one’s self at a keyboard. By doing so he notes, “you will hear where your vocal range falls, allowing you to relate yourself to other vocalists of your range and type.”94 Additionally, “singing will give you ideas about how to comp better for vocalists, as they need a gentler form of comping, one that lets them hear the harmony clearly and that doesn’t get in their way.”95
ジョン・ドライデンは、自身がキーボードで自分自身を伴奏することを練習することが、ボーカリストの伴奏を学ぶための有用な方法だと述べています。彼は言います。「自分自身をキーボードで伴奏することで、自分のボーカルのレンジがどこに位置するかを聞くことができ、自分のレンジやタイプの他のボーカリストとの関連性を理解することができます」。さらに、「歌うことによって、ボーカリストに対してより良いコンピングのアイデアが浮かびます。彼らはより優しい形のコンピングが必要であり、ハーモニーをはっきりと聴くことができ、彼らの邪魔にならないコンピングが求められます」。
Jacob advises beginning accompanists to “use your ear to dictate what you should play; nothing is forbidden, but try to be in the same mood as the singer.” Colianni suggests being supportive and sensitive, but “confident in what you do.” He adds, “One must get into the moment of the song. With the singer you should collaborate and be part of the delivery of the performance and the emotional wallop of the piece.”
ジェイコブは初心者の伴奏者に対して、「演奏すべき内容を耳で判断すること。何も禁止されていないが、歌手と同じムードになるように心がける」とアドバイスしています。コリアーニはサポート的で敏感であることを提案していますが、「自分のやっていることに自信を持つことも重要です」と付け加えます。「曲の瞬間に入り込む必要があります。歌手と協力し、演奏の提供や楽曲の感情的な迫力の一部となるべきです。」
Hobgood recommends that beginning accompanists must, above all, be conscious of the groove. If an accompanist pays too much attention to the singer’s phrasing, is too sensitive and follows the singer’s time, or tries too much to “go with” the singer, then things will inevitably fall apart. He observes: “Singers like to be able to lay back and stretch the time a little bit.” Hence, a solid internal pulse is crucial for success.96 Furthermore, he adds that pianists, more than guitarists, the other common comping instrument, have “more information. We have more to dole out.” In other words, space is crucial and overplaying distracts from the performance. Hobgood notes: “You have to be very sensitive to the balance of sustaining and supporting, but also create something unique, that’s fresh.” As a prescription, Hobgood advises that an accompanist should have the ability, discipline and focus to create an original musical introduction and be able to recreate it at the end of the song.
ホブグッドは、初心者の伴奏者は何よりもグルーヴに注意を払うべきだと勧めています。もし伴奏者が歌手のフレーズに過剰に注意を払い、敏感すぎて歌手のタイミングに合わせすぎたり、歌手に合わせようとしすぎたりすると、必ず何かが崩れてしまいます。彼は指摘します。「歌手は少しテンポを引っ張ってタイミングを伸ばすことが好きです。」したがって、確かな内部のパルスは成功のために重要です。さらに、彼はギタリストと比べて、他の一般的なコンピング楽器として、ピアニストは「より多くの情報を持っています。私たちはより多くを提供する役割があります。」言い換えれば、余白が重要であり、過剰な演奏は演技から注意を逸らします。ホブグッドは述べています。「持続とサポートのバランスに非常に敏感である必要がありますが、同時に新しいものを作り出すことも重要です。」処方として、ホブグッドは伴奏者は独自の音楽的な導入部を作り出す能力、規律、集中力を持ち、曲の終わりに再現できる能力を持つべきだと助言しています。
Most young players that Hobgood hears “have yet to reach the point where they are really thinking about the implications that phrasing has on their harmonic approach.” He worries that less experienced players do not think about chord changes in a larger sense. Rather, they think of a chord progression one chord at a time and as opposed to part of the larger phrase that chords support and represent.97 Applied to accompanying, Hobgood’s advice should encourage the pianist to make more informed decisions about leaving less important chords out and emphasizing structurally important ones (see chapter six on rubato playing). Pianists need to build confidence about making such decisions, which “generally results in more fluid, gestural playing.”98
ホブグッドが聞く若手の演奏者のほとんどは、「フレージングが彼らの和声的なアプローチに与える意味に本当に考える段階にはまだ達していない」と彼は指摘しています。彼は経験の浅いプレイヤーが和音の変化をより大きな意味で考えないことが心配です。彼らは一度に1つのコード進行を考えるのではなく、和音がサポートし表現するより大きなフレーズの一部として考えます。伴奏に応用すると、ホブグッドのアドバイスはピアニストに対して、重要でないコードを省いて構造的に重要なものを強調するというより情報に基づいた意思決定を促すべきです（ルバート演奏に関する第6章を参照）。ピアニストはそのような決定をする自信を築く必要があり、「一般的にはより流動的でジェスチャー豊かな演奏につながる」と彼は述べています。
In great accompanying, or playing of any kind, Hobgood stresses the importance of an objective ear: “There is always going to be a little bit of detachment, a sense that the player has an ear out there in the fifth row, a relaxed sense of remove. You have to learn how to listen to your own playing in that way.” Pianists have a natural tendency to gravitate towards harmony. Instead he suggests they focus on rhythm and time feel.
優れた伴奏、またはどんな演奏においても、ホブグッドは客観的な耳の重要性を強調しています。「常に少しの距離感があり、演奏者が5列目に耳を傾けているような感覚、リラックスした距離感が必要です。自分自身の演奏をそのように聴く方法を学ぶ必要があります」と彼は述べています。ピアニストは自然に和声に引かれる傾向があります。代わりに、彼はリズムと時間感に焦点を当てることを提案しています。
Feedback from others and careful listening to one’s own recorded performances are also valuable tools for the aspiring accompanist. A sloppy left hand, uneven time, odd harmonic quirks, such a pianist playing a seventh chord always with a flat nine, are a few examples of weaknesses. He believes one must also honestly assess and work on weaknesses: “Most people have the bad habit of practicing what they know instead of removing themselves from their comfort zone. What they play sounds like music and gives them immediate gratification. When players practice outside of their comfort zone the rewards on the bandstand will be greater.”
他人からのフィードバックや、自分自身の録音された演奏を注意深く聴くことも、志望する伴奏者にとって貴重なツールです。雑な左手の演奏、均一でないタイム感、奇妙な和声の癖（例えば常にフラット9のセブンスコードを弾くピアニストなど）などは、弱点のいくつかの例です。彼はまた、自分自身を正直に評価し、弱点に取り組む必要があると信じています。「ほとんどの人は、自分の得意分野から離れて練習するという悪い習慣を持っています。自分が演奏するものは音楽のように聞こえ、即時の満足感を与えます。プレイヤーが自分の得意分野外で練習すると、バンドスタンドでの報われる結果が得られるでしょう。」
Hobgood also stresses that accompanists, like soloists, must foremost have technical command and understanding of the piano. Facility on the instrument should be a given. Once accompanists gain experience, they must do more than simply play chords. Hobgood argues that “the music is supposed to be reactive, it is supposed to be reciprocal. It is a balance of ingenuity and support.”
ホブグッドは、伴奏者もソリストと同様に、まずはピアノの技術的な習熟と理解を持つことが最も重要だとも強調しています。楽器に対するスキルは当然の前提条件です。経験を積んだ伴奏者は、単にコードを演奏するだけではなく、もっと多くのことをしなければなりません。ホブグッドは「音楽は反応的であるべきであり、相互に作用するべきです。それは独創性とサポートのバランスです」と主張しています。
di Martino advises young accompanists to listen to many vocal recordings in order to become familiar with a wide variety of styles. Listening to great accompanists such as Hank Jones, Mike Renzi and Ellis Larkins is essential.99 Halberstadt suggests one should not only listen to the great accompanists but also the vocalists that accompany themselves, such as Shirley Horn and Diana Krall, and then seek to emulate and internalize those accompaniments by playing along with the recordings. He advises working with many singers, and when possible, taking lessons from experienced vocalists to get tips on what they personally require and expect. He stresses the need to practice playing standards in all twelve keys and to learn many conventional introductions, tags and endings.
ディ・マルティノは、幅広いスタイルに慣れるために多くのボーカルの録音を聴くことを若い伴奏者に勧めています。ハンク・ジョーンズやマイク・レンジ、エリス・ラーキンスなどの優れた伴奏者を聴くことは不可欠です。ハルバースタットは、優れた伴奏者だけでなく、シャーリー・ホーンやダイアナ・クラールなどの自己伴奏のボーカリストも聴くことを提案し、それらの伴奏を録音と一緒に演奏することで模倣し内面化することを目指すべきだと述べています。彼は多くの歌手と一緒に働くこと、そして可能な限り経験豊富なボーカリストからレッスンを受けることで、彼らが個別に必要とすることや期待することについてのヒントを得ることを勧めています。彼は、スタンダード曲を全ての
12のキーで演奏し、多くの一般的なイントロやエンディングを学ぶことの重要性を強調しています。
Like di Martino, Eric Gunnison advises young accompanists to listen to as much vocal jazz music as possible, but also to critically listen to other genres of vocal music, comparing any similarities and differences. In addition, he advises finding a vocalist to practice with in order to work on introductions, endings, tempos, and comping styles.
ディ・マルティノと同様に、エリック・ガンニソンも若い伴奏者に対して、できるだけ多くのボーカルジャズ音楽を聴くことを勧めていますが、他のジャンルのボーカル音楽も批評的に聴き、共通点と相違点を比較することも勧めています。さらに、イントロ、エンディング、テンポ、コンピングスタイルなどを練習するために、伴奏者と一緒に練習するボーカリストを見つけることをアドバイスしています。
According to Gunnison, an excellent accompanist must have taste, great touch, beautiful voicings, good time feel and a willingness to step back and support the vocalist.
ガンニソンによれば、優れた伴奏者は洗練されたセンス、優れたタッチ、美しいボイシング、正確なタイム感覚、そしてボーカリストをサポートするために控えめになる意欲を持つ必要があります。
In my own experience, I have found it essential in performance situations to listen carefully at all times for balance issues. The pianist must not overpower the singer. With microphones and amplification this becomes less of an issue, but still remains an important consideration. A combination of observing the vocalist and adjusting to the overall balance is necessary.
私自身の経験から言えば、演奏の場でバランスの問題について常に注意深く聴くことが欠かせません。ピアニストはボーカリストを圧倒しないようにしなければなりません。マイクや増幅装置の使用により、これはあまり問題とならなくなりましたが、それでも重要な考慮事項です。ボーカリストを観察し、全体のバランスに合わせて調整することが必要です。
Additionally, my own repetoire has grown as a result of working with vocalists. If I do not recognize a song after reading it in a performance, I will attempt to learn it before the next performance. Often this requires learning the song in at least two keys because the original key will likely need transposition.
さらに、ボーカリストとの共演を通じて、私自身のレパートリーも増えました。公演で楽譜を読んでも曲を認識できない場合は、次回の公演までにそれを学ぼうとします。しばしば、オリジナルのキーを転調する必要があるため、少なくとも2つのキーで曲を学ぶ必要があります。
After much contemplation, I trust that my work ethic and williness to be flexible have allowed me to continue working with singers. My humility, ability to sightread, versatility in many styles of music and ultimately my understanding of the role of the accompanist have all been important in my career as a vocal accompanist.
多くの熟考の末、努力家で柔軟性を持つ姿勢が、私がボーカリストと共に働き続けることを可能にしたと信じています。謙虚さ、読譜の能力、さまざまな音楽スタイルでの多様性、そして最終的には伴奏者の役割に対する理解は、私のボーカル伴奏者としてのキャリアにおいて重要な要素となっています。
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