Victor Wooten: Groove Workshop (disk1)

Victor Wootenの教則ビデオ「Victor Wooten: Groove Workshop」のDisk1（2枚組）を翻訳しました。

Disk１だけで3時間！です。

とても興味深い内容です。

内容に誤りがございましたらご指摘いただけるとありがたいです。

翻訳文

[Music]

Hello, my name is Victor Wooten, and I'd like to start by thanking you for joining us here today. Today we're going to take a look at music and an extraordinary look at music, and what I mean by that is it's going to be a little bit different. And why do I say that? Well, to me, music is a language and I haven't met a musician yet that didn't agree with that, that music is a language. So that brings me to the question: what is a language?

イントロダクション

こんにちは、私の名前はヴィクター・ウッテンです。今日はこちらに参加してくれて、ありがとうございます。今日は音楽について見ていきますが、非常に特別な視点から見ていくことになります。その理由は、音楽とは言語であると私は考えているからです。これまで出会った音楽家の誰もが、音楽が言語であると同意してくれました。では、問題ですが、言語とは何でしょうか？

A language is a way to communicate something. It's a way for me to explain to you what I'm thinking or feeling. It's a way for us to converse. We can share ideas through our language. But if you think about that, what's most important is not the language but having something to say. Having something to convey is what's most important, right? So music to me does the same thing. It's a way of explaining, displaying, putting out our emotions and having someone else understand or feel them, okay?

言語とは何かというと、それは何かを伝える手段です。私の考えや感情を説明する手段であり、私たちが会話する手段でもあります。私たちは言語を通じてアイデアを共有することができます。しかし、考えてみると、最も重要なのは言語そのものではなく、何かを伝えることです。何かを伝えることが最も重要ですよね？ だから音楽は私にとって同じことをします。それは私たちの感情を説明し、表現し、伝える手段であり、他の誰かがそれを理解したり感じたりする手段です、わかりましたか？

So music and language, let's start from there that they are one and the same. Now we have to think about how did we learn our first language which for me is English. I learned English at a very very early age. And here's an interesting thing, I never practiced it. We never practiced English and we were never taught English. We were exposed to it and we were freely given the opportunity to explore the language at about age two. In English, I could already improvise, I didn't have to read what it is I wanted to say, actually I couldn't read at all.

ですので、音楽と言語、これらは同じものだと考えましょう。次に、最初の言語をどのように学んだかについて考えなければなりません。私にとって最初の言語は英語です。私は非常に幼い頃に英語を学びました。興味深いことに、私は英語を練習したことがありませんでした。私たちは英語を練習したことがなく、教えられたこともありませんでした。英語に触れる機会を自由に与えられ、約2歳の頃に言語を探索する機会を得ました。英語では、私はすでに即興できました。何を言いたいのかを読む必要はありませんでした。実際、私は全く読めませんでした。

I didn't know any English theory, I never knew what a noun or pronoun was until I was probably five or six years old. I didn't know any skills meaning the alphabet, not at two, but I could speak freely, I could converse with people much greater than I was at that language, and actually that's how I got so good at the language because when I was a baby before I could even say a word, I was forced and allowed to speak with professionals.

英語の理論は全く知りませんでした。名詞や代名詞が何であるかを知るのは、おそらく5歳か6歳になってからでした。2歳の頃にはアルファベットのようなスキルも何も持っていませんでしたが、自由に話すことができました。私は、その言語で私よりはるかに上手な人々と会話することができ、実際、私がその言語を上手く話せるようになったのは、赤ん坊の頃に言葉を発する前に、プロフェッショナルと話すことを強制され、許されたからです。

Now let's look at this other language that we call music. We don't allow that in music, the beginners are put into a beginning class for the most part, we're not allowed as beginners to play and perform and converse with the professionals, we're told we're beginners, we were never told we were beginners in English, no one ever told us that. In English, if we were a beginner and we said something wrong, we were actually praised for it to the point that our parents would start saying things wrong with us, if we developed our own language, our parents would learn it, we weren't forced to change, so we were always allowed to feel good about however it was we chose to speak which allowed us to have and speak with our own voice.

さて、音楽と呼ぶこの別の言語を見てみましょう。音楽ではそれを許しません。ほとんどの場合、初心者は初心者クラスに入れられ、私たちは初心者として、プロと演奏や会話することは許されません。私たちには初心者であることを告げられましたが、英語ではそのようなことはありませんでした。もし私たちが初心者で何かを間違えた場合、実際にはそれを称賛されました。その結果、親が私たちと一緒に間違ったことを言い始めるほどでした。もし私たちが自分自身の言語を発展させると、親はそれを学び、私たちを変えることを強制されることはありませんでした。そのため、私たちがどのように話すことを選んだとしても、常に良い気分でいられ、自分自身の声で話すことができました。

Now in music after many many years of playing, we have to try to find our own voice, that's one of the reasons that I say we approach music backwards, we teach music backwards, we think about music backwards. If music truly is a language, I think we should really treat it as one, that's what we're going to do here today, we're going to treat music like a language and we're going to explore it in a way never before done, never before seen on video.

音楽の世界では、長年にわたる演奏の後、自分自身の声を見つけようと努力しなければなりません。これが、私が音楽を逆からアプローチすると言う理由の1つです。私たちは音楽を逆から教え、逆から考えます。もし音楽が本当に言語であるなら、私たちはそれを本当に言語として扱うべきだと思います。それが今日ここで行うことです。私たちは音楽を言語のように扱い、これまでにない方法で探求します。これはビデオで以前に見たことのない方法です。

So I hope you're willing to take that journey with us, it's going to be different and it's going to challenge you but don't we need to be challenged? I think so, so I want to thank some people involved here, my good friend Anthony Wellington will be sitting up here in front with me helping me explain some ideas, sharing some of his unique ideas with you, and we have a group of bass players that are going to be sitting here with us, I want to thank Joe Sanchez and all the other bass players and everyone here involved with this video shoot for allowing me to express myself this way.

ですので、あなたも私たちと一緒にこの旅に挑戦してくれることを願っています。異なる経験になり、あなたを挑戦するでしょうが、挑戦されることは必要ではないでしょうか？ 私はそう思います。ですので、ここに関わっているいくつかの人々に感謝したいと思います。私の良き友人であるアンソニー・ウェリントンは、ここ前に座って私と一緒にいて、いくつかのアイデアを説明するのを手伝ってくれるでしょう。彼のユニークなアイデアの一部を共有します。そして、私たちと一緒に座っているベーシストのグループがいます。私はジョー・サンチェスと他のすべてのベーシスト、そしてこのビデオ撮影に関わるすべての人々に感謝したいと思います。私が自分自身をこのように表現することを許してくれてありがとう。

If you're ready to take this journey, you're ready to go along a different road, down the rabbit hole we might say, you're going to take the red pill or the blue pill, here we go let's do it.

もしあなたがこの旅に参加する準備ができているなら、異なる道を進んでいく用意ができているということです。ウサギの穴を通ると言いますが、赤いピルか青いピルを選ぶことになります。さあ、やってみましょう。

本編

[Music]

All right, welcome here. Glad you guys are here. All of you guys came from the Base Collective, is that right? And we're gonna have some fun here today, hopefully. You know, my good friend Anthony Wellington.

みなさん、ようこそこちらへ。ここにいてくれて嬉しいです。皆さん、Base Collectiveから来てくれたんですよね？ 今日は楽しい時間を過ごしましょうね、期待しています。皆さん、私の親友であるアンソニー・ウェリントンさん。

Hey guys! Oh yeah, Anthony's going to help out today because he's one of the best music teachers that I know. And in order, instead of me stealing some of his information, I figured we'll just have him here to give it to you himself. And I'd like to welcome Francesco and Josh and Kirk and Dave, Michael, and Joe. Thank you all for being here, this should be fun.

こんにちは、皆さん！そうですね、今日はアンソニーが手伝ってくれます。なぜなら、彼は私が知っている中で最高の音楽教師の一人だからです。私が彼の情報を盗む代わりに、彼自身が提供するようにしてみました。そして、フランチェスコ、ジョシュ、カーク、デイブ、マイケル、ジョー、ようこそ。ここにいてくれてありがとう、楽しい時間になるはずです。

We're going to talk about music today. We're all bass players, but our goal with the bass is to play music, right? So let's get straight to the point, let's play some music.

今日は音楽について話します。私たちは皆ベーシストですが、ベースを弾く目的は音楽を演奏することですよね？ それでは、早速本題に入りましょう、音楽を演奏しましょう。

Cool, all right. How about Josh? Josh, just take a solo for us, okay? But you're gonna play with us, all right? Is that cool? One, two, three, go!

さて、ジョシュ、どうですか？ ジョシュ、ちょっとソロを取ってみてください、いいですか？ でも、私たちと一緒に演奏してくれるんですよね？ それでいいですか？ 1、2、3、行きます！

Okay, play with us, y'all.

よし、一緒に演奏しましょう！

[Music]

Okay, it's cool, cool. Um, what was going through your mind when we say play? What's the first thing you think about? What goes through your head? Anybody, just raise your hand if you have an idea. Think about what goes through your head when we ask you to play. Anybody? Okay, Kurt, trying to find the key, trying to find the key, okay, uh, anyone else? Any other? All right. Oh my god, Victor Wooten just asked me to solo, right, right? That doesn't happen much, right? Um, but other than that though, anything else that goes goes through your mind? What are you are you using anything to solo? What goes through your head? Yeah, trying to find, you know, uh, your key, some sort of uh, progression that you're doing, okay. Um, everybody else kinda agree or is there anything different that we haven't said yet? Yes, they try to, like, find the form of the song, find the form of the song. Okay, so the form of the song meaning what, like, like what, like how long you spend on the chords or like where the chords are going? Okay, like, what, how they're related, okay, great. All right.

わかりました、いいですね、いいですね。演奏と言われたときに頭の中に何が浮かびますか？最初に何を考えますか？どんなことが頭をよぎりますか？誰か、アイデアがある人は手を挙げてください。演奏と言われたときに頭の中に何が浮かぶか考えてみてください。誰かいますか？わかりました、カートさん、キーを探そうとしていますね、キーを探そうとしています、わかりました、他に誰かいますか？他の人は？わかりました、ああ、Victor Wootenがソロを頼んでくれたんだ、そうだ、そうだ、そんなことはあまりないですよね、そうですね？でもそれ以外にも、頭の中に何か他のことはありますか？ソロをするときに何かを使っていますか？頭の中に何が浮かびますか？そうですね、キーを見つけようとしていますね、何か進行があるかもしれませんね、わかりました。他の皆さん、同意ですか、またはまだ言っていない違うことがありますか？はい、彼らは、曲の構造を見つけようとしています、曲の構造を見つけようとしています。わかりました、曲の構造とは具体的に何ですか？どんなことですか？コードをどのくらい演奏するか、またはコードがどこに向かっているか、ですか？わかりました、どのように関連しているか、ですね、素晴らしいですね。わかりました。

But what I'm finding out is a, a theme that every time I ask this question to people, it comes back to the same thing. It's dealing with the notes, the key, the pitch, the chords, uh, that we're supposed to play. Basically, we're all trying to play the right notes. There's nothing wrong with that, right? The only thing I would say is that the audience, or the listeners, or the other musicians don't want to wait for you to play the right to find the right note. All right, I like to tell people a lot of times, people who know nothing about music, a lot of times have an advantage over us that claim to know a lot about music. If I ask you to dance to this, what question would you have to ask? None, the music tells you everything. You know what the feel is, you know what the groove is, and your body moves. But if I ask you to play, you can't play until you find the key. Everything you need to know about the song, about the feel of that song, everything you need to know except the key is available to you.

しかし、私が気づいているのは、この質問を人々に何度か尋ねると、常に同じテーマに戻ってくることです。それは、音、キー、音程、コード、私たちが演奏しなければならないものに関係しています。基本的に、私たちはみんな正しい音を演奏しようとしています。それには何の問題もありませんね。ただし、観客や聴衆、または他のミュージシャンは、あなたが正しい音を見つけるのを待ちたがりません。わかりました、私は多くの場合、音楽について何も知らない人々が、音楽についてたくさん知っていると主張する私たちよりも有利だと言いたいです。これに踊ってみて、どんな質問をする必要がありますか？なし、音楽がすべてを教えてくれます。フィールやグルーヴがわかり、体が動きます。

But if we're only relying on knowing the key before we can play music, then we're wasting a lot of time. We're not utilizing all of the tools that are right there in front of us, right? You know it's in 4-4, you know it's a danceable thing, you know it feels like we could groove to it, right? If you want to go to chords, you can, okay, I know that there's really only two going back and forth, right? You know to feel right, you can start playing right away if you'd like.

しかし、演奏してほしいと言われたら、キーを見つけるまで演奏できません。曲やその曲のフィールについて知るべきことはすべて、キーを除いてすべて提供されています。しかし、私たちが音楽を演奏する前にキーを知っていることだけに頼っているのであれば、多くの時間を無駄にしています。目の前にあるすべてのツールを活用していないのですよね。それが4拍子であること、ダンスに適していること、グルーヴが感じられることを知っていますよね？コードに行きたい場合は、できます。わかりました、基本的には二つのコードが交互に鳴っていることがわかります。感じが合えば、すぐに演奏を始めることができます。

グルーブ

But I'm going to add this, if you have to search for the root, groove while you're doing it, groove. If Anthony throws some chords at me, go ahead and ask me anything, okay? Now I don't know where he's at, right? Just stay in one place for a while so I can, that's fine, all right? Now I don't know what that route is, so as I come in, the first thing I'm going to do before I play a note, most of you guys are going to think, where's the root? That's the first thing you think. First thing I think is, what is the groove?

しかし、これを追加します。もしルートを探さなければならないなら、グルーヴを保ちながらそれを行います。もしAnthonyが私にコードを投げかけたら、どんなことでも聞いてください、わかりました？今、彼がどこにいるかはわかりませんよね？しばらくの間、一箇所にとどまっていてください、それで構いません、わかりました？今、そのルートがわかりませんので、入ってくる前に私がする最初のことは、ほとんどの方が思うでしょう、ルートはどこですか？それが最初にあなたが考えることです。私が最初に考えることは、グルーヴは何か、です。

[Music]

And I start allowing my body to feel the groove. Now I know whatever note I play is going to groove. Whatever note I play, I have a better or 50/50 chance of it being one of the seven right notes. And I'm gonna listen and use that to tell me where the root is, but I'm gonna groove all the while. So I still don't know. Okay, I feel the groove, I'm gonna come in.

そして、私は体がグルーヴを感じ始めます。今、私が演奏するどんな音でも、グルーヴすることになります。私が演奏するどんな音でも、それが7つの正しい音のうちの1つである可能性が高くなります。そして、私は聴いて、それを使ってルートを見つけますが、それでもグルーヴを保ちながらやっていきます。ですので、まだわかりません。わかりました、グルーヴを感じます、私が入っていきます。

[Music]

Made a part, all right. That note told me where it was, my first note. As soon as I hit that, I knew it was there, right? But I didn't go like this and then let the music start. I let the music start even before I start. Another key, Anthony.

パートができました、わかりました。その音が私にそれがどこにあるかを教えてくれました、最初の音が。その音に触れるとすぐに、それがそこにあることを知りましたね、そうでしょう？でも、私はこうして、音を出してから音楽が始まるのを待つのではなく、始まる前から音楽を始めました。もう1つ、Anthony。

All right, I don't know where it's at, I don't have to, right? I groove the whole way there so that the person listening, the person drinking their coffee or their wine, the person dancing, they don't feel anything different because the groove never falters. But if I stutter-step my way through until I find it, that's going to just ruin everybody's groove. So brings me to my next question: We're all looking for the right note in order we can, in order to play, and when we find the wrong note, we can't even play.

わかりました、私はそれがどこにあるかわかりません、わかる必要もありませんね？私は常にグルーヴを保ちながら進んでいくので、聴いている人、コーヒーやワインを飲んでいる人、踊っている人が何も感じないようにします。なぜなら、グルーヴは決して崩れないからです。しかし、間違った音を見つけるまでためらって進むと、誰もが崩れます。では、次の質問に移ります：私たちは皆、演奏するために正しい音を探していますが、間違った音を見つけると、演奏できなくなります。

So I'm going to ask you this question: As a bass player, would you say that we are groove players or note players? Which one do you think would come first, groove or note? I see you about to say something, Dave. What is that? Well, I'm not sure that one has to come first. Well, I'm not sure either. I'm not sure that one has to come first, but let's just say one does come first. Well then, groove. Why do you say that? Um, because the song, as a whole, is more important. Okay, well, if you're a groove player first, why do you look for the note first? As it brings up a good point, think about this: If the groove is what we are first, then that's what we should find first.

では、ここで質問です：ベーシストとして、私たちはグルーヴプレイヤーですか、それとも音プレイヤーですか？どちらが先に来ると思いますか、グルーヴか、音か？何か言おうとしているのを見ています、デイブ。それは何ですか？えーと、一つが先に来る必要があるかどうかはわかりません。私もわかりません。一つが先に来る必要があるかどうかはわかりませんが、一つが先に来るとしましょう。じゃあ、グルーヴですね。なぜそう言うのですか？えーと、なぜなら、全体として曲が重要だからです。わかりました、グルーヴプレイヤーがまず先だとすると、なぜ最初に音を探すのですか？それは良いポイントを指摘していますね、考えてみてください：もしグルーヴが私たちの最初のものであるなら、それを最初に見つけるべきです。

Now, I agree with you, groove is first for us, especially us in the rhythm section. Groove is first. Think about this: I'm sure we've all played gigs. People have listened to us play. How many times has anyone ever walked up to you after a gig or show and said, "Man, you played great notes"? You're laughing because it doesn't happen. And I'd kind of worry if it does. That's not the compliment you want to get. Say it again. That's not the compliment you want to get. Right?

今、私はあなたに同意します。特にリズムセクションの私たちにとって、グルーヴが最優先です。グルーヴが最初です。考えてみてください：きっと私たちは皆、ライブやショーを演奏したことがあります。人々は私たちが演奏するのを聴いています。では、ライブやショーの後に誰かが近づいてきて、「おい、素晴らしい音を演奏したね」と言ったことは何度ありましたか？笑っていますよね、それは起こりません。もしそうなったら、ちょっと心配になるでしょう。それはあなたが得たい賛辞ではありません。もう一度言います。それはあなたが得たい賛辞ではありません。正しいですか？

And what is it that you do want to hear? And this is what we normally hear. Well, what I want to hear is somebody come to me and say, "Man, it feels good to play with you. That groove felt good." Then I know I've done my job as a bass player. If other musicians start coming up to me and complimenting me on my notes, then I'll probably upset the singer, you know? If somebody else is noticing my notes more than they notice the singer, that probably stepped over my boundaries. So I want to make it feel good. Now, that's what I want people to notice. And that's what people notice, you know? That's what people are looking for in a bass player, you know? Right? They talk about your groove, your feel, your pocket. That's what us bass players hear. Which makes me say that we are groove players much before we are note players. So that was just a long way of saying: Find the groove first.

では、あなたが聞きたいのは何でしょうか？普段、私たちが聞くことはこれです。さて、私が聞きたいのは、誰かが私に寄ってきて、「おい、君と演奏するのは気持ちいいな。あのグルーヴはいい感じだったよ」と言ってくれることです。そうすれば、私はベーシストとしての仕事を果たしたとわかります。もし他のミュージシャンが私の音符を褒め始めたら、おそらく歌手を怒らせるでしょうね。もしほかの誰かが歌手よりも私の音符に気づくようになったら、それは私の境界を越えたことでしょう。だから、私は気持ち良く演奏したいのです。今、それを人々に気づいてほしいのは、私が求めることです。そして、人々が気づくのはそれですね。それがベーシストに求められていることなのです。私たちベーシストが聞くことです。それが私が言いたかったことの長い言い回しになりますが、まずグルーヴを見つけることです。

All right, so we won't do this exercise again, but I can guarantee that if we did do it again and I had you find the groove before you even touch that instrument, you groove. I guarantee you the first note you play, right or wrong, it's going to feel good. It's feel good. And it's simple to do. It's real, real simple.

わかりました、このエクササイズはもう行いませんが、もしもう一度行い、楽器に触れる前にグルーヴを見つけさせたら、グルーヴすることを保証します。最初に演奏する音符が正しいかどうかに関わらず、気持ち良く感じるでしょう。気持ちがいいです。そして、それは簡単です。とても簡単です。

I want to take a little step further because we're all looking at notes and in my opinion, notes is 99% of what we think about when it's time to play. It's 99% of what gets top. All right, that's what's in the DVDs, that's what's in the music schools, that's what's in the books. We're teaching notes.

私たちはみんな楽譜を見ていますが、私の意見では、演奏の際に私たちが考えることの99%は楽譜です。演奏の時に私たちが思い浮かべるものの99%は楽譜です。DVDにも、音楽学校にも、本にもそうしたものがあります。私たちは楽譜を教えています。

If we think about music as a whole, right, there's more to it than just notes, correct? All right, so let's look at that. If we took music as a whole and let's say we're going to divide music up into ten equal parts, all right? Now, we could divide it up in as many parts as we want, but let's just say that there's ten equal parts, and the key word here is "equal." All right, will you write these down for me, Anthony?

音楽の10の要素

音楽を全体として考えると、楽譜だけではなく、他にも要素があるというのが私の考えです。では、そうした要素を見てみましょう。音楽を全体として捉え、音楽を10等分に分けるとしましょう。もちろん、私たちは任意の数に分けることができますが、今回は10等分とします。そして、ここでの重要なキーワードは「等しい」ですね。それでは、アンソニー、これをメモしてもらえますか？

All right, and I'm going to put the first one on the board. This is the one that gets a lot of attention, maybe even too much. Notes. If you, if you don't mind writing "one" is "notes." Okay, so what I want you guys to do is think of other things that are just as important in music as notes. Can anybody come up with anything that you would think? Okay, Francesco, how about articulation? Articulation. I like how you articulated that. How about articulation? I like that, very, very nice. Articulation is going to be number two, okay? While he's writing, anybody else?

「わかりました、最初のものをボードに書きます。これは注目されることが多い、たぶんあまりにも多いかもしれません。楽譜です。もしよければ『1』に『音符』と書いてもらえますか。では、皆さんにお願いしたいことがあります。音符と同じくらい重要な他の要素を考えてみてください。何か思いつく人いますか？　フランチェスコ、アーティキュレーションはどうですか？アーティキュレーション。君がそれをアーティキュレートしたのが好きだ。アーティキュレーションは2番目になりますね、わかりました。彼が書いている間、他の人はいませんか？」

All right, technique. Yes, technique is very, very important, all right? You can have all the ideas in the world, but if you don't have the technique to get it out, that's just the recipe for frustration. So you need good technique, okay? All right, we got three, seven to go. What's next? I see your hand going up, Michael. Like emotions. Emotions, okay. Right, emotion, but if you don't want to put slash, feel, okay? Now, they're different things because when we talk about the feel, we can talk about what kind of feel does the song have, like groove or something, you know? What's the feel? Is it reggae or whatever? But feel can also be related to emotion, how do you feel? Or even more so, how does the listener feel? Right, we can evoke feeling or emotion from the listener, and we can put feeling and emotion into our music. So I'm gonna put emotion slash feel, okay? We're getting close. Someone else?

わかりました、テクニックですね。はい、テクニックは非常に重要です。世界中のアイデアを持っていても、それを出すためのテクニックがなければ、それはただの挫折のレシピです。だから良いテクニックが必要ですね。わかりました、3つ目ですね、あと7つです。次は何ですか？マイケル、手を上げていますね。感情のようですね。感情、わかりました。ただ、もしその隣にスラッシュを置きたくない場合はフィールとしますか？フィールと感情は異なるものです。フィールについて話すとき、曲にどんな感じがあるか、グルーヴやその他の要素について話すことができます。感じ方はどうですか？レゲエなどですか？しかし、感じ方は感情に関連付けることもできます、どう感じていますか？または、より重要なのは、聞き手がどう感じるかです。聞き手から感情や感じ方を引き出すことができ、音楽に感情や感じ方を込めることができます。ですので、感情／フィールとしますか。わかりました、次は誰でしょうか？

Number five, what's it gonna be? Okay, what about dynamics? Dynamics, cool. I'll take dynamics, that's a good one. That's a joke, they say they asked the guitar player, you know, to play with some dynamics, and he said, "What do you mean? I'm playing as loud as I can." I tell that joke a lot. Dynamics is real good, how loud and soft and in between those loud and soft that you play. Okay, uh, we're halfway there.

「5番目はどうしますか？」
「ダイナミクスはどうですか？ダイナミクス、いいね。それを選ぶよ、それはいいものだ。ちなみに、ギタリストにダイナミクスを求めたら、『どういう意味？俺はできるだけ大声で弾いているつもりなんだが』って言われたんだよ。よくそのジョークを言うんだ。ダイナミクスはとてもいいね、どれくらい大きくて、静かで、その間の音をどう演奏するか。わかりました、半分過ぎましたね。」

Number six, go for it, Dave. Uh, tone. Tone, I'll take it. Let's say tone. Tone will be number six. I saw your hand going up, Joe. What are you going to say? Let's say, how about melody? Melody is a good one, and of course it can be on the list, but I'm going to put melody in with notes because I don't think I explained this.
「6番目は何かな、Dave？」
「音色。音色、それでいいよ。音色が6番目になる。Joe、君も手を挙げてたね。君は何がいい？」
「メロディーはどう？」
「メロディーもいいね、もちろんリストに載せられるよ。ただ、メロディーは音符と一緒にしておくね、これが説明できてないと思うから。」

Notes will be anything dealing with pitches, scales, harmony, chords, key signatures. Melody, we're going to put under there; with notes, they are different but we're going to put it in there. That'll allow us to get more on our list. So can you think of anything else that you might want to be on there?

音符は、音程、音階、ハーモニー、コード、調性などに関するものになります。メロディーは、それに含まれます。メロディーは音符とは異なりますが、それを含めておきます。これでリストをさらに増やせますね。他に何か思いつきますか？

How about rhythm, perfect rhythm? And Anthony, if you don't mind or if you guys don't mind, I'm going to put rhythm slash tempo. Okay, tempo and rhythm are separate things, but to get more on our list, we're going to put them together. Rhythm, you know, separating coordinates, eighth notes and all that stuff. Tempo, how fast or slow we can put them together for this list.

リズム、完璧なリズムはどうですか？ アンソニー、もしあなたが気にしないなら、または皆さんが気にしないなら、リズム/テンポを追加しようと思います。リズムとテンポは別々のものですが、リストをさらに増やすために、それらを組み合わせます。リズムは、座標の分割、8分音符などです。テンポは、それらをどれだけ速くまたは遅く組み合わせるかです。

Three more, all right. Uh, what are we at, eight? Okay, number eight, I got one, okay, what is it? Phrasing, okay, good, phrasing. I like phrasing because most people only think about phrasing as it pertains to notes, you know, making a nice phrase with a scale or some patterns or different things like that, but anything on this list, anything on this list can be phrased. You can make phrases up by changing your tone, right? You can create phrases by adding in-- Oh, I was about to say something that was going to give away what I want was going to be the next one. Okay, I'm not gonna say anything, let's get them all up there first, who's who,

さて、あと3つですね。えー、何番目だったか、8番ですね。わかりました、1つ持っています、では、何でしょう？ フレージング、良いですね、フレージングです。私はフレージングが好きです。なぜなら、ほとんどの人がフレージングを音符に関連して考える傾向があるからです。音符でスケールやパターンを使って素敵なフレーズを作るなど、しかし、このリストの中の何でもフレージングにできます。音色を変えることでフレーズを作ることができます。

anybody else got something else? What's number nine going to be? I can hear it happening right now, I think, absolutely, that's it, space, and I was just getting ready to say it. You can create good phrases by adding space. Actually, in order to have a phrase, you have to have space, right? Actually, in order to have two different notes, there has to be space, right? And I could go even further to say, it's space that allows anything to be separate from anything else, right? If there were no space between me and Anthony, there'd only be one of us, right? So take away all the space in the world, and you get one, but we won't go into that.

さて、他に何かありますか？9番は何になりますか？今、その雰囲気が漂っているのが聞こえます、そうです、スペースです。私は言おうとしていました。スペースを追加することで、良いフレーズを作ることができます。実際、フレーズを持つためには、スペースが必要ですよね。実際、2つの異なる音符を持つには、スペースが必要ですよね。さらに言えば、すべてのものが他のものと分かれていることを可能にするのはスペースですよね。私とアンソニーの間にスペースがない場合、私たちは1人しかいないでしょう。世界中のすべてのスペースを取り除くと、1つしかありませんが、それについては触れません。

All right, now there's a last one I want to make sure is up there, and I'm kind of glad no one said it, but I don't know if anyone's ever said it in the years that we've done this exercise and in my opinion, okay, these are all equal. We're going to put number 10 up here and it's equal also, but if I had to give priority to one of these elements, if one of these things were more important than the other, this one would be the one that in my opinion is by far the most important part of music. And could anyone think of what that might be? Okay, here's a clue, as I'm talking, what are you doing? Go ahead Michael, listening, absolutely, listening, right? Listening is the absolute most important part of music. Now Beethoven created a few symphonies, deaf, but I guarantee you he could hear in his head, he knew what it sounded like, right? So there are different forms of listening, but listening is the most important thing to any relationship, all right? And I'm going to come back to that a little bit later in this dialogue, listening to me would be far at the top, all right?

全員が上に上がっていることを確認して、最後に1つだけ確認したいことがあります。誰も提案していないようですが、これまでこの演習を行ってきた中で誰かが言ったことがあるかどうかはわかりませんが、私の意見では、これらの要素はすべて等しいです。10番目の要素も同様に等しいですが、これらの要素のうち1つを優先する必要がある場合、私の意見では音楽の中でこれが圧倒的に最も重要な部分です。誰かがそれを考えつくことができますか？はい、マイケル、話している間、あなたは何をしていますか？そうです、聞くことですね、完全に、聞くことです。聞くことが音楽の中で絶対に最も重要な部分です。 Beethovenは幾つかの交響曲を聾者で作曲しましたが、彼は頭の中で音を聞いていたことを保証します。異なる形態の聞くことがありますが、関係にとって聞くことは最も重要なことです。それについては、この対話の後半でまた少し話しますが、私にとって聞くことは非常に重要です。

Now let me ask you this too, a lot of people study music theory, right? Probably, I've studied very little, I know very little music theory, um, but in most of our music theory classes, out of these elements up here, I'm just calling them elements, we've got ten, which one of these does music theory for the most part teach us? Which one of these elements out of all of these does music theory talk about? Anybody, okay, go ahead, number one, okay, notes, notes, yeah, okay, I would agree, I would agree. Now it depends on the teacher, you know, a good teacher is going to get into hopefully all of this stuff and more, but for the most part, at least 95 percent of what we deal with in music theory is notes, scales, modes, and in jazz, we're learning how to, you know, add more harmony and, and uh, you know, chords substitutions, how to solo over giant steps, right? You can go into a music store and throw a dart and it's going to hit a book talking about notes, that's what we talk about for the most part, that's it.
All right, but now hopefully we're starting to see that there is a whole lot more going on, a whole lot more going on, all right? For example, if I play some notes, right, ain't nothing going on. I can change the note.

さて、もう1つ質問させてください。多くの人々が音楽理論を学んでいますね？おそらく、私はほとんど勉強していません。音楽理論についてはほとんど知りません。しかし、ほとんどの音楽理論の授業では、これらの要素のうち、主にどれについて教えられるのでしょうか？これらの要素の中で、音楽理論は主にどれについて話すのでしょうか？誰か、わかる人いませんか？はい、No1ですね、ノート（音）です。ノート、そうですね。私も同意します。教師によっては異なりますが、良い教師はこれらの要素すべてについて詳しく説明してくれるはずです。しかし、ほとんどの場合、音楽理論で扱うものはノート、音階、モードであり、ジャズでは、より多くのハーモニーを加えたり、和音の置換を学んだり、ジャイアント・ステップスのソロを弾く方法を学びます。音楽店に行ってダーツを投げれば、ノートについて話している本に当たるでしょう。それがほとんどの場合、私たちが話すことです。では、これからはもっとたくさんのことが起こっていることを理解できるといいですね。たとえば、ノートを弾いても何も起こりません。

[Music]

Those are good notes, but you're sitting there with a blank face, look on your face because it's not moving you. It's not doing anything, right until if I play a note and I start to articulate, all of a sudden there's something going on. Right now with articulation, I'd even add duration into it. I'd put articulation slash duration because how long you hold notes are important too. So, all of a sudden there's a groove, not much, but it's starting to be born where it was non-existent with notes alone.

それらは良い音符ですが、あなたは何も感じていないようですね。顔には何も映っていません。何も起こっていません、ですね？でも、もし私が音符を弾いてアーティキュレーションを加えると、突然何かが起こります。アーティキュレーションに加えて、長さも重要です。なので、アーティキュレーション/長さとして追加します。突然、グルーヴが生まれ始めます。あまり強くはありませんが、それは音符だけでは存在しなかったものです。

Right, so with dynamics, with feel, with tone, with different rhythms and phrasing, and adding in space, all of a sudden a groove is born which is why I say it's numbers 2 through 10 as a whole that make up groove. Groove, in my opinion, is not found in number one. It's two through ten and so you guys told me that we are groove players, right? So it's two through ten that needs to be studied, needs to be taught, and it needs to be in the books, the videos, and the DVDs because that's what's going to make you a good player.

そうですね、ダイナミクス、フィール、トーン、異なるリズム、フレーズ、スペースを加えることで、突然グルーヴが生まれるのです。だから私は、グルーヴはNo1で見つかるものではないと言っています。それは2から10までの要素全体であり、私たちはグルーヴプレイヤーだと言ってくれたでしょう？ですから、2から10までが学習され、教えられ、本、ビデオ、DVDに含まれている必要があります。それがあなたを優れたプレイヤーにするものです。

There's only 12 notes, but there's an infinity amount of articulation technique emotion feel dynamics tone rhythm phrasing space and listening, all right? So how do you get good at two through ten? It's a very, very good question. You're on your own because no one's teaching it. You're on your own, but in order to be considered one of the good players, you have to learn it.

たった12の音符しかないけれど、アーティキュレーション、テクニック、感情、フィール、ダイナミクス、トーン、リズム、フレーズ、スペース、そしてリスニングといった無限の要素が存在します。では、2から10までの要素をどうやって上達させるのでしょうか？ それは非常に良い質問です。誰もそれを教えていないので、あなたは自分で学ばなければなりません。しかし、優れたプレイヤーとして考えられるためには、それを学ばなければなりません。

I like to add something to that if you think about different genres of music, what you'll notice is what they have in common are the same notes. A C major seven chord is the same C major seven in jazz as it is in country, as it is in polka, as it is in rock. So it's not the notes that give us our different genres. Really the difference between the different styles of music is two through ten. Each different genre music has a different set of two through ten but the exact same notes.

それに加えて、さまざまな音楽ジャンルを考えると、共通しているのは同じ音符です。Cメジャーセブンコードは、ジャズでもカントリーでも、ポルカでも、ロックでも同じCメジャーセブンです。したがって、私たちが異なるジャンルを持つのは、音符ではなく、実際には2から10までの要素です。異なるジャンルの音楽は、異なる2から10のセットを持っていますが、まったく同じ音符です。

If you think about your favorite bass player in the world and if you think about your least favorite bass player in the world, what they have in common is the notes. What makes them different players, what makes you like a player or what makes you not like a player is just two through ten. I always say the best bass player in the world isn't good enough that he can add a 13th note and I always say the worst bass player in the world isn't so bad that he's not allowed some notes. This, you know, this is what we all have in common and what makes us different, fortunately, is two through ten. That's why we need to be hyper-aware of two through ten, definitely.

もし、世界で一番好きなベーシストと、世界で一番好きでないベーシストを考えてみると、彼らが共通して持っているのは音符です。彼らを異なるプレイヤーにするのは、好きなプレイヤーになる理由やそうでない理由は、2から10までの要素だけです。私はいつも、世界で最も優れたベーシストでも、13番目の音を追加することができないほど優れているとは限らないと言います。また、世界で最も下手なベーシストでも、一部の音を持っていないほど下手ではないとも言います。これは、私たちが共通して持っているものであり、私たちを異ならせるのは、幸いなことに2から10までの要素です。だからこそ、私たちは2から10までに非常に注意を払う必要があります。

Right, the notes that Jaco has on his bass are the same notes that we have on ours. The notes that Stanley and Marcus, Larry, Graham, Paul McCartney, Bootsy, they don't have different notes, but I can play "Teen Town," I can play "School Days," but for some reason, I don't sound like Marcus, I don't, I mean, I don't sound like Jaco, I don't sound like Stanley. What is it then? The notes are the same, the notes are right. It's the two through ten.

そうですね、ジャコが彼のベースで持っている音符は、私たちが持っているものと同じです。スタンリーやマーカス、ラリー、グラハム、ポール・マッカートニー、ブーツィーなどの音符は異なりません。しかし、私は「ティーンタウン」を演奏できますし、「スクール・デイズ」も演奏できますが、なぜか、私はマーカスのようには聞こえませんし、ジャコのようには聞こえませんし、スタンリーのようにも聞こえません。それは何なのでしょうか？ 音符は同じですし、音符は正しいのです。それは、2から10の要素です。

All right, so that's what I say we should be practicing a whole lot. I'm going to show you one more little thing. Okay, to demonstrate something, um, I'm gonna have Anthony play a groove in G minor, and do me a favor, write something for me, going to be straightforward with you, I know very little music theory, um, but I do know enough that if I'm in the if I'm in G minor, I know that I can play a G, that's how smart I am. So write a G up there, um, so in the key of G minor what other notes can I use, anybody, just whatever, what else is it I know I got G, what's next, go ahead Joe, A, A okay, I see, is that it, F, thank you, okay, and then after that is G. So in the key of G minor I have G, A, B flat, C, D, E flat, F, and then G again, right?

わかりました、では、もう一つちょっとしたことをお見せしますね。では、デモンストレーションのために、AnthonyにGマイナーのグルーヴを演奏してもらいます。そして、手伝ってほしいことがあるんですが、書いてもらえますか？ 正直に言いますが、私は音楽理論をほとんど知りません。ですが、Gマイナーのキーであれば、Gを演奏できるというくらい、私は賢いのです。だから、Gを書いてください。次に何ができるか、他に何があるか、誰か教えてください。では、Joe、どうぞ、Aですか。了解、ありがとうございます。F、Fですね、ありがとうございます。それからGですね。ですから、Gマイナーのキーでは、G、A、B♭、C、D、E♭、F、そして再びGが使えるわけです。

Okay, so what I'm going to do, uh, I'm going to solo for you right now as best as I can. This is going to be an honest attempt to solo as best I can at this moment, but what I'm going to do is I'm not going to use any of those notes. I'm only going to use the five that you didn't mention. Okay, and I'm going to solo.
わかりました。今、できる限り最高のソロをお見せします。これは今の私ができる限りの誠実なソロになりますが、使うノートは、あなたが言及しなかった5つだけを使用するつもりです。では、ソロを披露します。

[Music]

here's the right notes

では、正しい音階を使って演奏します。

[Music]

Okay, all right, that's two different approaches to a solo. All right, you heard the first approach and then I changed to the second approach. Out of those two approaches which one did you say you liked better? Which one? Say it again. First one, the first one, anybody else? Yeah, the first one, first one. Okay, so that's, I guess that's a consensus that's the first one but listen to this. Okay, 'cause I want to make sure you want to say what you're saying.

私たちが行った2つのアプローチを聞いて、どちらの方が好きでしたか？どちらですか？もう一度言ってください。最初のもの、最初のものです。他の人はいますか？はい、最初のもの、最初のものです。そうですね、それが一致ですね。最初のものですが、聞いてください。

The first solo had all the wrong notes in it as best that I could. I didn't use any of those notes and the second one, I can guarantee had the right notes in it but you're telling me you like the wrong note solo better. You want to stick with that here's your chance right now on camera to change your mind. Hello, all you guys are presently studying music and you're willing to go back and tell your music teacher that a solo with the wrong notes was better than the solo with the right notes. Yes.

最初のソロは、できる限りすべての間違った音を含んでいました。私はその音を一つも使わず、2つ目のソロは、正しい音が含まれていたことを保証しますが、間違った音の方が好きだと言っていますね。それで良いと思いますか？今、ここでカメラの前で考えを変えるチャンスです。音楽を勉強している皆さん、あなた方は音楽の先生に、間違った音のソロが正しい音のソロよりも良かったと伝える覚悟がありますか？ はい。

Okay, all right, all right so now that brings me to my second question. Okay, you like the solo with the wrong notes in it so it brings me to this question why was it better? Okay, um, well I mean, it's like the two through ten and the solo with the, uh, with all the wrong notes you were what's the word being more judicious in your approach for two through ten and the one with the right notes even though it was, you know, in the right scale in the right key um I think you were purposefully, you know, uh, falling short in two through ten to illustrate your point.

わかりました、では次の質問に移ります。間違った音の入ったソロが好きだったのはなぜですか？まあ、それは、2から10までの要素がソロに入っていたためで、正しい音のソロでは、スケールやキーは合っていたものの、意図的に2から10までの要素を不足させていたためだと思います。

Right and, and words that I can understand judiciously, I thought I was in court all of a sudden man. That was good though man but you're absolutely right what you what I hear you saying is that in the first solo with all the wrong notes 2 through 10 was present so that made the wrong notes sound right because they felt right. In the second solo when all the right notes were present two through ten wasn't and it even made the right notes sound horrible.

そうですね、理解できる単語「judiciously」、突然裁判所にいるような気分になりましたよ（笑）。でも本当にその通りですね、あなたが言っていることは、最初のソロでは間違った音でも2から10までの要素が存在していたので、それが正しく感じさせたということです。二つ目のソロでは正しい音が全て揃っていましたが、2から10までの要素が欠けていたため、それが逆に正しい音をひどく聞こえさせたということです。

So what that says what I hear you saying okay I'm getting this from you what I hear you saying is that whether the note sounds right or wrong depends on 2 through ten. Is that what you is that what you're saying okay whether that I'm going to repeat it whether the note works or not depends on two through ten.

あなたが言っていることを理解したつもりです。あなたの言っていることは、音が正しいかどうかは、2から10までの要素に依存するということですね。

Okay but we spend 95 percent of our time chasing notes studying notes wanting to learn more skills that's all good stuff that is all good stuff learn all the skills all the notes you can but do not exclude two through ten you need to become a master of notes but you also need to become a master of articulation technique emotion and feel dynamics tone rhythm tempo phrasing space and you definitely need to become a master listener.

わかりました。しかし、私たちは95パーセントの時間を音符を追い求め、音符を勉強し、さらにスキルを学びたいと考えています。すべてのスキルを学び、すべての音符を覚えることは素晴らしいことですが、2から10までの要素を除外しないでください。音符の達人になる必要がありますが、同時に表現、テクニック、感情、ダイナミクス、音色、リズム、テンポ、フレージング、スペースにも達人になる必要があります。そして、特に優れたリスナーになる必要があります。

Once you can master 2 through 10 you'll be like Miles Davis and then you'll realize I don't need many notes that is a master musician.

2から10までをマスターすると、あなたはマイルス・デイヴィスのようになり、たくさんの音符は必要ないことに気づくでしょう。それが真の名手の音楽家です。

[Music]

Okay, so we've talked about 10 different parts of music, and you guys helped us come up with 10 equal parts and, in my opinion, the one that we think about are taught about and explore the most are notes. All right, that's first on our list so I'm going to say let's talk about that, let's spend a little time talking about notes because my goal here is to give you alternate things to think about. What I'm telling you is not to take the place of what you've been taught because you've been taught great stuff. I heard you guys warming up and you're all great players so the things you've been doing are working but I just want to give you some things to add to it, okay? So don't let any of this stuff replace anything, right?

さて、音楽の10の異なる要素について話し合いましたね。そして、皆さんのおかげで、それらを10等分することができました。私の意見では、私たちが最も考え、教え、そして探求するのは音符です。そうです、それがリストの第一位ですので、それについて少し話しましょう。ここでの目標は、新しい考え方を提供することです。私が言っていることが、これまでに学んだことの代わりになるものではないことを理解してください。なぜなら、皆さんは素晴らしいことを学んできたからです。ウォーミングアップを聞いたところ、皆さんはすばらしいプレイヤーですので、これまで行ってきたことが効果的です。ただ、それに付け加えるものを提供したいと思っています。ですので、どの情報も置き換えるものではありませんので、その点をご理解くださいね。

But everybody's talking about notes, every book is teaching you scales, chords, harmony, you know, we want to know how to solo over giant steps or whatever, so I'm not going to spend a lot of time on this, all right? But I have a question, I want to ask you something. I do want you to think about how many notes in our western style of music how many notes are there? Anyone? 12. Simple. We have 12 notes, all right? On a piano from C, you know, C sharp D backed up to C is 12. That's all we have, those 12 notes. Here's my next question, this is for anyone, somebody raise your hand and give me an answer. How many of those 12 notes would you say you are comfortable with?

みんなが音符について話していますし、どの本も音階やコード、ハーモニーを教えています。ジャイアント・ステップスのソロの方法などを知りたいと思っていますよね。ですから、これには多くの時間を費やすつもりはありません、わかりましたか？ でも、質問があります。何か尋ねたいと思っています。西洋音楽の中には、いくつの音符があると思いますか？誰か分かりますか？ 12ですね。簡単です。12の音符があります。ピアノの場合、CからC♯、D、Cに戻るまでが12個です。それが私たちが持っているすべての12の音符です。次の質問ですが、これは誰にでもです。手を挙げて答えてください。これらの12の音符のうち、どれくらいの音符があなたにとって馴染みがあると思いますか？

You know, as a younger player maybe you rely on recognizable shapes like the pentatonic scale, right? Right, shapes. So perhaps five. Okay, right, five is good I get we get that a lot five we get twelve sometimes we get seven but the reason I say one is because you can't play your pentatonic scale until you find one particular note and what is that note? Say it again. The root. The root, right? So when we were changing keys when Anthony and I were changing keys most of you couldn't even play until you found the root, right? So that's why I say you are only comfortable with one note. Now that one note changes depending on the key but it's still only one note once you find it then you can play.

わかりましたね。若いプレイヤーの場合、ペンタトニックスケールなどの認識しやすい形に頼ることがあるでしょう。形ですね。だからおそらく5個です。わかりました、5個はよくあります。時には12個、時には7個もありますが、私が1と言う理由は、あなたが1つの特定の音を見つけるまでペンタトニックスケールを演奏できないからです。それは何ですか？もう一度言ってください。ルートですね。ルート、そうです。だから、アンソニーと私がキーを変えていたとき、ほとんどの人がルートを見つけるまで演奏できなかったというわけですね？だから私が言うのは、あなたが1つの音しか快適に感じていないということです。今その1つの音はキーによって変わりますが、それでも見つけたら1つの音だけです。

Now, I hate to sound mean but that's a shame. You guys are good players you've been playing a long time I can hear it but you're still only comfortable with one note out of the 12. You shouldn't have to find that one note before you can play. All right, in most keys that we're in if we pick a key let's say G minor there's 12 notes total. How many of those 12 notes are in the key signature most of the time? How many notes? Seven, right? Seven, right? So there's seven right notes and only five so-called wrong notes. That means even if I guess I'm going to hit a right note more than half the time.

申し上げるのも気が引けますが、それは残念なことですね。皆さんは実力のあるプレイヤーですし、長い間演奏してきたと感じますが、それでも12の音符のうちの1つにしか慣れていないようです。演奏する前にその1つの音を見つける必要はありません。さて、ほとんどの場合、私たちが使用するほとんどのキーでは、たとえばGマイナーを選んだとしましょう。合計12の音符があります。その12の音符のうち、キーシグネチャにはほとんどどれくらいの音符が含まれているでしょうか？何個ですか？そうです、7個ですよね？7個ですよね？つまり、正しい音符が7つあり、いわゆる「間違った」音符が5つしかないということです。つまり、私が推測しても、正しい音符に当たる確率は半分以上になります。

So if I'm looking at a piano where I have the white keys and the black keys if I'm in the key of C major seven of those white keys are in that key only five are not, right? But let's see what happens if I happen to land on a wrong note if I happen to land on a black key and I'm only supposed to hit the white keys if I'm standing on this black key what's on either side of me? A white key, absolutely, all the time. There is no black key on the piano that doesn't have a white key on either side. What is that telling you that you are never more than a half step away from a right note?

もし私がピアノを見ていて、白い鍵と黒い鍵がある状況で、Cメジャーキーにいるとします。そのキーには白い鍵が7つ含まれているだけで、含まれていないのは5つですね？でも、もし私が間違った音符に当たってしまった場合、もし私が黒い鍵に乗ってしまって、白い鍵しか打つべきではないとしたら、私の周りには何があるでしょうか？白い鍵ですね、常にそうです。ピアノには、両側に白い鍵のない黒い鍵はありません。それは何を示しているか、それは常に正しい音符から半音離れていないということです。

But if you can only find the root you can be a long ways away and that was what was happening when we first asked you to play as you were searching for the root. So there's a lot of books out there that teach you scales, chords and for whatever reason we've studied them too but we're still only comfortable with the root. So in a sense, it's not working. Let's be point blank it's not working so my goal today is to get you comfortable with or give you a tool to get you comfortable with all 12 notes and everything I'm going to talk about is going to come down to that last element we talked about which is listening. You have to listen to them all, all right?

しかし、もしルートしか見つけられないのなら、かなり遠くになってしまうことがあります。最初に演奏するようにお願いしたとき、あなたはルートを探していました。ですから、スケールやコードを教えるたくさんの本がありますが、何らかの理由で私たちはそれらを学んできましたが、それでもルートにしか慣れていません。ある意味では、それはうまくいっていません。はっきり言って、うまくいっていません。ですから、私の今日の目標は、すべての12の音符に慣れるか、またはそれに慣れるためのツールを提供することです。そして、私が話すすべてのことは、最後に話した最後の要素、つまり聴くことに尽きるということに帰結します。すべてを聞く必要があります、わかりましたか？

You know a lot of scales probably you've learned them all phrygian dorian and all that kind of stuff I'll guarantee you I can name one you never practice and it's the simplest one and the hardest one and I guarantee you you don't practice it because not many people do you know what it is? The chromatic scale. It's the easiest and the hardest because it uses every note chromatic scale starting on one note and playing every one.

多分、あなたはたくさんのスケールを知っていますね。フリジアンやドリアンなど、すべてを学んだかもしれません。私は保証します、あなたが練習したことのないスケールを1つ挙げることができます。それは、最も簡単でありながら最も難しいものであり、ほとんどの人が練習しないのでしょうか。それは何か、わかりますか？クロマティック・スケールです。それは最も簡単でありながら最も難しいものです。なぜなら、すべての音符を使用するからです。ある音から始めて、すべての音を演奏するのです。

[Music]

In my opinion, if I can make that scale work, I can make any scale work. If I can make all the notes work, I can play anything. So I recommend practicing the chromatic scale, very, very simple but you have to listen to how the note works against the chord because if I'm in the key of G, a G will sound one way but if I'm in the key of G sharp, a G sounds different and you want to get comfortable with that.

私の意見では、もし私がそのスケールを機能させることができれば、どんなスケールでも機能させることができます。もしすべての音符を機能させることができれば、どんなものでも演奏できます。ですから、クロマティック・スケールの練習をお勧めします。非常に、非常にシンプルですが、どのように音符がコードに対して機能するかを聞く必要があります。なぜなら、もし私がGのキーにいる場合、Gはある特定の音に聞こえますが、もし私がG#のキーにいる場合、Gは違った音に聞こえます。それに慣れることが大切です。

So I'm going to ask Anthony to play a groove for me in G and all I'm going to do is explore the chromatic scale. The key thing is I'm really going to listen to how these notes sound. Now the G is easy, right? We know what that sounds like. Now and I'm not trying to play right, I'm just exploring the sounds, okay? Now here. Okay, now I just want to get familiar with that sound because what happens with most of you, you hear that sound and you leave it you don't spend any time with it. You're scared of it, stay there for a while and get comfortable, make music with it.

だから、私はアンソニーにGのグルーヴを演奏してもらい、私がすることはクロマティック・スケールを探求するだけです。重要なのは、これらの音がどのように聞こえるかを本当に聞くことです。Gは簡単ですね、わかりますよね、その音がどのように聞こえるか。今、私は正しく演奏しようとしているわけではありません、ただ音の探求をしているのです、わかりますか？さて、ここにいます。では、その音に慣れるだけです。ほとんどの場合、あなた方のほとんどは、その音を聞いてすぐに離れてしまい、それに時間を費やしません。それを恐れてしまうのです。そこにしばらく留まり、慣れ、それと一緒に音楽を作り出してください。

[Music]

Now here's the neat thing, here's why I love these out notes, right? He's in the key of G minor and I'm playing a major seven, that's out, but what's on either side of it? A right note. So whenever I hear that weird sound,

ここで面白いことがあります、こういう「外れた」音が大好きな理由ですね。彼はGマイナーキーにいますが、私はメジャーセブンを演奏しています、それは外れた音ですが、その周りには何があるでしょうか？正しい音です。だから、その奇妙な音を聞くたびに、

[Music]

I can slide it in either direction, right? Listen, keep listening. Now here's something that's really cool. What you'll notice is the G-flat doesn't sound wrong anymore. Isn't that cool? It sounds right now, could you because now you know where it's going, okay? It sounds good now, right? So what I did is I made a mistake but I wasn't afraid of it, and I know that there's a right note on either side so I slid it in either way and it sounds right. And then I keep doing that, and all of a sudden that mistake gets corrected to where it's not a mistake anymore. So the listener who first heard that note all of a sudden goes, "Ah, I get it." That's the way you can correct mistakes after you've made them. Now if I hit that note and then I start jumping around I lose the rhythm, my articulation is bad, my tone is bad, and I mess up two through ten. It'll sound like a mistake but if I hit that wrong note and 2 through 10 is still okay, no one will care. All right, let's keep going.

ここで、本当に素晴らしいことがあります。気付くことでしょう、Gフラットはもう間違って聞こえないということです。それはかっこいいですよね？今は正しいと聞こえます、なぜなら、今ではその音がどこに向かっているかわかるからです。大丈夫、今は良い音ですよね？だから私がしたのは、間違いを犯したけれども、それを恐れず、両側に正しい音があることを知っていたので、どちらかの方向にスライドさせて、それが正しく聞こえるようにしました。それを繰り返し、突然その間違いが修正され、もはや間違いではなくなります。だから最初にその音を聞いた聴衆は突然、「ああ、わかった」となります。これが、犯した後で間違いを修正する方法です。今、もし私がその音を打ち、それからジャンプし始めたら、リズムを失い、表現が悪くなり、音色も悪くなり、2から10までが台無しになります。それは間違いのように聞こえるでしょうが、もし私がその間違った音を打ち、2から10までがまだ大丈夫なら、誰も気にしません。さて、それでは続けましょう。

All right, so basically I'm going to speed it up. Let's say I go through every note and I spend time with it, really listening, okay? Now what I do is I take the chromatic scale and I try to make it musical, right? A lot of us are taught to use the scale of the key and make music.

わかりました、基本的には私はそれを速めるつもりです。すべての音符を通過し、それに時間を費やして、本当に聞くのです、わかりましたか？ 今、私がすることは、クロマティックスケールを取り、それを音楽的にしようとすることです、そうですね？私たちは多くの場合、キーのスケールを使用して音楽を作ることを教えられます。

[Music]

That's the G minor scale. I say do the same thing with the chromatic scale.

それはGマイナースケールです。同じことをクロマティックスケールでもやってみてください。

[Music]

Now that note's not wrong anymore, huh? All right, for me, if I find a note that's out, I love it, because when I go to a right note, it sounds so good.

その音はもう間違っていないですね、そうですね？私にとって、もし外れた音符を見つけたら、私はそれが大好きです。なぜなら、正しい音に行くと、とても素晴らしいからです。

[Music]

So, okay, kind of cool, right? Not hard, very cool, not hard. Really, that should be liberating because I don't have to choose what note is next.

だから、ちょっと面白いですよね？難しくないですし、とても面白いです。実際には、それは解放感があるべきです。なぜなら、次にどの音符を選択する必要がないからです。

It's just a chromatic scale. One of the things like Vicar said earlier, we have to start trying to incorporate that scale in our practice. None of us practice that scale because you can get some interesting things with that scale. The prefix chroma means color. If you want to add color to your playing, you add it by adding the chromatic scale to your playing. That's heavy. The scale is telling you, you know, if you just think about if we only in this key only play the right notes, those seven right notes, right, there's not going to be a whole lot of color there. But the chromatic scale is telling you to add color you have to add in those other five notes. So I say if you practice any scale, practice that one. Cool. I'm gonna show you one other thing, right? I'm gonna just have Anthony play anything for me.

それはただのクロマティックスケールです。Vicarが前に言ったように、私たちはそのスケールを練習し始める必要があります。私たち誰もがそのスケールを練習しないのは、そのスケールで面白いものが得られるからです。接頭辞のクロマは「色」を意味します。もし演奏に色を加えたいのであれば、クロマティックスケールを演奏に加えることでそれを追加します。それは重要です。スケールはあなたに教えています、もし私たちがこのキーで正しい音符だけを演奏したら、その7つの正しい音符だけであまり多くの色はありません。しかし、クロマティックスケールは、色を追加するためにはその他の5つの音符を追加する必要があると教えています。だから、もし何かのスケールを練習するなら、そのスケールを練習してください。かっこいいですね。私はもう1つ、見せたいことがあります、わかりますか？アンソニーに何かを演奏してもらいます。

Okay, in other words, I have no idea right now. Right now, I was changing my notes but the chords weren't changing. Now I'm gonna put this to the test by having Anthony change the chords and I have no idea what's going on. That was a surprise for him and uh and then I'm going to see if because here's again here's what I'm doing first of all I'm going to make it groove, right, as best I can but my goal here is I'm going to rely on the fact that seven of the notes are always right and I'm also going to use the idea that I'm only a half step away and I'm using my ear to tell me all of that so if I play something that I don't like, okay, and I'm just gonna have fun.

わかりました、言い換えると、今は何が起こっているのかわかりません。今、私は自分の音を変えていますが、コードは変わっていません。今度は、アンソニーにコードを変えてもらって、私は何が起こっているのかわからないようにしてみます。それは彼にとっての驚きであり、そしてそして、私は自分ができる限りのグルーブを作り出すつもりですが、ここでの私の目標は、常に7つの音が正しいという事実に頼り、また私は常に半音の間隔しか離れていないという考えを使用しています。それらをすべて私の耳が教えてくれるので、もし私が気に入らない何かを演奏したら、私はただ楽しむつもりです。

[Music]

So, so, okay, now this is fun. It's not that it's the best music ever, but I'm getting comfortable with everything. We're not comfortable when things sound right; we're not comfortable when things sound wrong. And if you can be comfortable when you're playing even a wrong note, then you're going to be making great music all the time. You never let a note rob you of playing good music, all right? And I like to use this phrase or a line that says,

そう、そうですね、さて、これは楽しいです。これが最高の音楽だというわけではありませんが、私はすべてに慣れてきています。私たちは、音が正しいときには快適ではありません。音が間違って聞こえるときにも快適ではありません。もし間違った音符を演奏しているときでも快適であれば、常に素晴らしい音楽を作り出すことができます。

"Never lose the groove in order to find a note." All right, and I think you understand that now. Practice the chromatic scale.

決して音符によって良い音楽を奪われないでください、わかりましたか？私はこのフレーズや一文を使うのが好きです、「音符を見つけるためにグルーヴを失うな」。わかりましたね、今。クロマティックスケールを練習してください。

アーティキュレーション

[Music]

All right, right now we're going to spend a little time talking about articulation, and um, I like to always put articulation along with duration, meaning how long we hold a note. What to anyone, what does articulation mean? Anybody? What does articulation mean to you? Okay, Michael.

さて、今はアーティキュレーションについて少し話をする時間を取りますが、アーティキュレーションには常に持続時間と共に触れるのが好きです。誰か、アーティキュレーションとは何ですか？誰か、アーティキュレーションはどういう意味ですか？わかる人、誰かいますか？わかるよ、マイケル。

Uh, the way you play the note, the way you play the note meaning whether I hit it with my thumb or whether I hit it with my finger or whether I play it in tune or out of tune. What do you mean? I guess the, yeah, I mean, like the way you, the way you hit it and like the, I guess the attention you give the note. Yeah, attention, or maybe, go ahead, go ahead.

ええ、音符を演奏する方法、つまり、私が親指で叩くか、指で叩くか、音を正確に演奏するか、外れて演奏するか。それが意味することは何ですか？うーん、私が言うのは、うん、まあ、音符を演奏する方法や、音符に対する注意の仕方とか、そういうことかな。うん、注意、あるいは、もっと言うなら、進んで言ってください。

Oh, um, yeah, I mean, you could break it down, I think, in combination of uh, let's say attack, technique, duration. Yeah, um, you know how in or out of the pitch it is, I supposed to whether you're bending it, could be a number of things, right? Because you can change your articulation by changing your technique. It's a really, really good point because what you'll notice that all the different, I'll call them elements for now, all the different parts of music, I could say that we talked about, they all affect each other, and you can change one by changing the other. If you want to change the feel, you change your articulation, or maybe you change your technique. Again, that's why it's so important in my mind to learn thoroughly, learn all of these different parts.

ああ、ええ、攻撃、テクニック、持続時間の組み合わせとして分解できると思いますね。うん、音程の内外、たとえば曲げるかどうか、いくつかの要素がありますね。なぜなら、テクニックを変えることでアーティキュレーションを変えることができるからです。それは本当に重要なポイントです。なぜなら、すべての異なる、今は要素と呼ぶことにしましょう、音楽の異なる部分、私たちが話したところですべてがお互いに影響し合い、一つを変えることで他を変えることができるからです。もし感覚を変えたいなら、アーティキュレーションを変えたり、あるいはテクニックを変えたりします。再び、だからこそ私にとって、徹底的に学び、これらの異なる部分をすべて学ぶことが非常に重要だと思うのです。

All right, let's go and try a couple of things. Then you have anything that you want to add? Okay.

さて、いくつかのことを試してみましょう。何か追加したいことはありますか？わかりました。

I'll do me a favor, Kurt, play that, uh, that island groove, that thing you were playing a minute ago for us.

いいよ、カート、ちょっと前に演奏してくれたあのアイランドグルーヴを演奏してくれるかな。

Okay, right, that's incredible groove. You know, that's a groove that really doesn't come from this country, you know, it's like, I recognize that, that's from somewhere else, you know. So, you have to teach me that, man, that's so cool. But what I found, especially with players, there's a lot of wonderful players from other countries that have been coming to America, you know, people like Richard Bona and Bakiti and all these wonderful players. And, uh, and it's changing the way we play. But what I have found, a lot of what they do is, a lot of what makes it feel the way it does is how they articulate the notes, right? So, play it one more time, and what I want you to do is listen to his articulation. Also, listen to which notes are held long and which notes are short. Okay, one more time. You don't think about it, you just play. Keep playing that for me, right, the beast. They want you to feel, long note, long note.

わかった、すごいグルーヴだね。これは本当にこの国から来たものではないんだ、どこか他の国から来たものだ、わかる？だから、教えてくれよ、それはとてもかっこいいんだ。でも私が見つけたのは、特に他の国から来た素晴らしいプレイヤーたちがたくさんアメリカに来ているんだ、リチャード・ボナやバキティなどの素晴らしいプレイヤーたちだ。それは私たちの演奏の方法を変えているんだ。でも私が見つけたのは、彼らがやることの多くは、それがどう感じられるかに大きく影響を与えているのは、どのように音符を表現するかだ、そうだろ？もう一度演奏してもらって、彼のアーティキュレーションに耳を傾けてほしい。また、どの音符が長く保持され、どの音符が短くなるかも聞いてほしい。もう一度、考えずに演奏してほしい。私にそれを演奏し続けてほしいんだ、獣。感じるんだ、長い音、長い音。

[Music]

Long note, right. Play everything short.

長い音、そうだね。すべてを短く演奏してみて。

[Music]

Okay, play everything long, right? And you can hear how the different articulation, right, the different lengths of the notes. Very good, Kirk, thank you. The way he changes articulation changes the way the song feels, right? And it's a subtle thing, and it's a thing we want to know about because that's going to help us sound more musical. In other words, when he starts playing the notes long, in my mind, to what I'm musically used to, I hear the drummer going to the ride symbol. Okay, it's the chorus now, you know, and then the choir sings or whatever, then the notes get longer. But when it goes to the verses, boom, it's short again. Right, these are little subtle things that no one will ever teach you, but as a good musician, not just a good bass player, as a good musician, you have to know, all right? And the only way to know it is to start listening for it and to start practicing it. Okay, so what we do know how to play are scales, all right? We know scales. So Josh, do me a favor and just play a scale for me, any scale you like, your favorite. Just go for it, anything.

わかりました、すべての音を長く演奏してみてください。そして、異なるアーティキュレーション、つまり、音符の異なる長さが聞こえますね。とてもいいね、カーク、ありがとう。彼がアーティキュレーションを変えると、曲の感じ方も変わりますね。それは微妙なことであり、私たちが音楽的に聞こえるようになるのを助けることになります。言い換えれば、彼が音符を長く演奏し始めると、私の心の中では、私が音楽的に慣れているものに、ドラマーがライドシンバルに移るのを聞くんだ。わかりましたか、これはコーラスの部分だ、あなたは知っているよ、そして、合唱団が歌ったりする、そして、その音符は長くなる。でも、それがサビになると、ブーン、また短くなる。これは誰もが教えてくれない微妙なことですが、良いミュージシャンとして、ただの良いベーシストだけでなく、良いミュージシャンとして、それを知っている必要があります。わかりましたね？そして、それを知る唯一の方法は、それを聞き取り始め、それを練習し始めることです。わかりました、私たちがどのように演奏するか知っているのはスケールです、わかりました。私たちはスケールを知っています。では、ジョシュ、お願いだから、好きなスケールを演奏してください、お気に入りのスケールを演奏してください。自由に演奏してください、なんでも。

Okay, now what I want you to do now is I want you to put that into a rhythm, okay? Let me go ahead and give you a little insight also into what I like to do. It's rare that I practice anything that's not in a groove, right? That way I'm always working on my groove because I'm a groover first, right? So if I'm practicing notes, once I learn what those notes are, I make them groove, even if it's a scale. Okay, so for now, we're going to put that into some tempo. All right, whatever you want, make us feel the tempo of that scale.

わかりました、今度はそのスケールをリズムに入れてみてください。それについて少し洞察を与えてみましょう。私が好んで行うことのほとんどは、グルーヴのないものを練習することはめったにありません。なぜなら、私はまずグルーヴを演奏する者だからです。ですから、もし私が音符を練習しているなら、その音符が何であるかを学んだら、それらをグルーヴさせます、たとえそれがスケールであっても。では、今はそのスケールをいくつかのテンポに入れてみましょう。わかりました、何でもいいので、そのスケールのテンポを感じさせてください。

Okay, but do me a favor, don't improvise with the scale, just play the scale in a time. So.

わかりました、でもお願いです、そのスケールで即興演奏はせず、ただスケールをリズムに合わせて演奏してください。では。

[Music]

Okay, or something like that, go for it. Nice, okay, so now we've got a tempo, right? Okay, now here's what I want you to do. I'm going to skip a few steps. Normally, you articulate it one way and then I have you articulate the whole scale another way. Like if you're playing the notes long, what you want to practice is now play all the notes short. But then we want to start alternating them, and we're going to skip to that step, okay? First thing I want you to do is play the first note long, the second note short. So you're going to play every other note long and short, and do it slowly so that it's easy. Does that make sense? Go for it.

わかりました、またはそのようなもの、やってみてください。素晴らしい、わかりました、では、今、テンポがありますね。わかりました、では、次にやってほしいことがあります。いくつかのステップを省略しますが、通常はある方法で音符を表現し、次に全体のスケールを別の方法で表現させます。たとえば、音符を長く演奏しているなら、今度はすべての音符を短く演奏する練習をします。その後、それらを交互に演奏する練習を始めます。そして、今回はそのステップに飛びますね。最初にやってほしいことは、最初の音を長く、2番目の音を短く演奏することです。つまり、交互に長い音と短い音を演奏します。ゆっくりと行って、簡単にできるようにしてください。理解できますか？やってみてください。

Okay, you're doing the rhythmic, which is a very, very cool thing. You're playing quarter, eighth, quarter, eighth, chord, right? But I just want you to play long, short.

わかりました、リズミカルな演奏はとてもいいですね。四分音符、八分音符、四分音符、八分音符、コード、ですね？でも、私は単に長い音と短い音を演奏してほしいんです。

Okay, now the same thing, every third note. Okay.

わかりました、同じことを、3番目の音ごとに行ってください。

Okay, great. Now we're articulating in three now, okay? But here's a cool thing. Remember how I tell you all the elements relate to each other? Now what you want to do is a lot of us have a hard time doing something in three, in four, and four, all right? So now, if we're in four, four, still articulate every third one, okay? That's going to help you really gain control over where you articulate. Is that making sense, what I'm saying?

わかりました、素晴らしいです。今は3拍子でアーティキュレーションしていますね。でも、ここで興味深いことがあります。私が言っているように、すべての要素はお互いに関連していることを覚えていますか？ 今、私たちが四拍子であっても、3番目の音に対してアーティキュレーションを行ってみてください、わかりましたか？ それは、アーティキュレーションの位置を本当に制御するのに役立ちます。私の言っていることが理解できていますか？

So, if, uh, just play. Two, three, four, one, and put a downbeat on. Right, right. So if I'm playing that's just D major, right?

わかりました、それでは演奏しましょう。２、３、４、１、そしてダウンビートを置いて。そう、そう。これはただのDメジャーですね？

Okay, does that make sense? Right now, that was just every third. Then I'm going to mix it up, maybe every fifth or different things like that. So I'm practicing articulation and moving it around. That's a good thing to practice rhythmically and understanding your articulation.

わかりましたか？今はただの３番目の音に対してですね。それから、混ぜてみます、たとえば５番目の音に対してや、その他の異なるものをやります。だから、アーティキュレーションを練習して、それを動かしてみるのがいいです。それはリズム的に練習するのとアーティキュレーションを理解するのに良いことです。

呼吸する

Okay, another thing that you want to do as far as articulation, and this is a very subtle thing that will go a long way if you'll do it, is to breathe with your notes. Okay, we're going to talk about this later when we talk about phrasing, okay? Where saxophone players phrase real well because they have to take breaths, all right? But what I like to explain to people, and I try to understand this myself, is that every note has a beginning, a middle, and an end, all right? There's a beginning and a middle and an end, and there's really a whole lot of space from that beginning to the end, all right? So how long you hold a note, there's like a whole world that goes on in there, all right? And the way you can feel that world is to breathe with your notes, all right? So in other words, if I'm playing.

わかりました、アーティキュレーションに関してもう一つやりたいことがあります。これは非常に微妙なことで、やってみると非常に効果的です。それは、音符と一緒に呼吸することです。わかりました、後でフレージングについて話すときにこれについて話しましょう、わかりましたか？サックスプレイヤーはフレージングがとてもうまいです、なぜなら彼らは息をする必要があるからですね。でも私が人々に説明したいこと、そして自分自身でも理解しようとしていることは、すべての音符には始まり、中間、そして終わりがあるということです、わかりましたか？それには、始まりから終わりまで実際には多くの余白があるんです、わかりました？だから、音符をどれだけ長く保持するかには、その余白の中で世界が広がっているんですね、わかりましたか？そして、その世界を感じる方法は、音符と一緒に呼吸することです、わかりましたか？言い換えれば、もし私が演奏していたら。

[Music]

That's the thing that's going to allow me to really understand. I know it's crazy, but just trust me on this one. Okay, that's the thing that's going to allow you to really understand what I call the breath of a note or the life of a note. A lot of times, I'll describe it as the life of a note, and what it hopefully will show you is that a lot of the times we are not giving our notes enough air, enough air especially as bass players. When it's time for us to solo, we start playing everything real staccato, right? And we don't have to do that, right? So just really start paying attention to how we articulate each note, how long we hold each note, and if we change that, how does it affect the music?

これが私が本当に理解するのを可能にするものです。クレイジーだと思うかもしれませんが、この点は信じてください。これが、私が音符の息遣いや音符の命と呼ぶものを本当に理解するのに役立つものです。私はしばしば、それを音符の命と表現し、それがあなたに示すことを願っています。それは、私たちが多くの場合、特にベーシストとして、音符に十分な息を与えていないことです。ソロをするとき、すべてを非常に切れ味のある音で演奏し始める傾向がありますね。でも、それをしなくてもいいんです。ですから、本当に注目してください。どのように各音符を表現しているか、各音符をどれくらい保持しているか、そしてそれを変えた場合、それが音楽にどのように影響するか。

Okay, cool. That's one of the reasons why jazz musicians like to sing along with the lines that they play because it allows a couple of things. One of the things that allows is when they take a breath and they're breathing from singing, they take a breath and they're playing. But also, they also tend to play the notes that they're singing. The notes that they're playing are the same as the notes that they're singing. So if you really, if you go back and listen to like some George Benson solos when he's taking solos, you'll see that his phrasing when his guitar matches the phrasing that he's singing and the breaths and pauses, they do too. Got it? Articulation.

わかりました、クールですね。それがジャズミュージシャンが自分の演奏に声を合わせる理由の1つです。それにはいくつかの理由があります。そのうちの1つは、歌っているときに息を吸って、演奏しているときに息を吸うことができるということです。また、彼らは歌っている音符を演奏する傾向があります。彼らが演奏している音符は、彼らが歌っている音符と同じです。ですから、実際には、ジョージ・ベンソンのソロなどを聞いてみると、彼がソロを取るときのフレージングが、彼が歌っているフレーズと一致し、息継ぎや一時停止も同じようになっていることがわかります。理解しましたか？アーティキュレーションです。

テクニック

[Music]

So I got stuck in the snow. I had to spend a whole day in Columbus, Ohio. Doesn't sound like a lot of fun. It was actually kind of cool. I was in a hotel all by myself, you know. I got four kids, so I'm never by myself.

※ベースを弾きながらしゃべる「雪に閉じ込められてしまいましたね。コロンバス、オハイオ州で1日を過ごすことになってしまいました。楽しくなさそうですね。実際、なかなか面白い経験でした。ホテルで一人きりでしたからね。私には4人の子供がいますので、普段は一人きりの時間はありません。」

[Music]

Alright, here's what's going on. The idea that we're trying to do, there's a couple of things happening, but we're using some kind of flashy technique. And these exercises teach us to forget about it. I don't want to have to think about my technique at all. I want to be able to forget about it. So one exercise is to do what we were just doing, right? Is to try our technique while we're talking. You ready? Is there a technique that you're working on, Francesco? Anything difficult that you've been working on or anything? What kind of techniques do you like to… I notice that you're mostly a finger… Yeah, a finger and I'm working on the music with my palm and playing with the tab and these two fingers. Play something for me this way. Yeah, any way you want. Yeah.

わかりました、やっていることの要点はこうです。いくつかのことが起こっていますが、いくつかの派手なテクニックを使っています。そして、これらのエクササイズはそれを忘れることを教えてくれます。私は全くテクニックを考える必要はありません。それを忘れることができるようにしたいのです。だから、今やっていたことをするためのエクササイズがあります。準備はいいですか？フランチェスコ、最近取り組んでいる難しいテクニックはありますか？何かやりたいテクニックはありますか…？君は主に指で弾く傾向があるようですね…そうですね、指で弾いて、そして手のひらで音楽を作り、タブとこの2本の指で弾くところに取り組んでいます。このように何か演奏してみてください。何でも好きなように演奏してください。

[Music]

Alright, here's what's going on. The idea that we're trying to do, there's a couple of things happening, but we're using some kind of flashy technique. And these exercises teach us to forget about it. I don't want to have to think about my technique at all. I want to be able to forget about it. So one exercise is to do what we were just doing, right? Is to try our technique while we're talking. You ready? Is there a technique that you're working on, Francesco? Anything difficult that you've been working on or anything? What kind of techniques do you like to… I notice that you're mostly a finger… Yeah, a finger and I'm working on the music with my palm and playing with the tab and these two fingers. Play something for me this way. Yeah, any way you want. Yeah.

わかりました、状況はこうです。私たちが試みているアイデアにはいくつかのことがありますが、いずれにしても派手なテクニックを使っています。そして、これらのエクササイズはそれを忘れることを教えてくれます。私は全くテクニックを考える必要はありません。それを忘れることができるようにしたいのです。ですから、私たちがちょうどやっていたことをするためのエクササイズがあります。準備はいいですか？ フランチェスコ、最近取り組んでいる難しいテクニックはありますか？ 何かやりたいテクニックはありますか？ あなたは主に指で演奏する傾向があるようですね。そうですね、指で演奏し、手のひらで音楽を作り、タブとこの2本の指で演奏する方法に取り組んでいます。このようにして何かを演奏してみてください。何でも好きなように演奏してください。

Hey, don't stop! How long have you been doing that technique? No, better yet, where did you first see that technique? Don't stop. Okay, well, I saw that with Elise Gary Willis, yeah, using thumb and two fingers. Yes, nice. That's cool. Anthony Jackson was one of the first guys I saw using that technique. Yeah, that's a cool technique. Anything else you're working on? Yeah, piece of… Pizzicato. Let's hear that. Yeah. Tell me, where are you from? From Italy. What part of Italy? North. How long have you been in this country? Six months. Just to play study bass? Yeah, very, very nice.

ええ、止めないで！そのテクニックをやっているのはどれくらいの間ですか？いや、もっといい、そのテクニックを最初に見たのはどこですか？止めないで。わかりました、私はElise Gary Willisがそれを使っているのを見ました、そう、親指と2本の指を使っています。はい、素晴らしいですね。それはかっこいいです。私が最初にそのテクニックを使っている人を見たのはアンソニー・ジャクソンでした。そう、それはかっこいいテクニックですね。他に何か取り組んでいることはありますか？はい、ピチカートです。それを聞かせてください。はい。教えてください、あなたはどこから来ましたか？イタリア出身です。イタリアのどの地域ですか？北です。この国にどれくらいの間滞在していますか？６ヶ月です。ベースの勉強のためだけですか？はい、とても、とても素晴らしいです。

Okay, good, good. Very, very cool. Very, very cool. To get comfortable with the technique to where I don't have to focus on it. All right, just like the technique that we use to talk, we don't focus on it. The instrument we use, we don't focus on it. I like this exercise because it teaches us a whole lot, especially when we're trying to keep time. We have to have good time without thinking about it. Our technique has to be good without thinking about it, and we have to play our instrument as well as play music without thinking about it. So this is a fun exercise that we'll do at camp sometimes. We'll get people talking about what they had for breakfast or whatever and to see if they can keep playing, you know. Very, very, very, very good exercise.

わかりました、良いですね、とても良いですね。とてもクールですね。このテクニックに慣れて、それに集中しなくてもいいようにするためです。正確に話すためのテクニックと同じように、私たちはそれに集中しません。私たちが使う楽器にも、それに集中しません。私はこのエクササイズが気に入っています、なぜならそれが私たちにたくさんのことを教えてくれるからです、特にリズムを保つことを試みているときに。私たちはそれを考えずに正確なリズムを持たなければなりません。私たちのテクニックはそれを考えずに良くなければなりませんし、私たちは楽器を演奏するだけでなく、音楽を演奏しなければなりません。ですから、これは時々キャンプで行う楽しいエクササイズです。人々が朝食に何を食べたかについて話し、その間も演奏し続けられるかどうかを見るためですね。とても、とても、とても、とても良いエクササイズです。

All right, I want to see somebody do something flashy for me. Who's working on something that they're excited about? Okay, Dave, I see you sitting up, so that means it's you. Come on, Dave, you're the only one with a fourth string up there. You're my people. Come on, my fourth string brother. Play something for us.

わかりました。私には目立つ演奏を見せてほしいんだ。誰かがワクワクしている何かを練習しているのは誰だろう？よし、デイブ、君が前に座っているのを見てるから、君だな。さあ、デイブ、あそこに4弦があるのは君だけだ。君は仲間だ。さあ、4弦の兄弟よ。何か弾いてくれ。

Ah, wait, sorry.

あ、待ってくれ、ごめん。

Okay, stop for one second. So under stuff, you know. Excuse me, it's all your stuff. Oh, it's not my stuff. It sounds great. Sounds like you. But check this out. When you're playing that, what is the drummer doing? When you're playing that, if you were playing that with a drummer, what would the drummer be doing? Um, keeping time. How? Show me and imitate that drummer. Uh, like how? In the air. Exactly. In the air and with your mouth. Become the human beatbox. Not with the bass. Okay, perfect.

さて、ちょっと止まってください。机の上のもの、あなたのものですね。ああ、私のものじゃないですよ。素晴らしい音ですね。あなたらしいですね。でも、こっち見て。君がそれを弾いているとき、ドラマーは何をしていますか？君がそれを弾いているとき、もしドラマーと一緒にいたら、ドラマーは何をしているでしょうか？時間を刻むんだ。どうやって？私に見せて、そのドラマーを真似して。えっと、どうやって？空中で。まさにその通り。空中で、口でも。人間のビートボックスになって。ベースではなく。わかりました、完璧。

Okay, now what I want you to do is, in your mind, okay, in your mind, I want you to see that drummer, hear that drummer, and feel his groove. All right? Let him play about two bars. Four bars maybe would even be better, and then you come in playing the exact same thing. But your goal is this. You put zero attention on the instrument. Don't think about your instrument at all. Your goal here is a mental exercise to see how well you can visualize that drummer and feel his groove. Okay? Just try it. Okay, whenever you're ready. Let the bass play itself.

さて、次にやってほしいのは、心の中で、わかりました、心の中で、そのドラマーを見て、そのドラマーを聞いて、彼のグルーヴを感じること。よし、彼に2小節ぐらい演奏させてみて。4小節だともっといいかもしれない。そして、それから君が同じことを演奏するんだ。でも、君の目標はこうだ。楽器に全く気を取られないでほしい。自分の楽器について考えないでほしいんだ。ここでの君の目標は、精神的なエクササイズで、どれだけそのドラマーを視覚化し、彼のグルーヴを感じられるかを試すこと。わかりましたか？やってみてください。準備ができたらどうぞ。ベースは自分で演奏しているんだ。

[Music]

Okay, can you hear the difference? His technique is perfect, his timing is perfect, right? That's a world-class bass player right there.
わかりましたか？彼のテクニックは完璧で、タイミングも完璧ですね。それが世界クラスのベーシストです。

[Music]

Okay, stop. Now, did you hear the feel? What happened? Why did the feel not sound as good?
Why, Michael?
Because he had to think about it. He thought about it, absolutely right. He wasn't thinking about the bass. He wasn't thinking about the technique.

わかりました、止めます。では、感じが変わったか聞こえましたか？何が起こったのでしょう？なぜ、感じが良くならなかったのですか？なぜ、マイケル？
彼がそれについて考えなければならなかったからです。彼はそれについて考えていたんですね、まったくその通りです。彼はベースのことを考えていませんでした。テクニックのことを考えていませんでした。

Right. So, I'm going to tell you a secret. If you want to get good at a technique quickly, stop thinking about it.
Now, I know that's backwards, but we just heard the proof of it right now. Most of us will sit down for a year and practice double thumbing and all that stuff, and we slowly get better. But in an instant, he sounded like Marcus Miller in his own way. That means you can already do it, but your way of thinking, your brain, is in the way.

そうです。では、ひとつ秘密を教えましょう。もし早くテクニックを上達させたいのなら、それについて考えるのをやめてください。
今、それは逆のことかもしれませんが、今、その証拠を聞いたばかりです。私たちのほとんどは、一年かけてダブル・サムなどを練習し、徐々に上達していきます。でも、彼は一瞬で、自分の方法でマーカス・ミラーのように聞こえました。つまり、すでにできることがあるのですが、考え方、つまり脳が邪魔をしているのです。

I want you to do it for us one more time, and when you get to that feel, don't think about it at all. Don't even try to play it right.
Right? Just stay with the drummer, okay?
All right, it's just an exercise. You can't screw it up, but don't think about the bass at all and let the feel happen.
But I want to hear the feel again, okay? Same thing.
All right, see and hear that drummer. Yeah, you got it, man. That's great, man. Yes, that's it.

もう一度やってもらいたいのですが、その感じに達するとき、まったくそれについて考えないでください。うまく演奏しようともしないでください。
そうです、ドラマーと一緒にいてください、わかりましたか？
さて、これはただのエクササイズです。失敗することはありませんが、ベースのことをまったく考えないで、感じを出してください。
でも、もう一度その感じを聞きたいんです、わかりましたか？同じことです。
よし、そのドラマーを見て、聞いてください。はい、うまくやっていますね。素晴らしい、そうです、それです。

[Music]

Yeah, I don't think about it at all. Keep going.
Don't think about it.
Keep going.
Now, you can get as flashy as you want, but don't think about it.
Play as flashy as you want, yes, but don't think about it. Only hear the drummer.

そうです、まったくそれについて考えないでください。続けてください。
それについて考えないでください。
続けてください。
今、派手にやりたいだけやってください、でもそれについて考えないでください。
派手に演奏してかまいません、そうです、でもそれについて考えないでください。ただ、ドラマーの音だけを聞いてください。

[Music]

yes yes

[Music]

Yes, all right. Don't think about it.
Okay, okay, okay, stop. You're embarrassing me now, man. You have to put your name on this video. That was good. That's awesome. That is incredible. Right? Doesn't that sound good? Right, so in other words, you could play that way all along. All the time. All of you can, right?
Everybody here can recognize that that sounds great, right? Well, if you can recognize that that sounds great, you can play it. All right? So, all of you know, so all the time you're asking questions and practicing technique, right? And thinking about it and focusing and concentrating. And what we're finding out is that if I reverse it and stop thinking about it, it gets better. Wow. Don't try harder. Try easier, you know? Rather than just time keeping and rhythm, if you wanted to express something in your solos or something, you could think about, I don't know, what a piano line would be or sax…

はい、わかりました。それについて考えないでください。
わかりました、わかりました、わかりました、止めてください。君は今、私を恥ずかしくさせているよ。あなたはこのビデオに名前を書かなければなりません。それは良かった。それは素晴らしいです。それは信じられないですね。そうでしょう？それは素晴らしいと思いませんか？そうですね、つまり、あなたはずっとそのように演奏できました。いつもですね。皆さんができるんですよね？皆さんここでそれが素晴らしいと認識できるでしょう？では、もし素晴らしいと認識できるなら、それを演奏できるはずです。すべての方々はわかっていると思います。いつも質問をして、技術を練習して、それについて考えて、集中していますよね？そして、わかっているのは、逆に考えてみると、それが良くなることです。うわー。もっと頑張ろうとしないでください。もっと簡単に試してみてください。リズムやタイミングだけでなく、もしもソロで何かを表現したい場合は、ピアノのラインやサックスを考えることができます。

I suppose it translates throughout the board. Sax. Uh, saxophone. Saxophone. Okay, I mean saxophone, you know? I don't know what's on your mind. I think that's what he turned that around, didn't he? Very nice. He threw that right back at me. That was good, man. That was good. He turned red.

おそらく、それは広く適用できると思います。サックス。ええ、サックス。サックスですね。わかっていますよね？あなたの考えが何かわかりません。彼がそれを逆転させたのはそういうことだと思います。とてもうまい。彼はそれをすぐに私に返しました。それは良かった、男。それは良かった。彼は赤面しました。

BBキングはたぶんソロで5、6のノートしか演奏しないかもしれません

But, but absolutely, music is a language. And unless you have something to say that's worthwhile, no one's going to want to listen, right? And no one wants to hear you talk about the bass. We want to hear music, you know? That's why you can take someone like B.B. King who technically, theoretically, you know, is playing less than, you know, a jazz guy who knows a whole lot of theory, who has many techniques. B.B. King plays maybe five or six notes in his solo. But, man, we've been listening for decades, and it's because he has a story to tell. And we want to hear it. Now, we get a lot of jazz guys that are young and they've learned all the theory and they come out of college with a lot of theory and a lot of technique. But there's no story, there's no substance. It's like you see a beautiful cake that's decorated really nicely, you stick your fork in it, and you realize it's all icing. You know, that's the way a lot of us play. It's all flash. It's all icing. There's got to be 99.9 percent cake, the boring stuff, the substance. And that's what I call two through ten, you know? And the icing is a small layer, but that's what gets the attention. This foundation has to be thick.
Foundation, this building has to be thick and sturdy. Then we can put anything on top of it, right?

しかし、音楽はまったくもって言語です。そして、あなたが伝える価値のあることがなければ、誰も聞きたがりませんよね？そして、誰もがベースの話を聞きたがりません。私たちは音楽を聞きたいんです。BBキングのような人を取ってみましょう。技術的に、理論的には、ジャズの人よりも少ないかもしれませんが、理論をたくさん知っていて、たくさんの技術を持っているジャズの人がいるんです。BBキングはたぶんソロで5、6のノートしか演奏しないかもしれません。しかし、私たちは何十年も聞いていますし、それは彼が語る物語があるからです。私たちはそれを聞きたいんです。今、私たちは多くの若いジャズプレイヤーを見かけます。彼らはすべての理論を学び、大学を卒業すると理論や技術がたくさんあります。でも、物語がないんです。本質がありません。あるいは、美しいケーキを見て、フォークを刺してみると、すべてがアイシングだと気づくのと同じです。多くの私たちがそうやって演奏しています。すべてが派手です。すべてがアイシングです。99.9％がケーキでなければなりません。つまり、つまらないもの、本質です。それが私が2から10と呼ぶものです。アイシングは小さな層ですが、それが注目を集めるものです。この基礎は厚くなければなりません。建物の基礎は厚くてしっかりしていなければなりません。そうすれば、何でも上に置くことができますよね？

So, when you're playing or soloing, the important thing is the cake. It's what do I have to say, all right? And that's where I keep my focus as much as possible. It's what do I have to say? And a lot of times, it's not word, it's not, "I have to say A, B, or C." It's an emotion. It's a feeling, you know? Like earlier when I was doing some of this playing and uh, and I was having to come up with really quickly, you know, Paul would say, "Okay, articulation," and I'd have to come up with something to demonstrate articulation, you know? I try my best not to think about the instrument, you know, because the instrument doesn't make any music. It's got to come from me. So, I get one inside myself and see where I'm at, and then I just allow the music to come out.

だから、演奏やソロをするとき、重要なのはケーキです。何を言いたいか、ですよね？そして、できるだけそれに集中します。何を言いたいか？そして、多くの場合、それは言葉ではなく、「A、B、またはCを言わなければならない」ということではありません。それは感情です。それは感覚です、わかりますか？たとえば、私が以前にこの演奏の一部をしていたとき、そして、私はすぐに何かを考え出さなければならなかった、ポールが、「オーケー、アーティキュレーション」と言ったとき、私はアーティキュレーションを示すものを考え出さなければなりませんでした。できるだけ楽器について考えないように努めています。なぜなら、楽器は音楽を作り出さないからです。それは私から来なければなりません。だから、自分自身の中に入り、自分がどこにいるかを見て、そして、ただ音楽が出てくるのを許します。

And that's what we're doing just about every time we talk. And you, you did it perfectly. I mean, bass playing doesn't get much better than what you just did. It really doesn't. You know, that's the, if I walk there and I say, "That's the guy I want in my band." That's why bass players get hired. Sometimes bass players, especially in situations like that, what they play, they're playing for other bass players. And you can tell that they're playing. They're exemplifying the technique. They're doing it for other bass players. But the funny thing is, you're never going to get called for a gig by another bass player, you know? And sometimes, piano players and guitar players and singers, people that are going to call you for a gig, are actually turned off by a display of technique just for technique's sake.

そして、私たちが話すたびに、それをしているのはほぼ毎回です。そして、あなた、あなたは完璧にやりました。私の意味するところは、ベースの演奏があなたがしたことよりもずっと良くなりません。本当にそうです。あなたがいたら、「それが私のバンドにいたい人だ」と言って歩いたら、それがその理由です。ベースプレーヤーが雇われる理由です。時には、特にそのような状況では、ベースプレーヤーは他のベースプレーヤーのために演奏しているのです。そして、彼らが演奏しているのが分かります。彼らは技術を模範にしています。彼らは他のベースプレーヤーのためにそれを行っています。しかし、面白いことに、別のベースプレーヤーからのギグの呼び出しは絶対にありません。そして、時には、ピアノプレーヤーやギタープレーヤー、シンガー、あなたをギグに呼び出す人々は、実際には単なる技術のディスプレイに嫌気がさしてしまいます。

But playing like that, man, you know, you're going to get the attention of a guitar player or singer or keyboard player, somebody who's going to actually hire you for a gig. So that's something you should always keep in mind. Yeah, and just as important, if not more important, is you'll keep the attention of your audience.

しかし、そのように演奏すると、ギタリストやシンガー、キーボードプレーヤーなど、実際にあなたをギグに雇う人の注意を引くでしょう。だから、それはいつも心に留めておくべきことです。そして、同じくらい、もしくはそれ以上に重要なのは、聴衆の注意を引き続けることです。

There's one of the questions I wanted to ask you. The old kind of curse of bass playing is that sometimes when it's time for the bass solo, people order their drinks, start chatting, and cigarettes, whatever, you know? Do you blame them? I mean, you know, if you play like that, though, yeah, I mean, do you have any other tips or tricks for, you know, a regular working bass player to, you know, keep your audience from, absolutely, the bar? I can explain that whole thing rather quickly. When you're, when you're supporting other musicians as a bass player, you're grooving. When you start to solo, you stop grooving. Your main goal is not to groove anymore, and so you don't.

あなたにしたい質問が1つあります。ベースのソロの時間になると、人々が飲み物を注文したり、おしゃべりを始めたり、タバコを吸ったりすることがありますね。それについてどう思いますか？ あなたは彼らを責めますか？ あなたがそのように演奏するなら、そうですが、一般的なベーシストが、聴衆をバーから遠ざけるための他のヒントやトリックはありますか？ その全体的なことをすばやく説明できます。ベースプレーヤーとして他のミュージシャンをサポートするとき、あなたはグルーヴを作っています。ソロを始めると、グルーヴが止まります。あなたの主な目標はもはやグルーヴを作らないことであり、そのためそれはしません。

And the audience feels it, and so they go somewhere else, they start talking, or they get to go get a drink because the audience wants to dance, whether I'm in my seat or standing up. Inside, we want to feel that, do we want to feel that, and if it goes away, I'm not interested, right?

そして、聴衆はそれを感じるので、彼らは他の場所に行ったり、話し始めたり、飲み物を取りに行ったりします。なぜなら、聴衆は踊りたいからです。私が座っているか立っているかは関係ありません。内心では、私たちはそれを感じたいと思っています。もし感じなくなれば、私は興味がありません。

And the bass supports beautifully, and we're grooving the whole time, and all of a sudden, everybody gets out of your way and you stop grooving. Why in the world would you do that, right? The audience, believe it or not, feels it, and so they talk or they leave or they go to the restroom or whatever, and I don't blame them. But if you base your solo on the groove, the dance floor will never clear, and no one will ever get up and go to the bar. Really, go ahead.

そして、ベースは美しいサポートを提供し、私たちはいつもグルーヴしています。そして突然、誰もがあなたの前から立ち去り、あなたもグルーヴを止めます。なぜそんなことをするのか、理解できませんよね？ 信じるか信じないかは別として、聴衆はそれを感じ、話をしたり、退出したり、トイレに行ったりします。私は彼らを責めません。でも、もしソロをグルーヴに基づいているなら、ダンスフロアは決して空きませんし、誰もバーに立ち去ることはありません。本当に、どうぞ。

I was going to say if you, if I think about one of my favorite songs of my favorite bass lines, are you familiar with the song "Brick House"? Yes, that, you know, that song is the bass line. If you ask the drummer on that record to hum "Brick House," he's not gonna hum the drum part. If you ask the keyboard player or the horn player, is a hum "Brick House," they're gonna hum the bass line. That song is what that, you know, that song, that baseline is what that song is about.

私が言いたかったのは、私のお気に入りの曲の1つである"Brick House"のお気に入りのベースラインを考えると、その曲はベースラインです。そのレコードのドラマーに"Brick House"をハミングしてもらうと、彼はドラムパートをハミングしないでしょう。キーボードプレーヤーやホーンプレーヤーに"Brick House"をハミングしてもらうと、彼らはベースラインをハミングするでしょう。その曲は、そのベースラインがその曲の要であると言えます。

So, if you're playing in a cover band and you're playing "Brick House" and everybody in the band gets to solo away before the bass player and they have the advantage of having that great bass line underneath them while they're soloing, and then when it's time for the bass player to solo, the first thing that happens is the coolest part of the song is now gone for display of maybe just trying to show my technique when it, when the ideal situation maybe is to just incorporate some technique or build some things around the baseline, the thing that got people on the dance floor, the coolest part of the song.

だから、もしカバーバンドで演奏していて、「Brick House」を演奏していて、バンドの誰もがベースプレイヤーの前にソロを楽しめる場合、彼らはソロを演奏する間にその素晴らしいベースラインを持つ利点があります。そして、ベースプレイヤーがソロを演奏する時間になると、最初に起こることは、曲の最もクールな部分が失われ、たぶん私の技術を見せようとするだけの展示のために、理想的な状況では、むしろベースラインを中心にいくつかの技術を組み込むか、周りにいくつかの要素を構築することです。それがダンスフロアに人々を引き寄せた曲の最もクールな部分です。

So, one of the things that I like to do when learning a new technique or really learning anything is I like to put it into context, all right? So let's say I want to learn how to use my thumb, right? And right, so once I figure out that my thumb just goes down to hit a string and my index finger is going to come off the pluck or whatever, once I know what that is, I don't have to be good at it, but I put it in the context, and what I mean is think of this: If a teacher teaches you a new word, what does she have you do with it right away? She has you put it into context, she has you use it in a sentence, right? So we're actually getting to the reality of how we're going to be using this word or this technique.

だから、新しい技術を学ぶときや、実際には何を学んでも、私が好むことの一つは、それを文脈に置くことです。例えば、親指の使い方を学びたいとしましょう。親指が弦を下に打つだけで、指を離すかどうかは親指で決まるとわかったら、それが何であるかを知っているだけで、それが上手くできる必要はありません。しかし、それを文脈に置きます。つまり、こう考えてみてください。先生が新しい単語を教えてくれたら、最初にそれをどうしますか？ 文脈に置いて、文で使うように指示されますよね？ ですから、実際にどのようにその単語や技術を使用するかについての現実に取り組んでいます。

ソロ/コンテキスト エクササイズ

So that's what I like to do, and once I learn the techniques I want to be able to make them groove. So I'm just going to show you a little bit of what I'll do at home, okay? Is I'm going to use as many techniques as I can think of, I'm kind of going to go overboard with the technique thing, not something I would do live, but I want to go overboard because then it's easy to pull it back. I want to use too many techniques but I want to make them groove, okay? And so what I'm going to do here is, uh, I'm going to just put on a, okay, just so I have something rhythm-wise so I can check myself to see if I'm still in the groove. All right, so let's say I've been working on all my thumb technique.

これが私がしたいことです。そして、一度技術を習得したら、それらをうまく使えるようにしたいです。だから、家でやることの一部を少し見せるつもりです、わかりましたか？ 私が考えつく限りの技術を使ってみようと思っています。技術的なことにはやや過剰になるかもしれません。ライブでやることではありませんが、過剰にするつもりです。なぜなら、それをやりすぎると、後で引き戻すのが簡単だからです。私はあまりにも多くの技術を使いたいですが、それらをうまく使いたいのです。そして、ここでやることは、えー、リズム的に何かをつけるだけです。私がまだリズム感を持っているかどうかをチェックするためです。では、すべての親指のテクニックに取り組んでいるとします。

[Music]

Okay, then when I'm at home, I want to start forgetting about this, right? And I'm going to start going overboard. Now, all I'm doing right now is thinking about the groove, right? But I want all the techniques to come out on their own.

わかりました。では、家にいるときは、これについて忘れ始めたいですね。そして、やりすぎることを始めます。今、私がやっていることはすべて、グルーヴについて考えているだけですね。でも、すべての技術が自然に出てくるようにしたいです。

[Music]

My goal here is not to think about that at all.

私の目標は、これについて全く考えないことです。

[Music]

Right, so really, I'm trying not to think of the techniques at all and letting them come out the same way when we talk. The words that come out come out on their own; we don't have to put them in order. So I want to take my techniques and be able to use them—tapping, thumbing, fingers—and make them come out on their own. Right, is that making sense at all? I wasn't a great demonstration of it, but I want to be able to get almost too flashy at home but still be able to make it groove, because then pulling it back for me is easier. Does that make sense at all? Don't do that on the gig.

そうですね、実際には、技術について全く考えないようにして、話すときと同じようにそれらが自然に出てくるようにしています。出てくる言葉は自然に出てくるので、順番に並べる必要はありません。ですから、自分の技術を使いたいのです―たたくこと、親指を使うこと、指を使うこと―そしてそれらが自然に出てくるようにしたいのです。そうです、それは理解できますか？私はそれを素晴らしいデモンストレーションではありませんでしたが、家でほとんど派手すぎることができるようにしたいのですが、それでもグルーヴを作ることができるようにしたいのです。なぜなら、それで引き戻すことが私にとって簡単になるからです。それが理解できますか？公演でそれはやらないでください。

テクニック

So, technique is very, very important because you can have all the ideas in the world, but if you can't display them, get them out, you're going to have a hard time. That's why babies cry. Babies are born with a lot to say, but their technique doesn't work; you know, they're hungry, all they can do is cry. If they could talk, they wouldn't cry, not as much anyway. That's why when you grow up, you don't cry as much; that's one of the reasons, because you can express yourself. So you need technique in order to do that, right? Once you have techniques, you need to have ideas so they all work together, right? But technique is very, very important, and once you learn the technique, once you're good at it, forget about it. Get back to where the music is. Okay? Remember, play music, not techniques

ですから、技術は非常に重要です。世界中のアイデアを持っていても、それを表現できなければ、難しいことがあります。それが赤ちゃんが泣く理由です。赤ちゃんはたくさん話したいことを持って生まれてきますが、彼らの技術がうまく機能しないんです。彼らが空腹なら、泣くしかありません。話すことができれば、泣かないでしょう。それが成長すると、泣くことが少なくなる理由の1つです。自分を表現できるからです。ですから、それを行うためには技術が必要ですね。一度技術を身につけたら、アイデアが必要です。それらがすべて一緒に機能するように。でも、技術は非常に重要です。一度技術を学んで、それに慣れたら、それを忘れてください。音楽に戻ってください。わかりましたか？技術ではなく、音楽を演奏することを覚えてください。

[Music]

Cool, that's beautiful, Francesco. I love that, man. Wow, teach me that. Glad that's on film so I can study it.

素敵ですね、フランチェスコ。その考え、本当に好きです。すごいな、それを教えてほしいです。それがフィルムに収められていて、勉強できると思うと嬉しいです。

Um, I want to talk about something for a second. Um, in my mind, whenever I play, it's like I'm talking. You know, I'm sure you're probably sick of me saying that now because I always relate music to a language, but it's like I'm trying to convey something, even if it's to myself. It may not be for anyone else to get, but there's something. Whenever I talk, I have—it's either an emotion, a subject, an idea, or something that I'm trying to get across, and then the words, like right now, I'm not even thinking about the individual words. I think about the individual word when there's a problem, and then I focus in, I find the word, and then my mind goes back out to whatever I'm feeling. You know what I'm talking about? That's the way we talk a lot of times.

えー、ちょっとしたことについて話したいんですけど。えー、私の考えでは、演奏するときは、まるで話しているような感覚なんです。音楽を言語に例えることがいつもあるから、もう飽き飽きしたかもしれないですね。でも、何かを伝えようとしているような感じがするんです。自分自身に向けてでも、誰かに向けてでもなくても、何かを伝えようとしているんです。話すときも、感情やテーマ、アイデア、伝えたいことがあるんですけど、今、単語一つ一つを考えているわけではないんです。問題があったり、特定のアイデアを伝える必要があるときに、単語を考えます。その時に焦点を合わせて、単語を見つけ出して、また自分が感じていることに戻るんです。私の話、わかりますか？私たちがよく話す方法なんですよ。

エモーション/フィール エクササイズ

When we play, we focus in on the instrument and things like that, and I don't get the feeling that you were doing that. You actually played beautifully, and you're actually what I'd like to talk about. You're already doing, but I'm going to talk about it anyway, so I'm going to ask you a question. If you were speaking verbally with what you just played, all right? What I want you to do is don't tell us, but I want you to think about what that is. It could be an emotion, it could be a feeling, it could actually be a message to someone. Whatever it is, I want you to think about that, and your exercise right now is to 100% think about that, right? And you're going to allow the bass to play itself. You're going to play the same thing. It may come out different or whatever, but allow the bass to play itself. Right or wrong doesn't matter if it comes out right or wrong. Your goal is to only think about the subject, the feeling, or whatever it is, and then play the same thing. So if you have to take a moment, you do that.

演奏するときは、楽器やそのようなことに焦点を合わせますが、あなたがそうではないという感じを受けませんでした。実際、あなたは美しく演奏していて、あなたが実際に私が話したいことです。あなたはすでにやっていることなんですが、それについて話をします。ですから、質問をします。あなたが先ほど演奏したものを言葉で表現するとしたら、わかりますか？ 何をしているのかは教えないでください、ただそのことを考えてください。それは感情かもしれませんし、感覚かもしれませんし、実際には誰かへのメッセージかもしれません。何であれ、そのことについて考えてもらいたいのです。そして、今のあなたのエクササイズは、それに100%集中することです。そして、ベースが自然に演奏されるのを許してください。同じことを演奏します。結果が正しいか間違っていても問題ありません。あなたの目標は、主題や感情、あるいは何であれについてのみ考え、同じことを演奏することです。必要ならば、少し考える時間を取っても構いません。

[Laughter]

[Music]

Beautiful. Okay, wow, Francesco, I could listen to that all day. I really could. Um, for the rest of us, I want to ask you, what changed from the first time he played to the second? Now, I asked him, I said, "Play the same thing," but something changed. Who noticed any difference in between the first… Okay, go ahead, Michael, what do you notice?

素晴らしいですね。さて、フランチェスコ、それを一日中聴いていられますね。本当にね。残りの私たちにとって、一つ質問したいと思います。最初に彼が演奏したときから、二回目の演奏までに何が変わったのか、お尋ねします。私は彼に「同じものを演奏してください」と言いましたが、何かが変わりました。誰かが最初の… はい、ではどうぞ、マイケル、何に気づきましたか？

It got more open.

より開放的になりました。

Got more open, meaning there was more space. Absolutely. So, how did that change the way it felt?
開放的になったということは、よりスペースができたということですね。まったくその通りです。では、それが感じ方をどのように変えたのでしょうか？

It made it more relaxed, right? It made it more relaxed. Very, very good. A good friend of mine, a great bassist, long time, I like to call him my brother from another mother, Steve Bailey, wonderful six-string fretless bassist. Um, if I can steal a story of his, he said that he was playing with Dizzy Gillespie, and one night he played one of his best solos. And after that night was over, Dizzy gave him a piece of great advice, same advice I've been given in various ways, but Dizzy told him, said, "Steve, when you play, leave some holes." Said, "You never know, some music might fall out." Leave more space.

それがよりリラックスした感じになりましたね。よりリラックスした感じになりました。とてもいいですね。私の良き友人であり、素晴らしいベーシストで、長い間活躍している方がいます。彼を「もう一つの母の息子」と呼びたいと思います。その方はスティーヴ・ベイリーといい、素晴らしい6弦フレットレス・ベーシストです。彼から話を借りると、彼はディジー・ガレスピーと演奏していたときに、ある夜に自分の最高のソロを演奏したと言っていました。その夜が終わった後、ディジーから彼に素晴らしいアドバイスがもらえたそうです。私もいろいろな形で同じアドバイスを受けてきましたが、ディジーは彼に言ったそうです。「スティーヴ、演奏するときはスペースを残しておくんだ。」と言った。「わからないよ、そこから音楽が生まれるかもしれない。」もっとスペースを残すのだ。

Now, what you notice is that people, this is my opinion here, people want to feel music. The general public, who knows nothing about music, they don't care how much theory you know, how good your technique is, or how expensive your bass costs. No one cares about that, well, not knowing, but the general public doesn't. They want to feel emotion. All right? And if you play too much, it's going to be harder for them to do it. Right? When there are spaces in what you're saying, it allows a person to feel what you've already said, right? And as bassists, we don't do it, I would say as musicians, period, most of us don't do it.

今、気づくことは、これは私の意見ですが、人々は音楽を感じたいと思っています。音楽について何も知らない一般の人々は、あなたがどれだけの理論を知っているか、技術がどれだけ優れているか、あなたのベースがどれだけ高価であるかなど、そういったことには興味がありません。一般の人々はそうではないんです。彼らは感情を感じたいのです。ですよね？そして、あなたがあまりにも多く演奏すると、それがより難しくなります。正しいですか？あなたが言っていることに隙間があると、人々はあなたがすでに言ったことを感じることができるようになります。そして、私たちベーシストとして、私は言います、音楽家として、ほとんどの私たちはそれを行いません。

The thing about basses is we rarely get to play a solo, once or twice a night. So, when it's our time, we just have to regurgitate everything we've ever practiced or whatever, and it comes out too dribbled and jabbled. So, when I asked him to only think about the emotion or whatever he's trying to say and let the bass play itself, it caused him to, what I would say, play more musical. And one of the easiest ways to sound more musical is to add space. It's that simple. We're going to actually talk about space in a little bit, but what I'm showing you now is when you add space, it allows emotion to come through and to be felt. And if you can reach someone, a listener, on an emotional level, on a feeling level, you got them for life. Right?

ベースについてのことは、私たちはほとんどソロを演奏する機会がないんです。一晩に一回か二回のみです。だから、自分の番が来たときは、ただ今までに練習したことをすべて吐き出すか、何かしらやってしまいます。そして、それがあまりにもばらばらで混乱してしまいます。ですから、彼に感情や伝えたいことについてだけ考えて、ベースが自然に演奏されるようにするように頼んだところ、彼が、私が言うには、より音楽的に演奏するようになりました。そして、より音楽的に聞こえるための最も簡単な方法の一つは、スペースを加えることです。それだけです。実際に、しばらくの間スペースについて話す予定ですが、今示しているのは、スペースを加えると感情が通り抜けて感じられるということです。そして、もし感情的なレベルや感覚的なレベルでリスナーに届けることができれば、一生ファンになってもらえるでしょう。そうでしょう？

Think about BB King, right? Think about Stevie Wonder, Ray Charles, even James Brown, right? When you think about them, I don't think about how technical they are, I don't think about how flashy they are. We think about how their music makes us feel, right? And you can pick any artist that lasts for generations, like those artists have been around forever and will always be, it's because of their emotion. It's not because they're technical, right? So, it's kind of like a plea to start doing this. Start thinking about what it is you are saying and start communicating with your instrument and getting the feeling out, all right?

BBキングを考えてみてください。スティービー・ワンダー、レイ・チャールズ、さらにはジェームス・ブラウンを考えてください。彼らを思い浮かべるとき、私たちは彼らがどれほどテクニカルであるか、どれほど派手であるかを考えるわけではありません。私たちは彼らの音楽が私たちにどんな気持ちを与えるかを考えますよね？そして、それらのアーティストのように、何世代にもわたって続くアーティストを選ぶことができます。彼らの音楽は永遠に存在し、それは彼らの感情のためです。彼らがテクニカルであるからではありませんよね？だから、これを始めるための懇願のようなものです。自分が何を伝えようとしているのかを考え、楽器とコミュニケーションをとり、感情を引き出すことを始めてください、わかりましたか？

I like talking about feel because we can approach it different ways. All right? The feel of the song, is it a reggae feel, is it a jazz feel? That's one type of feel. But the other way of looking at it is how you feel or how you can make your listeners feel. So, feel to me is very, very broad, which is why I like talking about it, but it's hard for me to sometimes talk about it because how you feel is up to you. So, I just can only give you things to think about in order to make you a player that has more feeling. And really, the only thing to do, the main thing to do, is to treat it like talking.

私は感覚について話すのが好きです。なぜなら、それには異なるアプローチがありますからね。そうですよね？曲の感覚、それはレゲエの感覚なのか、ジャズの感覚なのか？それが一つの感覚です。でも、もう一つの見方は、あなたが感じること、またはあなたがリスナーに感じさせることです。ですから、感覚は私にとって非常に幅広い概念です。だからこそ、私はそれについて話すのが好きですが、時々それについて話すのは難しいです。なぜなら、あなたがどう感じるかはあなた次第だからです。ですから、私は感情豊かなプレーヤーになるために考えることを提案することしかできません。そして、実際に、やるべきこと、主要なことは、それを話すように扱うことなのです。

And when we talk, we're not focused on the instrument, and we're not focused on the actual words. We're focused, we just stay open and focused on if anything, it is the feeling, the emotion that we are trying to convey. So, as you heard Francesco just did this exact same thing with this instrument, right? Didn't take practice, didn't take lots of study. It just took a change of mind, right? And in your mind, you're all wonderful musicians. You know what a wonderful world-class musician sounds like. We just got to get your mind to think that and become that, and then it'll show through your instruments. And we've seen that so far today, but we're not done. All right?

そして、私たちが話すとき、楽器に焦点を合わせたり、実際の言葉に焦点を合わせたりしません。私たちは、ただ開かれた状態であり、何かに焦点を合わせているとすれば、それは感覚、伝えようとしている感情です。ですから、あなたはちょうど、フランチェスコがこの楽器でやったのと同じことをやりましたよね？ 練習も、多くの勉強も必要ありませんでした。それはただ、心の変化だけでしたね。そして、あなたの心の中では、あなたはみな素晴らしいミュージシャンです。素晴らしい世界クラスのミュージシャンの音がどのようなものか、あなたは知っています。私たちはあなたの心がそう思い、そうなって、そしてそれがあなたの楽器から表れるようにする必要があります。そして、それは今日、これまでに見てきたとおりですが、まだ終わっていません。わかりましたか？

Mike, you have some good things to say verbally. Now, uh, it's your turn, if you don't mind, just play something for us, anything you'd like, free choice.

マイク、あなたは口頭で良いことを言うことができます。さて、あなたの番です。もしそのようにしていただければ、何か演奏してください。何でも好きなもので構いません。自由な選択です。

[Laughter]

[Music]

Great, man. Yeah, that was. I have a question for you. Actually, I have two questions for you. First obvious question is: What were you feeling when you were playing that piece? I was actually feeling, uh, something right here. I don't really know how to describe it but it's almost like a knot that was kind of here, and I think it was kind of… I think when I was playing I was trying to untangle it almost is what it felt like. Before you asked your second question, I just want to say that's a beautiful thing about music: is music can describe things that words can't. You know, a lot of times I just say people, if you can't describe it, don't try because a lot of times you just get frustrated because the words aren't adequate enough. And you know, I think we're feeling what you're feeling. It's beautiful.

素晴らしいですね。そうですね、それは素晴らしかったです。質問があります。実際、二つの質問があります。最初の当然の質問は：その曲を演奏しているとき、あなたは何を感じていましたか？私は実際に、えー、ここに何かを感じていました。それをどのように表現すればいいかわかりませんが、まるでここに結び目があったような感じでした。そして、私はそれが、えー、何か解きほぐそうとしているような感じがしました。あなたの二番目の質問をする前に、音楽の素晴らしいところは、音楽が言葉では表現できないことを表現できることです。あなたが説明できないことがある場合、多くの場合、それを試みない方がいいと言っています。なぜなら、しばしば言葉が十分ではないため、挫折するだけだからです。そして、私たちはあなたが感じていることを感じています。それは美しいことです。

Yeah, that leads me to my second question. Um, what were you feeling when Victor first asked you to play something? Is that what led to that? I think… I think when he asked, like, my mind kind of tied the knot itself, you know, trying to be like, "Oh man, what am I going to do?" You know, because obviously when you go home and sit down and play, you come up with some ideas and you know you're kind of going through the category of like, "Okay, to get this one, this one, this one, this one," kind of just going through, trying to find the right one. And that was kind of just tangling it up and just making it harder. And so then finally you just start and then I feel like the song itself was trying to untie the nervousness and like the indecision.

ええ、それが私の二番目の質問につながりますね。えー、ヴィクターが最初に何かを演奏するように頼んだとき、あなたはどんな気持ちでしたか？それがそれにつながったのですか？私は… ヴィクターが頼んだとき、まるで自分の心が結び目を作り出したような感じがしました。何をするか、というように、「ああ、どうしよう？」となってしまいましたね。自宅に帰って座って演奏するとき、アイデアを思いついて、いくつかのアイデアを考え出し、適切なものを見つけようとするカテゴリーを通り抜けるのは明らかです。そして、それが結び目を作り出し、それを解くのが難しくなってしまいました。そして最終的には演奏を始めて、その曲自体が、緊張や決断の迷いを解くように努めているように感じられました。

Okay, so well, I'm gonna try to experiment. I want you to play the same thing but I want you to try to display maybe another emotion or maybe a couple of different emotions. See if you can play the same thing and maybe convey to us that you're feeling, you know, sad or angry or bitter or happy. You know, I'll let you pick which one but see if you can convey that to us with the same piece, with the same piece. Do, do.

わかりました、じゃあ、実験してみますね。同じことを演奏してほしいけど、別の感情を表現してみてください。もしかしたら悲しい、怒っている、悔しい、幸せなど、いくつかの異なる感情を表現してみてください。同じ曲を演奏して、私たちにそれを感じさせることができるかどうか、試してみてください。どの感情を選ぶかはあなたにお任せしますが、同じ曲でそれを伝えてみてください。さあ、やってみてください。

[Laughter]

[Music]

All right, right, right, yeah, especially at the end, you start to feel that emotion start to rise, right? Now, a lot of the times, you can change the whole feel of a song just by changing what's going on inside. And I know this is like fairy dust type of talk, but it's a real thing, it's a real thing. Like, I have this song you may have heard that I do with the Flex Tones, right? Now, for me to pull that song off, I have to get into that sly, you know, real, you know, like I'm sneaking around the corner type of thing, right? But if I could take that whole song and totally change the emotion of it, right, and approach that whole song a different way, and what ends up happening is it could be to the point where you don't even recognize the song anymore, right? But this is just off the cuff. If I were going to try to turn that into a love song, right, which it's really not, it's about a dessert, right, but…

わかりました、そうですね、特に最後にはその感情が高まってくるのがわかりますね。実際、多くの場合、曲全体の雰囲気を変えることができるのは、内面で何が起こっているかを変えることです。これはまるで妖精のような話かもしれませんが、実際にそうなのです。例えば、Flex Tonesというバンドで演奏する曲があるんですが、私がその曲を成功させるためには、そのずる賢さ、本物さ、そしてコーナーの向こう側をうろついているような感じに浸る必要があります。でも、その曲全体の感情を完全に変えて、全く異なるアプローチでその曲全体に取り組むことができれば、結果としてその曲をもう誰もわからなくなるまで変えることができます。でもこれは即興ですね。もし私がその曲を愛の歌に変えようとするとしたら、実際はそうではなく、デザートについての歌なんですけどね。

[Music]

Just a funky little thing, right, but if I had to change the emotion, I'd have to approach the whole song differently, which would change the tune. And I'll go ahead and say before I forget, this is a tool that I'll use to come up with ideas, to come up with songs. I may have a great bass line that's not working, and it's not that the bassline itself is not working, it might be the emotion that I'm putting into it. It could be too fast, too slow, too hard, or whatever, but changing the emotion can put me in the right mindset to make the tune right. Same song.

ちょっとしたファンキーなものですよね。でも、もし感情を変えなければならない場合、私は全体の曲に異なるアプローチを取らなければなりません。それが曲自体を変えることになります。それを忘れないうちに言っておきますが、これはアイデアを考え出したり、曲を作るためのツールとして使います。素晴らしいベースラインがうまくいかないことがあるんですが、それはベースライン自体がうまくいかないわけではなく、私がその中に入れている感情の問題かもしれません。速すぎたり、遅すぎたり、強すぎたり、その他の理由かもしれませんが、感情を変えることで、私は曲を正しく作るための適切な心構えになることができます。同じ曲です。

[Music]

Right now, that's still the same song, but I'm just feeling and approaching it differently right now.

今はまだ同じ曲ですが、ただ今は異なる感情で取り組んでいます。

[Music]

Distortion. Right, same song, different emotion, right? And so it's going to feel different. So I might take a song through all of these phases, through all of these phases just to see which one the song is asking for. All right, I don't need to stay on this too long. Hopefully you're getting the idea, right? But don't be afraid to explore your tunes that way, explore your basslines that way. You can do it in the comfort of your own home, right? But if you want to pull emotions out of people, you've got to first pull them out of yourself. Cool.

ディストーションですね。同じ曲でも、異なる感情です。ですから、それは異なる感じになります。だから私は、その曲が求めているものを見極めるために、全ての段階を通過させるかもしれません。もう長くはこの話題にとどまらなくてもいいですね。理解していただけたかなと思いますが、自分の曲やベースラインをそのように探求することを恐れないでください。自宅の快適な環境でできますよね？しかし、他の人から感情を引き出したいのであれば、まず自分から感情を引き出さなければなりません。クールです。

I got a question for you, Victor. Yeah, um, we talked about in the beginning how broad this emotion thing could be, the emotion that you're feeling or the emotion you're trying to convey or trying to make the audience feel. What is the difference or how can you keep from, how can you keep your emotional baggage from getting in the way of conveying the emotion you're trying to convey, you know what I mean?

ビクター、質問があるんだ。最初にこの感情のことがどれだけ広範囲に及ぶか、自分が感じている感情や伝えようとしている感情、または聴衆に感じさせようとしている感情について話した。感情を伝えようとしている感情と自分の感情が交錯しないようにするためには、どのようにすればいいか、その違いは何か、理解しているかな？

Yeah, I don't know that you can really. Um, because sometimes emotional baggage can get in the way, right? Well, usually emotional baggage does get in the way. And, uh, I don't know that you can totally ever control them. I don't know, I just don't know, um, but you can, uh, you know, ring them in a little bit. And that's just going to be by understanding what they are first. You have to be honest with them, like Michael's saying that, hey, you know, I was feeling this knot in my stomach because of whatever. Whatever. You have to be honest with your emotions, right, if you want to learn to control them. And the thing is that it's a good point you bring up because it brings me back to something that I like to think about is that most of our issues when it comes to playing music have nothing to do with the instrument, has nothing to do with how much theory or whatever, you know, it's an emotional baggage issue, right?

うーん、実際には完全にコントロールできるかどうかはわからないですね。感情的な荷物が邪魔になることもありますし、実際にはよくあることです。でも、完全にコントロールできるかどうかはわかりません。ただ、少しは抑えることができるかもしれません。それはまず、それらが何であるかを理解することから始めることです。まず、自分に正直でなければなりません。マイケルが言っているように、「ねえ、何かのせいで胃に緊張が走った」とか、「どういうわけか、ね」。感情に対して正直でなければ、それらをコントロールしようとはできません。それが重要なポイントであり、音楽を演奏する際の多くの問題は楽器とは関係がないこと、理論の量とも関係がないこと、感情の荷物の問題なんですよね。

We're on camera. I'm in front of Victor or I'm in front of Anthony or whatever. I'm afraid of messing up, you know, it's all emotional baggage, right? And you will not get over that emotional baggage in the woodshed. You won't. Locking yourself in a room is not going to get you over that emotional background. It won't prepare you for it, right? Right, you know, going on a big TV show or on stage with whoever, your, you know, your dream gig is, sitting down, practicing will not prepare you for that. You've got to get out in life and you've got to put yourself in normal everyday situations, at work. You've got to deal with that issue with your spouse, at home, with your kids, with your friends. You have to deal with the emotional baggage. Only real life is going to prepare you for the real life of being a professional musician and dealing with that, with that baggage. But it is all emotional, it's all mental. This whole thing about feel and emotion that we're talking about is all up here, it's not here. And I think we just proved that when we asked you to change what was going on up here and it changed what came out here. Don't forget that.

カメラの前に立っている。ビクターの前にいるか、アンソニーの前にいるかは関係なく、失敗することを恐れているんだ。それはすべて感情の荷物だろう？ その感情の荷物を木陰で解消することはできない。自分を部屋に閉じ込めることでは、その感情の背景を克服することはできない。準備することはできないだろう。大きなテレビ番組に出演したり、誰かと一緒にステージに立ったりすることは、その準備にならない。リアルな生活に出て、普通の日常的な状況に自分を置かなければならない。仕事での問題、配偶者との問題、家での問題、子供たちとの問題、友人たちとの問題に取り組まなければならない。感情の荷物に対処しなければならない。本物の人生だけが、本物のプロの音楽家としての人生を準備する。でも、それはすべて感情であり、すべて精神的だ。私たちが話しているこの感覚や感情についてのことはすべて、ここにあるんだ。私たちが頭の中で何が起こっているかを変えるように頼んだとき、それがここから出てくるものを変えたことを証明したと思う。それを忘れないで。

Yes, Joe, when you're performing live like say on your solo spot where they're really paying attention to what you're playing, sure, and you're trying to convey something to the audience, your whole solo spot, do you take them through those rides like what these two basses just did?

ええ、ジョー、ライブで演奏するとき、例えばソロスポットで、観客が本当にあなたの演奏に注目している場合、確かに、観客に何かを伝えようとしているときは、あなたのソロスポット全体で、これらの二つのベースがしたような乗り物に連れて行きますか？

Absolutely, if I understand what you're saying. I try to take my audience on an emotional ride, and my whole approach of doing it is treating my solo spot like a lot of times with the Flex Tones or with my own band, I get a spot, you know, a five ten or fifteen minute spot. And if I'm going to keep your attention for that long, I need to affect you and, uh, I'll even say attack you on an emotional level, right? And all those things, when we broke down music into ten different parts, all of those can be used to do that, all of them can be used. But if I just keep you on the same emotional plane, that's when they're going to get up and start talking, go get a drink, go to the bathroom like we talked about earlier.

まったくその通りです。私が言っていることを理解しているならば、私は観客を感情的な旅に連れて行こうとします。そして、それを行う私のアプローチ全体は、フレックストーンズや私自身のバンドで、よくソロスポットを得ることがあります。5分から10分または15分のスポットです。その間、あなたの注意を保つ必要がありますから、あなたの感情に影響を与える必要がありますし、感情レベルであなたに訴える必要があります。私たちが音楽を10の異なる要素に分解したとき、すべてそれを行うために使われることができます。しかし、同じ感情のままでいると、観客は立ち上がってしゃべり始めたり、ドリンクを取りに行ったり、トイレに行ったりします。それは以前話したことと同じです。

I don't want you to leave, I almost don't even want you to breathe while I'm playing. So I have to do it on an emotional level, but to get you on an emotional level to do it for real, I'm going to have to be on an emotional level. And so I do it from the inside of my own self, the same way I could do it talking, I could do his speaking, you know, I could grab your emotions. But it has to do it real, it should be honest for me, all right? And so, on my instrument, I'm just speaking, you know, I'm just speaking through this instrument, and I'm feeling, and I'm trying hard, trying hard not to think about the instrument at all, right? All right, totally free, I'm not thinking about what that is so I don't quite care whether it comes out right or wrong as long as my feeling is right. Right? And now that I hear if this is getting too much, the audience is starting to get a little restless, that rings them right back in, right? It's just like saying, hey, hey, hey, over there, you know, hey, hey, over there, yeah, you listen to what I'm doing, you know, and it makes you go, uh oh, yeah, yeah, yeah, yeah, all right, right? That's emotion, that's dynamics, it's all those things on that list that I'm using to affect you on the inside. So I don't want you to just hear my music, I want you to feel my music, right?

あなたが演奏している間は、あなたが去るのを望みません。ほとんど、私が演奏している間は、あなたが呼吸するのも望みません。ですから、私は感情的なレベルでそれを行わなければなりませんが、本当に感情的なレベルでそれを行うためには、私も感情的なレベルでなければなりません。ですから、私は自分自身の内側からそれを行います。話すことができるのと同じように、彼が話すことができるのと同じように、あなたの感情をつかむことができます。しかし、それは私にとって本物でなければなりません。楽器の上で、私はただ話しているだけです。この楽器を通じて話しているだけです。感じていて、一生懸命努力しています。楽器のことをまったく考えないようにしています。完全に自由で、それが正しいかどうかはあまり気にしません。ただし、私の感情が正しい限りです。聴衆が少し落ち着きなくなり始めると、それは彼らを戻すのです。まるで、「ねえ、ねえ、あそこで、ねえ、ねえ、あそこで」と言うようなものです。私がやっていることを聴いて、あなたに影響を与えるために使用しているリストのすべての要素です。私はあなたに私の音楽を聴かせるだけでなく、感じさせたいのです。

[Music]

You know, maybe so, but if you want her to fall in love with you all over again, can you do it on your instrument? You know, that's a powerful thing to think about. Now, I know you could do it with your words, right? But again, this is a language, right? But here's a hint into pulling that off: you can't think about the bass as you're doing it. Once you can realize that, it'll become easy. That's emotion, that's feel in a real sense.

ひょっとしたらそうかもしれませんが、もう一度彼女に恋をさせたいのであれば、楽器でそれを行うことはできますか？ねえ、それは考えると強力なことです。今、あなたは言葉でそれを行うことができるとわかっていますよね？でも、これは言語です。でも、それを成功させるためのヒントはこちらです：それをやっているときはベースについて考えないでください。一度それに気づけば、それは簡単になります。それが感情であり、本当の意味でのフィールです。

ダイナミクス

[Music]

Sounds like four or four to me, but where's the one? Exactly right. We don't know, right? That lets you know that notes alone don't tell it to you. Right, there has to be something else, something else from that list that we came up with has to be present for there to be music, for there to be a time signature. The notes together don't do it. The notes alone, rather, don't do it. So just by adding in some dynamics, maybe mixed with articulation, right? This can become, and all of a sudden you start to feel a pulse. Right now that's what dynamics or any of those elements can do.

聞こえるのは4分の4拍子のようですが、1拍目はどこにあるのでしょうか？まさにその通りです。わからないですよね？それは、単独の音符だけではわからないことを示しています。そうです、音楽があるためには、リストからの何か他の要素が存在する必要があります。音符だけではなく、何か他の要素が必要です。ですから、ダイナミクスを追加したり、アーティキュレーションと混合したりすることで、一気にリズムを感じ始めることができます。これがダイナミクスやその他の要素ができることです。

I'm going to show you something else too. If I just play those notes, [Music], that's not music at all, right? But I could play those same notes as much as I can, right, and just [Music], all of a sudden you start thinking jazz, right? It's not because of the notes, it's because of the other thing, the emotion, the feel.

あとで別のことも見せてあげます。もし私がただその音符を演奏するだけだったら、（音楽）、それはまったく音楽ではありませんね？でも、私ができるだけ多くの音符を演奏して（音楽）、突然ジャズを思い浮かべるようになりますよね？それは音符のせいではなく、他の要素、感情やフィールのせいです。

Now, to bring all of this out even further, is if you learn to master dynamics, right? Dynamics can be used to draw someone in or push someone away. Right, if I want to make you mad, I'm going to start speaking louder, for the most part, right? If I really want you to listen to what I say, I'm going to get softer. I'm even going to add more space.

さらにこれをさらに深く掘り下げるためには、ダイナミクスをマスターすることが重要です。ダイナミクスは誰かを引き寄せたり、遠ざけたりするために使われます。例えば、誰かを怒らせたいときは、基本的に声を大きくしますよね？本当に私の言葉を聞いてもらいたいときは、静かになります。さらにスペースを追加することさえあります。

Because I'm going to give you time to either think about what I said or I'm going to keep you waiting to hear what I'm going to say next, right? You can feel that, that's what dynamics do. Now when you learn to master dynamics and space, ooh, you're genius then, right? But let's just deal with these one at a time. Let's talk about dynamics, okay?

私が言ったことを考える時間を与えるか、次に何を言うかを待たせる時間を与えるか、その両方ですね？ あなたはそれを感じることができます。それがダイナミクスがすることです。 そして、ダイナミクスとスペースをマスターすることができれば、そのときはすごいですね。でも、まずはこれらを1つずつ扱いましょう。では、ダイナミクスについて話しましょうか？

Dynamics in playing is one of the main things, I believe, that's used to create what bass players and musicians call a pocket. Man, you got a deep pocket, you got a great groove, okay? Now if I physically think about what a pocket is, something that holds something, right? As a bass player, we create a pocket so that the rest of the band has a place to sit. And now if you think about a pocket, a pocket can't be flat like this. A pocket has to go down and back up. Your playing must do the same thing.

プレイ中のダイナミクスは、ベーシストやミュージシャンが「ポケット」と呼ぶものを作るのに主に使われるものの一つだと私は信じています。ねえ、あなたは深いポケットを持っている、素晴らしいグルーヴだね、と言われますよね？ では、物理的にポケットとは何か考えてみましょう。何かを保持するもの、そうですよね？ ベーシストとして、私たちはバンドの他のメンバーが座る場所を作るためにポケットを作ります。そして、ポケットを考えると、ポケットはこんな感じに平らになってはいけません。ポケットは下に沈んで、そしてまた上がる必要があります。あなたの演奏も同じようにする必要があります。

So if I'm just playing a groove, there's times for that. But if I want to make that baseline have a pocket,

ですから、私が単にグルーヴを演奏している場合、その時があります。でも、もし私がそのベースラインにポケットを持たせたいと思うなら、

[Music]

Right, so all of a sudden we start hearing a little bit about maybe a rag a feel or whatever, where all of a sudden it went from rock to either funk or rag a. The notes didn't change; I changed the feel by slightly changing my articulation and adding in a lot of dynamics. You see how that works?

そうですね、突然、ロックからファンクやラガといった感じに変わったところが少し聞こえ始めました。音符は変わらなかった。私はわずかにアーティキュレーションを変えて、ダイナミクスをたくさん加えることで、感じを変えたんです。それがどのように機能するか、わかりますか？

Now, here's the problem with that. No one will ever teach you that. It's not in a book; it's not in a video. And as teachers, we're not teaching you that. You have to learn this stuff on your own, and that's a shame. The things that are going to make you an incredible world-class bassist, no one's teaching it to you, and in my opinion, that's a shame.

ここで問題があります。だれもあなたにそれを教えてくれないんです。本にも、ビデオにも書かれていません。そして、私たち教師としても、あなたにそれを教えていません。あなたはこれらのことを自分で学ばなければならないのですが、それは残念なことです。あなたを信じられないほど素晴らしい世界クラスのベーシストにするために必要なこと、誰もそれを教えてくれないんです。私の意見では、それは残念なことです。

Okay, so anyway, see, I learned all this from Anthony, and I learned he learned about me telling him to listen to as many records as he can. Listen to as many records as you can. There you go, but don't just listen to the notes. Okay, listen to everything that's going on. Pull the emotion out of those old records because it's in there. These, yeah, these lessons are in those old records, yeah, absolutely. And hopefully, they'll be in your records next too, okay?

とにかく、私はこれらすべてをアンソニーから学びました。彼に、できるだけ多くのレコードを聴くように言ったことから学びました。できるだけ多くのレコードを聴いてください。それでいいんですが、単に音符だけを聴かないでください。いいですか、起こっているすべてを聴いてください。古いレコードから感情を引き出してください。なぜなら、それはそこにあるからです。これらのレッスンは、そう、古いレコードにあります、まさにそうです。そして、あなたの次のレコードにも、願わくば、それらが含まれることを願っています、わかりましたか？

So adding an emotion when I played the straight quarter notes or whatever they were, you didn't know the time signature until I added in some feel with dynamics. Okay, now Francesco played something earlier. Right, the other thing when we listen to when we think about what he did, right, he was playing something and then I asked him to figure out what the emotion was, right? He ended up playing a little bit quieter and he added space that draws us in, like I said before, dynamics getting softer draws someone in, all right? But the thing is, like a movie, the emotions must change. So if you're structuring your solo, change the emotion, and one of the best ways is through dynamics, through dynamics, very, very powerful, all right? So dynamics, meaning how loud or soft you can play, right, and in between. So an exercise, what I want you to do, is Joe, just play me a nice, let's say, thumb pattern, just something funky with your thumb.

だから、私がストレートな四分音符や何かを演奏しているときに感情を加えた場合、ダイナミクスを使ってフィールを加えるまでは、拍子がわからなかったですね。では、フランチェスコが前に何かを演奏しましたね。そう、彼がやったことを考えるとき、彼が何をしたか、それについて考えると、彼は何かを演奏して、それから私は彼に感情が何かを見つけてみるように頼みましたね。彼は少し静かに演奏し、私たちを引き寄せるスペースを追加しました。先にも言ったように、ダイナミクスが柔らかくなると、誰かを引き寄せます。でも、映画のように、感情は変わらなければなりません。ですから、ソロを構築するときは、感情を変えてください。そして、最も良い方法の1つはダイナミクスを通してです。非常に非常に強力です。では、ダイナミクスとは、どのくらい大きくまたは小さく演奏できるか、その間のことです。ですから、練習として、ジョー、素敵な、例えば、親指のパターンを演奏してください、ちょっとファンキーなものを。

ダイナミクス エクササイズ

[Music]

Okay, cool, cool, all right, great pattern. Um, now here's the what I'll call a problem that most of us have when practicing something like this. However, we learned it is how we practice it. In other words, if we learned it hard, we practice it hard. And so what I suggest, and what I'm going to have you do right now, Joe, is dynamically, you want to practice these patterns as loud as you can all the way down to as soft as you can, alright? You also want to do the same thing with the tempo, it's fast and as slow, but we won't do that right now. We're just going to deal with dynamics.

わかりました、いいですね、素晴らしいパターンです。では、ここで練習する際にほとんどの人が抱えると呼ぶべき問題があります。しかし、我々が学んだ方法は、その練習方法です。言い換えると、難しいものを学んだ場合、難しい練習をします。ですから、私が提案するのは、そして今、ジョー、あなたにやってもらいたいのは、ダイナミックに、できるだけ大きな音からできるだけ小さな音まで、これらのパターンを練習することです、わかりましたか？ 同じことをテンポについても行いたいところですが、今はそこまでやりません。今はダイナミクスについてのみ対処します。

So take that pattern where you have it, and I want to hear you get louder, bang it out, and then get soft, all right? Louder, louder, your technique may have to change to do it, right? Now bring it down soft as you can. Right, now that was a sped-up version of what I suggest, but that will completely make you understand the song and the technique and the notes if you really explore the whole dynamic range of that pattern, right? The only other thing I'll give you a little bit more fairy dust talk is feel what it feels like when you change, right? Feel the difference because that's the way you're really going to understand that song, right?

では、そのパターンを持って、もっと大きな音で演奏してください。力強く演奏し、そして静かになってください、わかりましたか？ もっと大きな音、もっと大きな音、それを行うためには技術を変える必要があるかもしれませんね。今、できるだけ静かにしてください。そう、今、私が提案するもののスピードアップバージョンでしたが、それは本当にそのパターンの全ダイナミックレンジを探求することで、曲や技術、音符を完全に理解させるでしょう。あなたが変化するときの感覚を感じる、それ以外の唯一のことは、少しもっと妖精の粉のような話をすることです。感覚を感じてみてください、変化したときの感覚を感じてください、なぜならそれが曲を本当に理解する方法だからですね。

I kind of look at each song, each pattern as I would look at maybe like a person. I want to know everything about it. And if I only approach it one way, then I only know one thing about it, right? But that's also a way, going back to talk about technique, that's a way that makes me completely understand my techniques. Most of us can't play soft with our thumb, so I really recommend practicing that. Does that make sense? So take your techniques loud, soft, doesn't matter what it is, I just ask you to use your thumb because most of us can't play soft with our thumb.

私は、各曲、各パターンを、おそらく人と同じように見ています。私はそれについてすべてを知りたいのです。そして、一つの方法でしかアプローチしないと、一つのことしか知らないことになりますよね？でも、それはまた、技術について話すときに、私の技術を完全に理解させる方法でもあります。ほとんどの人は親指で柔らかく演奏することができませんので、本当にそれを練習することをお勧めします。理解できますか？だから、技術を大きくしたり、小さくしたりすることは問題ありません。私はあなたに親指を使うようにお願いしましたが、ほとんどの人は親指で柔らかく演奏することができませんので。

Cool, understand dynamics. Dynamics create feeling, right? Dynamics will also change the groove. Dynamics can be used to draw people in, dynamics can be used to push people away, but there's really no exercises out there that teach us how to use dynamics, so we have to make them up on our own. Cool, makes sense. Just on a personal note, I like to add, being in a band with another bass player, dynamics is, you know, it's vital for us. I mean, to complement each other, we always have to be aware of each other's dynamic range and everything else too, but specifically dynamics.

素晴らしい、ダイナミクスを理解しましたね。ダイナミクスは感情を生み出しますね？ダイナミクスはグルーヴを変えることもあります。ダイナミクスは人々を引き寄せるために使われることもありますし、人々を遠ざけるためにも使われますが、実際には、ダイナミクスを使い方を教えてくれる演習はほとんどありません。だから、自分で考え出さなければなりませんね。いいですね、わかります。個人的なメモとして、もう一人のベーシストとバンドで演奏するとき、ダイナミクスは、うん、私たちにとって極めて重要です。お互いを補完するために、常にお互いのダイナミックレンジに注意を払う必要があります。その他にも、特にダイナミクスについてです。

Like if I'm accompanying Victor and us, I might, I may consider doing the opposite thing of what he's doing dynamically to make what he's doing work, or vice versa. He might have to do the same thing for me. So, um, you're probably never going to be in a band with another bass player, but playing in a band with another bass player actually helped me learn a lot of these lessons because I had to be more aware of it. Before when I was the only one in a band, only bass player in the band, that whole frequency spectrum was mine, but now I have to be conscious of the fact that somebody else is occupying that same frequency spectrum, and that frequency spectrum doesn't like to be occupied by more than one person, so we have to use dynamics and things like that to make it work, and sometimes people aren't as aware of that as they maybe should be.

たとえば、私がビクターと一緒に演奏している場合、彼がやっていることとは逆のダイナミックなことをすることを考えるかもしれません。それによって、彼がやっていることをうまく機能させるためです。またはその逆ですね。彼も私に同じことをしなければならないかもしれません。だから、おそらくあなたは二人のベーシストと一緒にバンドで演奏することはないでしょうが、実際には、もう一人のベーシストと一緒にバンドで演奏することで、これらの教訓を学ぶのに役立ちました。以前はバンドで唯一のベーシストだったときは、周波数スペクトル全体が私のものでしたが、今は同じ周波数スペクトルを占有している他の人がいることを意識しなければなりません。周波数スペクトルは一度に複数の人に占有されるのを好まないので、ダイナミクスなどを使ってうまく機能させなければなりません。そして、時々、人々はそれに十分に気づいていないことがあります。

Now, Anthony's primary job in the band, of course, is to be a good bass player, but really, his job is to make me look good, right? You think about it, as a bass player, that's what you're there to do. It's rare that you're the star of the show, right? Your job is to make the other musicians look good. So, we're going to show you a tool right now that if you're playing with a vocalist or a, so let's say a good soloist, let's do it this way. We're going to show you how to get the audience to applaud for the soloist.

アンソニーの主な仕事は、もちろん優れたベーシストであることですが、実際には、私を良く見せることですね？ 考えてみてください、ベーシストとして、それがあなたの役割です。ショーのスターであることはめったにありませんよね？ あなたの仕事は他のミュージシャンを素晴らしく見せることです。だから、今から、もしボーカリストや、たとえば、優れたソリストと一緒に演奏している場合、観客にソリストに拍手を送ってもらう方法をお見せします。

All right, all right, Joe, if you don't mind, come up here first, I'm gonna have you be our drummer. I'm gonna get Joe to control the drum machine because we don't have a live drummer right now. Now let's say that we're on stage, the band is cooking, the band is playing, and, uh, and we have a groove going, okay? I'm gonna just start because usually it's gonna go through a bunch of soloists, all right? I'm gonna be the bass player, Anthony, you'll play chords, all right, and, uh, and Joe has got the drum machine. Give us that groove, Joe.

わかりました、わかりました、ジョー、よろしければ、最初にこちらに来ていただきます。ドラマー役をしてもらいます。ドラムマシンをコントロールしてもらいます、今は生のドラマーがいないので。では、ステージ上で、バンドが盛り上がっていて、演奏しているとしましょう。グルーヴができているとします、わかりましたか？ 通常、それはいくつかのソリストを経由して進行するので、私がベーシストになります。アンソニー、あなたはコードを演奏します、そして、ジョーはドラムマシンを持っています。さあ、ジョー、そのグルーヴを聞かせてください。

Where's again.

Okay, so the band is playing. Now, Dave, just solo for us, you're our first solo.

もう一度、よし、バンドが演奏しています。では、デイヴ、ソロを演奏してください。あなたが最初のソロです。

[Music]

Very cool. Let's stop just for one second. That's very cool. I'm going to show you something, and I'm going to explain it before we do it, all right? Now we're going to do something that's almost guaranteed to work, right? We're going to make everybody in this room who is going to be portraying our audience, we're going to make them feel the urge to applaud for you, all right? All right. And we're going to do it from here, the band, and you can direct this as a bass player. Really, any instrument can direct it, but everybody has to do it.

すごくいいですね。ちょっとだけ停止しましょう。とてもいいですね。それを行う前に説明しますね、わかりましたか？ 今、ほぼ成功すると保証されていることをやります、わかりましたか？ 私たちの観客役となるこの部屋のみなさん全員が、あなたに拍手を送りたいという衝動を感じるようにします、わかりましたか？ では、ここからバンドがそれを行い、あなたはベーシストとしてこれを指揮することができます。実際、どの楽器でも指揮できますが、誰もがそれを行わなければなりません。

Now, here's what I'm going to do. I'll go ahead and explain it first. We're grooving, so everything dynamically is the same. So what I'm going to do is I'm going to go up high, and I'm going to start pedaling a note, meaning I'm just going to repeat one note up high because that's going to change the down low. Everything's full when I go up high, everything thins out. When I bring down the volume, it gets real thin. So what I'm going to do is create a hole. What we're going to do, rather, is create a hole that you're going to be standing right in the middle of, and regardless of what the audience is doing, they're going to look in your direction. Right, this is going to inspire the soloists, make them feel good.

さて、これから説明します。私たちはグルーヴを刻んでいますので、すべてのダイナミクスは同じです。私がすることは、高音に上がって、ある音をリピートすることです。つまり、高い音で1つの音を繰り返します。なぜなら、これが低音の部分を変えるからです。高い音に上がると、すべてが充実しますが、音量を下げると非常に薄くなります。ですから、私がすることは穴を作ることです。実際には、あなたが真ん中に立っている穴を作ります。観客が何をしているかに関係なく、彼らはあなたの方を見ます。そうです、これはソリストにインスピレーションを与え、彼らを良い気分にさせるでしょう。

Right, and then after we stay there for a while, whatever feels right, we're just going to bring it back up, and you'll notice from the inside out when we bring it back up, at that point, you're going to have the urge to applaud. See what this feels like. Same thing, Joe. One, two, ready, go. Go ahead and solo for Kirk.

そうですね。そして、しばらくその状態を続けた後、自然な感じになったら、再び元に戻すだけです。そして、私たちがそれを元に戻すとき、内側から外側への感覚に気付くでしょう。その時点で、あなたは拍手したくなるでしょう。どう感じるか見てみましょう。同じこと、ジョー。1、2、準備、スタート。カークのためにソロをしてください。

[Music]

You keep playing. Now, the way to make this work is you have to be grooving hard to start with. You have to be giving your audience something that's working.

演奏を続けてください。これをうまく行わせる方法は、まず最初にしっかりとグルーヴを刻んでいる必要があります。観客に機能するものを提供している必要があります。

[Music]

All right, you feel that hole, everyone looks right at him. That's what happens. Nice, yes. Now I'm slowly starting to build by changing my part. Bring it up a little bit. Now I start to build. I work my way back down. Right there, you keep going. Right there, the audience will have the urge to do that. Right there, it's almost guaranteed to work. But the audience right there will have the urge to applaud.

わかりました、その空白を感じて、みんなが彼を見ます。それが起こることです。素晴らしいですね、うん。今、私は徐々に自分のパートを変えてビルドアップを始めます。少し上げていきます。今、ビルドアップを始めます。少しずつ下げていきます。その瞬間、続けてください。その瞬間、観客は拍手をしたくなるでしょう。その瞬間、ほぼ保証されています。でも、その瞬間、観客は拍手したくなるでしょう。

Now, again, this is something that we do all the time. We do it on stage, we look at each other, and we say, "Yep, worked again." Right? And nobody else may catch on, but I'm telling you, if you learn things like this, this is only one little dynamic trick. All right? If you do something like that, the person that you are working for will call you back, and they might not even know why. They might not even know why; they just know that it was a comfortable bed provided for them while they were taking that solo or throughout the whole show, and it felt good. It felt so good, they'll call you back every time, every single time, right?

これは私たちがいつもやっていることです。ステージで行うと、お互いを見て、「うん、またうまくいったね」と言います。他の誰も気づかないかもしれませんが、私が言っているように、こうしたことを学ぶと、これはわずかなダイナミックなトリックの一つに過ぎません。もしあなたがこうしたことをするなら、あなたのために働いている人はあなたを呼び戻すでしょう。そして、なぜかもしれません。なぜかもしれません。ただ、そのソロを取る間やショー全体を通して、快適な場所を提供してくれたことを感じました。気持ちがよかったんです。とても気持ちがよかったので、彼らは毎回、毎回あなたを呼び戻すでしょう、そのたびに、毎回、ね？

Once again, I just like to say, that's just one exercise that we have come up with to explain this concept. To learn it thoroughly, you're going to have to experiment on your own because, I'm sorry to say, that us as teachers, for the most part, nobody's teaching this, and you need to know it to be a good bass player and to get called back, all right?

もう一度言いますが、これはこの概念を説明するために私たちが考え出した1つのエクササイズに過ぎません。これを徹底的に学ぶには、自分で実験しなければなりません。残念ながら、私たち教師のほとんどは、誰もこれを教えていないので、良いベーシストになり、呼び戻されるためにはそれを知る必要があります、わかりましたか？

We're just going to try something pretty much improvised, just kind of go through a few different dynamic levels just to kind of give an idea of how dynamics work. You know, for the most part, we think of dynamics meaning louder, but we're going to play something that pulls back and see what it feels like because it causes you to lean in and listen to what we're doing. Okay, I'll let you start.

私たちはほぼ即興で何かを試してみるだけで、いくつかの異なるダイナミックレベルを通過して、ダイナミクスがどのように機能するかを示すためにやってみます。ほとんどの場合、ダイナミクスとは音が大きくなることを意味しますが、引いてみる演奏をしてみて、どんな感じかを見てみます。なぜなら、私たちの演奏に耳を傾けさせるからです。わかりました、あなたから始めます。

[Music]

トーン

I'll ask you a question. We've probably all been out to a nightclub or dancing or something like that, and some of you may have heard me ask this question. If so, I want you to hold your answer for a minute, but when you go into a nightclub, a big discotheque or whatever, there's something that they are using to make sure everybody dances. Does anyone know what that is by show of hands? There's something that the nightclub is using to make everybody dance. What would you say, Josh, that it might be?

質問がある。おそらく私たちは皆、ナイトクラブやダンスなどに行ったことがあると思いますが、私がこの質問をしたことがある人もいるかもしれません。その場合は、しばらく答えを保留しておいてください。ナイトクラブやディスコなどに入るとき、みんなが踊るようにしている何かがあります。手を挙げて知っている人はいますか？ ナイトクラブがみんなを踊らせるために使っている何かがあります。ジョシュ、それは何だと思う？

Rhythm, yeah, there's rhythm, mm-hmm. Um, but no, girls? Girls, yeah, that's true, girls, but that's not what I'm thinking. That's not what I'm thinking. There's one thing that's an elusive thing that we don't realize, but there's one thing, you know what it is? Um, maybe a subwoofer? A subwoofer, why would they be using a subwoofer? Why, to emphasize the bass, to emphasize the bass and move, like, so the low frequency so you can feel it, feel the music rather than… Absolutely. What we're talking about is tone. We are talking about tone, right? And it's elusive. You never think about it until the tone is not there. See, we think it's rhythm. Some people say it's alcohol, some people say it's the lights, the atmosphere, and all of that is true, the women or the men, all of that is very, very true, but it's tone.

リズム、そう、リズムがありますね、うん。ええ、でも、女の子？女の子、うん、それも正しいですが、私が考えていることではありません。私が考えているのは、私たちが気づかないあるものがありますが、それが何か、知っていますか？ええと、サブウーファーかもしれませんか？サブウーファー、なぜ使うのでしょうか？なぜなら、ベースを強調するため、低周波数を感じるようにするため、音楽を感じるために…正しいです。私たちが話しているのは音色です。音色について話しているのです。そして、これは難しいものです。音色については考えないでしょう、その音色がないと気づくまでです。リズムだと思う人もいます。アルコールだと言う人もいますし、光や雰囲気もそうですし、女性や男性もそうです。全てが非常に、非常に正しいですが、それは音色です。

And here's what I mean. Michael nailed it. They use big subwoofers that make the sound vibrate the whole room, whatever it is, so you could be in a bad mood, you could be leaning up against the wall determined not to dance, right? But the floor's shaking, the walls are shaking, the air is pumping, and inside your body, you're feeling it, and before you know it, you're just grooving. You didn't even want to, but you're grooving. That's tone.

そして、これが私が言いたいことです。マイケルがそれを完璧に言い当てました。彼らは大きなサブウーファーを使って、音が部屋全体を振動させます。あなたが悪い気分であっても、壁に寄りかかって踊りたくないと決心していても、そうですよね？でも、床が揺れ、壁が揺れ、空気がポンプされている中で、体の中では感じているんです。気づかないうちに、グルーヴしています。本当はしたくなかったけれど、グルーヴしているんです。それが音色です。

Now, you may still think it's those other things, rhythm or whatever. Let's say rhythm, Josh, it's your favorite song, right? Oh, that's my song, I'm gonna get up and jam, right? But what happens if the subwoofers blow out and there's only tweeters? I don't care what the rhythm is, you're not going to want to dance to it because the dancing tone is not there anymore. The tone that makes you dance is low, the tone that makes you sing is a little higher because it's in the register of the human voice. So if you want people to dance, pull on the row or roll up the lows of your bass and make a thump. If you want people to sing a melody, thin it out and put it up higher in the voice range.

今でも他の要素がそれだと考えているかもしれませんが、リズムとか。リズムだとすると、ジョシュ、それがお気に入りの曲だとしたらどうですか？ああ、それは私の曲だ、立ち上がってジャムをしよう、そうですよね？でも、もしサブウーファーが壊れてツィーターだけになったらどうなりますか？リズムが何であれ、もう踊りたくなくなるでしょう。なぜなら、踊るための音色がもはや存在しないからです。踊らせる音色は低く、歌わせる音色はもう少し高いです。なぜなら、それは人間の声のレジスターにありますから。だから、人々を踊らせたいのであれば、ベースの低音を引っ張り出して、トンという音を出します。人々にメロディを歌わせたいのであれば、それを細くして、声の範囲の高い部分に置きます。

Okay, now what we're doing is we are learning how to use tone, right? We all know what tone is vaguely because we all have tone knobs on our instruments, right? But we haven't really experimented what they do to music. What does tone do to a person? I mentioned earlier if I play a C major chord, I know that kind of sounds happy. If I want to write music that sounds happy, it's in a major key. If I want to write songs that are more mysterious or sad, we know how to use notes to create that. A minor key, suspense, diminished, augmented, we know that, but we don't know what tone does. The other things on that list, two through ten, we're not really up to speed on those. Tone is a big one that we don't understand, but every bass has it, every guitar has it, every instrument has different tones. Explore it and see what it does, right?

さて、今私たちがしていることは、音色の使い方を学んでいるところですね？私たちはみんな楽器に音色ノブがあるので、音色の概念はおおよそわかっています。でも、それが音楽にどのような影響を与えるかを実験したことはありません。音色は人にどのような影響を与えるのでしょうか？以前にも述べたように、Cメジャーコードを演奏すると、それは幸せそうな音がします。幸せそうな音楽を作りたい場合は、メジャーキーで曲を書くことがわかります。もっと神秘的や悲しい曲を作りたい場合は、どのように音符を使ってそれを作るかを知っています。マイナーキー、サスペンス、減7、増7、それらはわかりますが、音色が何をするかはわかりません。リストの中で、2番目から10番目までのその他の要素は、私たちはそれほど理解していません。音色は私たちが理解していない大きな要素ですが、すべてのベースにそれがあり、すべてのギターにそれがあり、すべての楽器には異なる音色があります。それを探求して、何が起こるかを見てくださいね？

So, you understand now how the nightclub is using tone to make you dance. As a bass player, you can do the exact same thing. Does that make sense, right? So, I'm not going to spend a whole lot of time talking about tone, and the only exercise I'm going to do right now to give you is to have you start exploring on your next gig or when you're practicing. I want you to play a song and use a different tone and see how it affects the song.

だから、今、あなたはナイトクラブがあなたを踊らせるために音色を使っている方法がわかりましたね。ベーシストとして、あなたもまったく同じことができます。それは理にかなっていますね？だから、私は音色についてたくさん話す時間を割くつもりはありませんし、今回あなたに与える唯一のエクササイズは、次のギグや練習のときに探求を始めることです。曲を演奏して、異なる音色を使って、それが曲にどのように影響するかを見てください。

All right, the only other thing I'm going to say to do is really explore the different tones you get out of playing in different places on your instrument, all right? So if I'm playing… Right? Different… All right, even just halfway is different than here, right? You can get tones like Stanley Clarke has his finger sideways like he might be playing acoustic bass, right? That allows him to get his tone. Anthony Jackson made it popular to mute back here and use his thumb, right? That creates a different tone, playing with the pick, using your thumb, tapping all creates different tones. So anything you ever play, whether it's a scale or whatever, explore the different tones, use different techniques to pull out different tones, and feel the difference, all right? Does that make sense?

さて、もう一つ言いたいことは、楽器の異なる場所で演奏することで得られる異なる音色を本当に探求することです。ですから、もし私がこうやって弾くと… ですよね？異なる… ですよね？ ここで弾くよりもここで弾く方が違います。スタンリー・クラークは、彼の指を側面に向けてアコースティックベースを弾くようにすることがあります。これにより彼は彼の音色を得ることができます。アンソニー・ジャクソンは、ここでミュートをかけて親指を使うことを一般的にしました。これにより、異なる音色が生まれます。ピックで弾く、親指を使う、タッピングすることはすべて異なる音色を生み出します。ですから、スケールなどを演奏するときでも、異なる音色を探求し、異なる技術を使って異なる音色を引き出すようにして、その違いを感じてください。わかりますか？

Cool, that's tone.

いいですね、それが音色です。

リズム / テンポ

[Music]

All right, I've got a question for you. If you're playing in a band, doesn't matter what type of band it is, who is the timekeeper? Who's the person in charge of keeping the time? Okay, Kurt, go for it.

うん、そうですね。ドラマーがタイムキーパーです。通常、バンドの中でリズムセクションの一部として、ドラマーがビートをキープする役割を果たします。

Every single musician, absolutely, everybody, he nailed it. Everybody is the timekeeper. So, what does that mean? That means you have to have good time. Your timing should be great. The better your time is as an individual, the better the whole band's time is going to be. So, a lot of us rely on the drummer, and for the most part, if I ask one of you or a lot of people that I run into, I ask them to play something by themselves, it shows us that their time by themselves is not that good. We need a drummer to have good time, all right? So, the thing that I found that, and we're not going to do it today, but the thing that I found that will clean up someone's time immediately is I just have them think of the drummer. It's that simple, and we did it earlier with Dave. I had him put a drummer in his head, and it made his playing, every part of his playing got better, right? So, it's that simple. If you want to clean up your time, especially when you're playing by yourself, imagine playing with a drummer, all right?

すべてのミュージシャン、まさにそうですね。全員がタイムキーパーです。では、それはどういう意味でしょうか？それは、あなた自身のタイミングが素晴らしいことです。個々のタイミングが良ければ良いほど、バンド全体のタイミングも良くなります。したがって、多くの場合、私たちはドラマーに頼っていますが、もし私があなたや他の多くの人に個人で何かを演奏してもらったとしたら、その演奏は個々のタイミングがあまり良くないことを示しています。私たちはドラマーが必要です。タイミングを良くしたい場合、特に個人で演奏しているときには、ドラマーと一緒に演奏することを想像してください、ということです。

But you are still relying on that drummer to have a good time. You need to have good time internally. So, we're going to give you a couple of exercises that should help with that. All right, I'm going to start with a great exercise I saw Anthony do one time at camp, and I'm going to get Anthony to share that with you. Thanks.

しかし、あなたは依然としてそのドラマーが良いリズムを持っていることに頼っています。内部で良いリズムを持つ必要があります。だからこそ、そのためのいくつかのエクササイズを提供します。では、キャンプでアンソニーが行った素晴らしいエクササイズを紹介しましょう。アンソニーにそれを共有してもらいます。ありがとうございます。

タイムキーピング エクササイズ

Um, I realized from teaching that some of my students who were having trouble with time, I tried to figure out what it was. And I think I came to the conclusion that they didn't have a good visual representation of what time was. So, I wanted to come up with the exercise that would give people a visual representation of what time is because sometimes we think time is abstract, but it's really concrete. At any particular tempo, there's a set distance between 16th notes or eighth notes or quarter notes. It's very concrete. It's not abstract at all. It's just like outside if you look, there's an exact distance that's a mile away from where you're standing. Now, you might not be able to see that, but maybe people who are in that business, maybe surveyors, could tell you exactly that tree is exactly one mile away. And musicians, we should be able to see and feel that. So, I wanted to give students a concrete visual way of seeing time. So, I came up with this exercise I like to call the yardstick of time and groove.

教える中で気付いたのですが、リズムに問題を抱えている生徒たちのいくつかは、それが何であるかを理解していないようでした。その原因を探るために努力しました。そして、彼らは時間が抽象的であると考えているかもしれませんが、実際には具体的です。特定のテンポでは、16分音符や8分音符、4分音符の間には確定した距離があります。それは非常に具体的です。まるで外に出て見れば、自分が立っている場所から1マイル先には正確な距離があります。あなたがそれを見ることができないかもしれませんが、測量士などの人々は、その木がまさに1マイル先にあると教えてくれるかもしれません。そして、音楽家として、私たちはそれを見ること、感じることができるべきです。そのため、生徒たちに時間を具体的に視覚化する方法を提供したいと考えました。そこで、私はこのエクササイズを考案しました。時間とグルーヴのヤードスティックと呼ぶことにしました。

So, as you can see up here, I have a visual representation of what one measure looks like. Now, we all know that really a song works over a long period of time, maybe a song might be three or four minutes. This is just a snapshot out of that. So, we got this one measure, and it will actually just continue on for three or four minutes. That's why I have one in parenthesis again. But if you imagine these long lines, these quadrants right here, they represent the quarter notes. Half the distance between the quarter notes are eighth notes, so I made those lines half the length. And half the distance between the eighth notes are 16th notes, so I made those lines half the length of the eighth note. So, we get these 16 subdivisions. Of course, we know we can subdivide time indefinitely, but you don't get much as a bass player, as a pop musician, you don't subdivide much more than this 16th note. So now we have a visual representation of the 16 sixteenth notes of one measure. Is that clear? Does everyone know what I mean when I say the syllables "one e and a, two e and a" representing the different sixteenth note subdivisions of a beat? Does everybody know what that means? Like the one would be the downbeat, the e would actually be the second subdivision, the and would be the upbeat, and the other will be the full sixteenth note of a beat. Does that make sense?

ここに表示されているのは、1小節がどのように見えるかの視覚的な表現です。皆さんもご存知のように、実際には曲は長い時間にわたって機能します。曲が3〜4分間続くこともあります。これはその一部です。これは1小節で、実際には3〜4分間続きます。そのため、再び1つを括弧で囲みました。長い直線、これらの四分音符を表します。四分音符の間の距離の半分は8分音符であり、そのため、これらの線の長さを半分にしました。8分音符の間の距離の半分は16分音符であり、そのため、これらの線の長さを8分音符の半分にしました。その結果、1小節の16分音符の16分割が得られます。もちろん、時間を無限に細分化できることはわかっていますが、ベーシストやポップミュージシャンとして、16分音符以上の細分化はあまり行いません。したがって、これで1小節の16分音符の視覚的な表現ができました。わかりますか？私が「1 e and a, 2 e and a」という音節を使って、1小節の16分音符の各分割を表すとき、みなさんは理解していますか？一つはダウンビートを表し、eは実際には2番目の分割を表し、andはアップビートを表し、もう一つは1拍の16分音符の完全なものを表します。それが理解できますか？

So, what I'm going to do now is I'm going to put a slash on any one of these 16th notes, and we're going to just play the note A, the fifth fret of the E string, wherever I put a slash. Every time the measure goes around, is everybody clear on that? So we get Victor to start the drums, and the tambourine sound will represent beat one for us, and I'm gonna put a slash down, and just… and I'll be changing these slashes, just play wherever I put the slash, okay? What are they gonna play? They're gonna play the note A, the fifth fret on the E string, just one note for the length of a sixteenth note, not a long note at all. Okay, yep, I'm gonna count you in first.

では、今から16分音符のどれかにスラッシュを入れて、私たちはただA音を演奏します。E弦の5フレット、スラッシュがある場所で演奏します。1小節が回るたびに、みなさんはそれがわかりますか？それでは、ビクターにドラムを始めてもらい、タンバリンの音が1拍目を表します。スラッシュを入れて、スラッシュがある場所で演奏します。これらのスラッシュを変更していくので、スラッシュがある場所で演奏します。わかりましたか？何を演奏しますか？E弦の5フレットでA音を演奏します。1つの16分音符の長さだけです。とても長い音ではありません。わかりましたか？では、最初にカウントします。

One, two, three, four. Good.

[Music]

New figure. New figure. Beat two now. One, two, three, four. You guys looking good. Keep playing B2. Okay, keep playing B2. New figure, three. Good, good. One more time, new figure.

新しいフィギュアです。新しいフィギュアです。今は2拍目です。1、2、3、4。皆、いい感じですね。B2を続けて演奏してください。OK、B2を続けて演奏してください。新しいフィギュア、3です。いいですね、いいですね。もう一度、新しいフィギュアです。

[Music]

Good, guys, real good job. A couple more times. Okay, I'm gonna keep the drums going, but I'm gonna talk to you a little bit. Those are the easiest four. The next four are the upbeats, so now we're gonna play these, the upbeats. Here we go. One, two, three, four. That was good. Three, four. It makes sense. Keep doing that.

いいね、みんな、本当にいい仕事だ。もう少し続けよう。オーケー、ドラムは続けるけど、ちょっと話をするね。今の4つは一番簡単なところだ。次の4つはアップビートなので、今度はアップビートを演奏する。さあ、いくよ。1、2、3、4。良かったね。3、4。理解できたね。続けて。

[Music]

Next figure.

[Music]

Good, so we got a visual representation now of what this sounds like. Next figure. Good.

いいね、だから今、これがどのように聞こえるかの視覚的な表現ができました。次の図。良かった。

[Music]

Next figure.

[Music]

Good. Y'all keep playing. I'm gonna talk to you a little bit.

良いですね。皆、演奏を続けてください。少し話をします。

My idea, one of my concepts behind having a good groove and good time, is being able to acknowledge any subdivision of any beat at any time. I'll say that again. Part of having good time and good feel is being able to acknowledge any subdivision of any beat at any time. Those are the eight easiest ones. Those are the ones we are most comfortable with. A lot of European music and American pop music emphasize those. But the next eight that are a little bit harder are the subdivisions that we associate with ethnic music. So a lot of times when somebody is trying to duplicate a feel of ethnic music like R&B or reggae or African music, a lot of times what they're missing is where they place a note. A lot of times people are learning techniques or learning notes, and a lot of times what makes it feel authentic is where you place it. Like I hear a lot of people learning techniques that we credit to Victor innovating, and sometimes when I hear something that's missing, what I realize is they can only do that technique in one place in a measure. And one thing I know about Victor is any technique that he does, he can do on any of the 16 subdivisions of a measure. Does that make sense?

素晴らしいですね。グルーヴとタイミングを良く保つための私の考え方やコンセプトの一つは、いつでもどんな拍子のいずれの割り込みにも対応できることです。もう一度言います。良いタイミングとフィールを持つためには、いつでもどんな拍子のいずれの割り込みにも対応できることが重要です。これらは8つの最も簡単な割り込みです。これらは私たちが最も慣れ親しんでいるものです。多くのヨーロッパの音楽やアメリカのポップ音楽では、これらが強調されています。しかし、もう少し難しい次の8つは、民族音楽に関連付けられる割り込みです。ですので、R&Bやレゲエ、アフリカ音楽などの民族音楽の雰囲気を再現しようとする際、しばしば音符の置き方が欠けていることがあります。時々、人々はテクニックや音符を学んでいますが、本物の雰囲気を作るためには、それを置く場所が重要です。ヴィクターが革新したテクニックを学んでいる人々の中には、時々何かが欠けていると感じることがあります。その場合、気付くことができるのは、彼らが1つの小節の中でそのテクニックを1か所しか使えないということです。私がヴィクターについて知っていることの1つは、彼が行うあらゆるテクニックを小節の16分割のどの部分でも行うことができるということです。理解できますか？

If I can get the drums again, then we're going to do the E's. Two, ready, play. Good, I heard it. Good, good, next figure. Notice how that feels. It grooves a little bit more. That's wrong. Oh no, okay, all right.

もう一度ドラムをお願いできますか？それから、Eを演奏します。2、準備、始め。良い、聞こえました。次のフィギュアへ。どのように感じるかに注意してください。少しグルーヴしますね。それが違いますね。あ、いいえ、わかりました。

[Music]

Next figure.

[Music]

OK. Next figure.

[Music]

Yeah, notice how that one feels. You get an idea what syncopation really is. Okay, that was all the E's. Now the last four, the "us," the ones that feel like we're anticipating the beat.

はい、そのフィールを感じてください。シンコペーションの本当の意味がわかるでしょう。よし、それがEの全てです。最後の4つは「us」です。拍を予想しているような感じがします。

[Music]

Don't rush it, don't rush it. Right before two, that one usually gives people the most trouble. Somebody's playing a little early, one "e" and… Uh, can I just, Kurt? Yeah, I feel good.

急がないでください、急がないでください。2番の直前、その部分は通常、多くの人にとって最も難しいです。誰かが少し早く演奏しています、1「e」and… あ、ちょっと、カート？ はい、自信があります。

[Music]

So everybody else can join in.
他の皆さんも参加できます。

[Music]

And sometimes I'll tell students, you might have to do this in this analytical way, but do it until you get it memorized by feel because you want to be able to feel this. We just want to have an intellectual way of understanding it, but you want to get it by feel. Next figure, don't rush it. Just before beat three, one, two, and three. Somebody's hitting a little early. One, two, ending.

そして、時々私は生徒にこう言います。「このような分析的な方法で行う必要があるかもしれませんが、感覚的に覚えるまで繰り返してください。」我々は理解するための知的な方法を持ちたいと思っていますが、感覚で覚えることが重要です。次のフィギュア、急がずに。ビート３の直前、1、2、そして3。誰かが少し早く打っています。1、2、終わり。

[Music]

Okay, next figure, we're gonna move on. Good, last one. One, two, three, four, and one, two. Don't rush it, Mike, and that's it. Good, good, that's good. You can stop that, Victor. Thanks. I want to try this. Stop. Okay, thank you. I want to try this. We're going to have Victor start the drums, and I'ma count you in. We're going to play the downbeat, and every time the measure goes around, we're going to play a 16th note later. Does everybody follow me, or do I need to demonstrate? Everybody has it? So, the first measure, when it comes around, we're gonna play on the downbeat. But when it comes back around, we're gonna play the "e." Then when it comes back around, we're gonna play the "and." Then, we're just gonna do it 16 times, okay? Everybody with me? Any questions? Let's try it. Counting you in. One, two, three, downbeat.

次のフィギュア、進んでいきます。良い、最後の１つ。１、２、３、４、そして１、２。急がないで、マイク、それでいいです。良い、良い、それは良いです。それをやめてもらえますか、ヴィクター。ありがとうございます。これを試してみたいと思います。止まれ。よろしい、ありがとうございます。これを試してみたいと思います。ヴィクターにドラムを始めてもらい、私がカウントします。私たちは最初の小節で演奏を始めますが、小節が戻ってきたら、16分音符後に演奏します。みなさん、私についていけますか、それともデモが必要ですか？みなさん理解しましたか？では、最初の小節は、小節が回ってくるときにダウンビートで演奏します。しかし、戻ってくるときには "e" を演奏します。それから、"and" を演奏します。それから、ただ16回繰り返すだけです、わかりましたか？質問はありますか？やってみましょう。カウントします。1、2、3、ダウンビート。

[Music]

Good, now we're going to do this, but we're going to start on one. We can think of it as this one if it's easy, but this time, we're gonna go back a sixteenth note. So, you won't play a whole measure when you hit one. When it gets to the "uh" of four in the same measure, you're gonna play that. Then, the next measure, you're gonna play "and." So, we're going backwards. Does everybody follow me?

良い、次はこれをやりますが、1から始めます。簡単な場合、これを1と考えることができますが、今回は1つ前の16分音符を演奏します。そのため、1を演奏するときには1つの小節全体を演奏しないでください。同じ小節内の4の「uh」に到達したときに、その音を演奏します。次の小節では、「and」を演奏します。つまり、逆に進んでいきます。みなさん、私の話についてきていますか？

[Music]

Got it. The first measure has two. It's that downbeat, the one, and then the "of" four. Everybody with me? One, two, three, beat one, two, three.
わかりました。最初の小節には2つあります。それは、1のビート、そして「4のうち」です。みなさん、私の言っていることが理解できましたか？

[Music]

Excellent. That was good. That was really good, so it's going to get a little bit harder. We're working with just single notes now. We're going to do three notes. We're going to do the exercise we just did, but we're going to do three notes, and "LLH" means low-low-high. So we're going to hit two low A's and then a high A. And for you thumpers and pluckers, you can thump it, but we can do it finger style, so you can choose yourself.

素晴らしいです。良かったですね。これから少し難しくなります。今はただの単音を使っていますが、3つの音符を使います。今行った練習を行いますが、3つの音符を使い、「LLH」とは低い音、低い音、高い音を意味します。2つの低いA音を打ってから高いA音を打ちます。指で弾くか、親指で弾くかは自由です。

So now that one slash represents three, three, three events. Does that make sense? I'm just gonna put one slash, but it's gonna represent. Make sense? So this is what we're gonna do. I purposely, because I'm mean, I purposely chose a three-event figure because it's hard for us to play three-event figures against four. So what you're going to naturally want to do when we're playing on the E's and U's and make is to make it work out metrically. That's why I chose a three-event figure. So I'm giving you a tip ahead of time. Cool?

ですから、1本のスラッシュが3つ、3つの出来事を表します。分かりますか？私は意地悪なので、敢えて3つの出来事を選びました。なぜなら、私たちが4つに対して3つの出来事を演奏するのは難しいからです。ですから、私たちがEやUの上で演奏するときに、メトリカルにうまくいくようにするために3つの出来事を選びました。だから、事前にヒントを与えていますね。わかりますか？

Do I need to demonstrate it to everybody? Everybody's with me? I want you to really make note of how it feels when you play these three events on the E's and U's and notice how much it has a tendency to feel like it's grooving. Do me a favor, Anthony. With that one slash there, demonstrate what that one slash represents.

皆さん、私が実演する必要がありますか？皆さん、私と一緒にいますか？これらの3つの出来事をEやUの上で演奏するときの感触に本当に注目してください。それがグルーヴするように感じる傾向がどれだけあるかに注意してください。アンソニー、お願いします。その1本のスラッシュが表すものをデモしてください。

Okay, that one slash is. Then I'm gonna come back. Make sense? Cool. Actually, I'm not even gonna write any more slashes up. I'm just gonna say we're gonna do the exact same exercise when we, when the first measure, we're gonna play the downbeat, and then we're gonna play that same figure starting on the E. Our low first low thump will be on the E, then the next time on the U. Does that make sense?

OK、その1本のスラッシュはです。それから戻ってきます。分かりますか？良いですね。実際、もうスラッシュを書く必要はありません。私たちは最初の小節でダウンビートを演奏し、次に同じフィギュアをEから開始します。最初の低い音がEで、次はUで演奏されます。それが理解できますか？

So it's gonna be a little challenging. It's the same exercise, same exercise, but with three-event figure. You guys need me to demonstrate? You want to try it? Let's try. Let's try it. Okay, I'm gonna count you in. One, two, three, four.
それは少し難しいかもしれません。同じ練習ですが、3つの出来事のフィギュアです。私がデモをしたいですか？試してみたいですか？やってみましょう。やってみましょう。OK、私が数えます。1、2、3、4。

[Music]

Uh, yeah, see how that feels. Feels like it's a groove. Like you can make.
うん、それがどのように感じられるか見てください。グルーヴのように感じられます。作り出せる感じです。

[Music]

Make sense? That was good. So we're gonna take it up another level. I'm gonna put four slashes down. These four slashes are gonna represent. The first one is gonna represent low low high on the A where we just did it, okay? The second slash is going to be C, the third fret of the A string. Okay, the… that was the second slide, sorry. The first slash is A, the second slash is C, the third fret of the A string. The third slash is D, the fifth fret of the A string, and the fourth slash is E, the seventh fret of the A string. So we got these four notes: A, C, D, like the first five notes of the A minor pentatonic. Is everybody with me on that? So we're going to play the first slash, will always be A, the second one will always be C, third one will always be D, and the fourth will always be E. So we're gonna play that figure. You can start it. Two, three, four.

わかりましたか？良かったです。次のレベルに上げてみましょう。4つのスラッシュを置きます。これらの4つのスラッシュはそれぞれを表します。最初のものは、A弦の5フレットであるAを表し、2番目のスラッシュはA弦の3フレットであるCを表します。3番目のスラッシュはA弦の5フレットであるD、そして4番目のスラッシュはA弦の7フレットであるEを表します。したがって、A、C、D、Eという4つの音があります。これはAマイナーペンタトニックの最初の5つの音のようですね。みんな理解していますか？では、そのフィギュアを演奏してみましょう。始めましょう。2、3、4。

[Music]

Just jump twice, don't go down. Keep doing that, guys.

2回ジャンプしてください。下に行かないでください。それを続けてください、みんな。

[Music]

Keep doing that, Dave. Just stay by yourself. I want you to play that figure for me. Everybody else can stop.

デイブ、そのままでいて。そのフィギュアを演奏してください。他の人は止めてもらって構いません。

[Music]

Yes, that's it. That's it. Listen how that went. It's the same exact figure. It's the exact same figure, just displaced by a 16th note. And notice how different it feels. Play yours on the downbeat. It's the same exact figure, but note that it has more of a groove to it just because we played the same figure. That was good. Anybody else want to try that? You want to try, Mike? Two, three, four.

はい、それだ。それだ。それがどのように進んだかを聞いてください。それはまったく同じフィギュアです。正確に同じフィギュアですが、16分音符でずらされています。そして、それがどのように異なる感触かを注意してください。あなたのものをダウンビートで演奏してください。まったく同じフィギュアですが、同じフィギュアを演奏しただけでグルーヴ感が増します。それは良かった。他の誰かが試してみたいですか？マイク、試してみますか？二、三、四。

[Music]

Okay, you're playing it on the downbeat. That's fine.

わかりました、あなたはダウンビートで演奏していますね。それで問題ありません。

[Music]

Do this: just feel the downbeat, but don't play right after the downbeat.

これを行ってください：ダウンビートを感じるだけで、ただし、ダウンビートの直後に演奏しないでください。

[Music]

Backwards, that's the thing. It's hard, it's hard. It's really hard. Difficult. Anybody else want to try? We come back to you, Mike. Anybody else want to try it? Let's give it a try. Go ahead. You want, Josh?

逆にやるんです。それが肝心なんです。難しい、難しい。本当に難しい。困難です。他の誰かが試してみたいですか？マイク、あなたに戻ります。他の誰かが試してみたいですか？やってみましょう。やってみてください。ジョシュ、やりますか？

one three four one that's it

[Music]

Okay, while you're playing, Josh, let me have you do this one for me. Because you could have done that one just because you remember how it sounded when Dave played it. So let me have you try that one.

もちろん、ジョシュ、君がプレイしている間に、これを頼んでみましょう。なぜなら、君がそれをやっているのは、デイブがそれをプレイしたときの音を覚えているからかもしれないからだ。だから、これを試してみてもらえますか？

[Music]

we got

[Music]

Yes, the first one was right. One, two. The second one, yeah, one and two and three. You play the second one here on beat three, so you want to make sure you're playing all of them on the "and." Yeah, that's it.

はい、最初のものは正しかったですね。ワン、ツー。次のもの、そう、ワン・アンド・ツー・アンド・スリー。君は2番目のものを3拍目でプレイしているから、確認してほしいのは全ての拍で "アンド" をプレイしていることです。そう、それで合っています。

[Music]

That's great. Anybody want to try the next one? This one is a little hard. We can, um, anybody else want to try it?

素晴らしいですね。次の誰か挑戦してみたいですか？これは少し難しいです。他の誰かが試してみたいですか？

[Music]

You wanna try it? Anybody wanna try? Okay, add the notes. One, two. Okay.

君が試してみたいですか？他の誰かが試してみたいですか？わかりました、音符を追加してください。ワン、ツー。オーケー。

[Music]

When you want more of an ethnic feel, consider when you come up with your baseline, yeah? Start putting some things on the "e's" and the "u's". Somebody, if you ever want to find a groove, it's on the "e's" and the "u's". If you need to mail a package to the groove and you go to the post office and you want to know its address, they're going to say it's the "e's" and the "u's". If your groove is missing and you need to put an APB out on your groove, the FBI is going to tell you the groove can be found on the "e's" and "u's". So, to cap this off, we're gonna start trying to create some groove. I'm just gonna put some slashes in different places.

エスニックな雰囲気を出したいときは、ベースラインを考える際に、「e」と「u」に注意してみてくださいね。グルーヴを見つけたい場合は、いつも「e」と「u」に注目してください。もしグルーヴに荷物を送りたい場合、郵便局に行って住所を尋ねると、「e」と「u」にあると教えてくれるでしょう。もしグルーヴが見つからなくて、捜索をかける必要があるなら、FBIはグルーヴは「e」と「u」にあると教えてくれるでしょう。ですので、これをまとめると、グルーヴを作り始める準備をしましょう。いくつかの場所にスラッシュを入れてみますね。

[Music]

And we're gonna see how they sound. So it's still a C, D, E, but now all the slashes aren't in the same place. And this is a little tricky. I can try, or we can get Victor to try, unless somebody else wants to try it.
そして、どのように鳴るか確認してみましょう。まだC、D、Eですが、今回はスラッシュが同じ場所にないんです。これは少しややこしいですね。私が試しても良いし、もしくはヴィクターに試してもらうか、他の誰かが試してみたい場合もあります。

[Music]

All it needs is one displaced, and it sounds like it's grooving. It doesn't need all those displacements. The thing that makes it sound different than traditional European or American music is just displacing one of them. Someone had Victor put slashes anywhere on the board, as long as they're just three apart since it's a three-event figure, they have to be three apart.

必要なのは1つだけ置き換えることで、グルーヴ感が生まれます。全ての置き換えが必要なわけではありません。これが、それを伝統的なヨーロッパやアメリカの音楽と異なるものに聞こえさせる要素です。どこかにヴィクターにスラッシュを置かせ、ただし3つ離れている必要があります。なぜなら、これは3つのイベントからなるフィギュアだからです。

[Music]

And we're just gonna—now, normally what I would do, and I think I'm gonna try this, um, I'm gonna have Dave, you can put him anywhere. I'm gonna have Dave play a slash, Victor is going to play a slash, I'm going to play a slash, and anybody else that wants to try one.

そして、今回は通常、私がやることで、これを試してみるつもりです。デイブ、どこにでも置いてもらって構いません。デイブにはスラッシュをプレイしてもらい、ヴィクターにもプレイしてもらい、私もスラッシュをプレイします。それと、他の誰かも試してみたい方がいればどうぞ。

[Music]

So, to make it easier myself, I'm going to take the first slash—that's me. So, um, Dave, you take the second slash, Victor, you take the third slash. Anybody wants to try the fourth one?

それでは、自分で簡単にするために、最初のスラッシュは私が担当します。では、デイブ、2番目のスラッシュを担当してもらいましょう。ヴィクター、3番目のスラッシュをお願いします。誰か4番目を試してみたい方はいますか？

[Music]

I'll take the four. I'm gonna give someone the third. Anybody wants the third one? Victor, take the fourth one, the "and." Okay, you take the end of three. Don't let the whole. This is the exercise I do with multiple bass players because it keeps you focused on your part. So if somebody messes up that part, still just focus on your part because even if they don't get theirs, you can just focus on what it is that you're doing. So I got this first one. Hey, Dave, you have the C. Mike, you have the D, and Victor has the E.

私は4番目を担当します。誰か3番目をやりたい方いますか？ヴィクター、4番目、"and"をやってみてください。では、3番目は誰かやってみてください。ヴィクター、4番目の"and"をやってみてください。オーケー、君は3拍の終わりをやってみてください。全体が揃わなくても大丈夫です。これは、複数のベーシストと行う練習です。君を君のパートに集中させるためです。だから、もし誰かがそのパートをミスしても、君は自分のパートにフォーカスし続けてください。では、最初のものは私がやります。デイブ、Cをお願いします。マイク、Dをお願いします。そしてヴィクター、Eをお願いします。

[Music]

Let's try it again. So that tambourine is beat one. So we got…

もう一度試してみましょう。タンバリンは1拍目ですね。なので、以下のようになります…

[Music]

Mike, you're on the "and" of three. Three and one, two, three.

マイク、君は3拍目の"and"です。スリー・アンド・ワン、ツー、スリー。

[Music]

Good, good. Makes sense. You get the idea what's happening, right?

良いですね、良いですね。理解できましたね、何が起こっているか。

Yes, it's a great tool. This is a good way to practice those different timing differences. This is also my sneaky way of teaching people how to read. So when people say they have a hard time learning to read music, I just put the grid up like if I did this.

はい、素晴らしいツールですね。これは異なるタイミングの違いを練習する良い方法です。これはまた、人々に楽譜の読み方を教える際の巧妙な方法でもあります。ですので、楽譜の読み方が難しいと言う人がいれば、私は単にこのようにグリッドを表示するだけです。

[Music]

ファンクのベースライン

To me, I could see that as the baseline, the "Brick House," the first measure of "Brick House."

私にとっては、それはベースライン、"Brick House"、"Brick House"の最初の小節として考えられますね。

[Music]

I found that this figure right here, when you have three notes that are three sixteenth notes apart, that's a big characteristic of funk. When you hear basslines like "dun dun dun," that's what that is. So when you hear basslines like "dun dun dun," "dun dun dun," "dun dun dun," that's the same figure. Or when you hear basslines like "dun dun dun," I mean, so "Brick House" had that figure once in a measure, and "Chameleon" had it once in a measure. But if you know a song like, uh, this is somebody a famous bass player song, and it did this twice in one measure.

私は、ここで3つの音符が16分音符で3つ離れているフィギュアが、ファンクの大きな特徴の一つだと考えています。"dun dun dun"のようなベースラインを聴くと、それがその要素です。ですので、"dun dun dun"や、同じフィギュアが使われているベースラインを聴いたときは、それが同じフィギュアである可能性があります。例えば、"Brick House"は1小節で1回、"Chameleon"も同じく1小節で1回このフィギュアを使用しています。しかし、ある有名なベーシストの曲では、1小節で2回もこのフィギュアが登場します。

[Music]

So when you hear that figure, when you hear that song, it's just that traditional funk figure. It's a song called "Me and My Bass Guitar."

そのフィギュアを聴いたり、その曲を聴いたりすると、それは伝統的なファンクのフィギュアそのものですね。その曲は "Me and My Bass Guitar" というものですね。

[Music]

So when you want to create a funk bassline, try experimenting with this figure and then displace this figure by sixteenth notes. The exact same figure displaced by different sixteenth notes will still give you that syncopated function, but in a different kind of way. Cool, experiment with that on your own. Um, I want you to do me a favor real quick before we end this segment. I want you to, right now we've been taking that a three-note baseline and moving it around. Will you take a full baseline pattern and displace it by sixteenths? Okay, so that we can hear a whole thumb pattern. Okay, starting on beat one, but then start that same pattern on "e." Well, I'm gonna write something else out. I'll show you,

ファンクのベースラインを作りたい場合、このフィギュアで実験してみて、その後16分音符でフィギュアを置き換えてみてください。同じフィギュアを異なる16分音符で置き換えると、依然としてシンコペーションの効果がありますが、異なる形で表現されます。クールですね、ぜひ自分で実験してみてください。それでは、このセグメントを終了する前にもう1つお願いがあります。今まで3音のベースラインを移動させていましたが、今度は完全なベースラインのパターンを16分音符で移動してみてください。1拍目から始めますが、同じパターンを"e"から始めてみてください。それとも、別のものを書きますかね。

リズムのモード

I'll show you what Victor is talking about in a different kind of way. I'm gonna write a baseline out in a paradiddle, a one-measure based on the same thing, but now you'll be able to see the exact technique that I'm using.

私はあなたに、ヴィクターが言っていることを異なる方法で示します。同じテクニックを正確に理解できるよう、同じものに基づいたパラディドルのベースラインを1小節分書き出します。

So let me explain the legend: When you see "H," "O," that means hammer-on. "SL" stands for left-hand slap. Each one of these is one beat. Now, the "O" represents two sixteenth notes. So, hammer-on, then the second two sixteenth notes are open E's. That's what the "E" stands for.

では、伝説を説明しますね。「H」と「O」が表示されたら、それはハンマリングオンです。そして、「SL」は左手のスラップを表します。それぞれが1拍です。そして、「O」は2つの16分音符を表します。つまり、ハンマリングオン、次に2つの16分音符がオープンのEです。これが「E」が示すものです。

[Music]

A "T" by itself just means ghost thump. A "P" by itself just means ghost pluck. So, that's the whole legend. Now you can see when you hear patterns like this, about to play now, you get a visual representation of exactly what I'm doing for each beat. So, slow that pattern to go. Make sense? So, if I did it fast…

"T"だけでゴーストサムプ、"P"だけでゴーストプラックを意味します。これが完全な伝説ですね。これで、このようなパターンを聴いたとき、今から演奏しますが、各拍ごとに正確に何をしているのかが視覚的に分かります。ですので、そのパターンを遅く演奏してみてください。理解できましたか？もし速くやると…

[Music]

I'm gonna get Victor to play that drum beat, maybe around 120, a little bit faster. Then I'm gonna do the concept that Victor's talking about. I call that concept "modes of rhythm." Actually, I got it from him; he calls it "moser rhythm."

ヴィクターにドラムビートを演奏してもらい、おそらく120くらい、少し速めにしてもらいます。それからヴィクターが話している概念を実践します。私はこの概念を「リズムのモード」と呼んでいます。実際には彼から教わりました。彼はそれを「モーザーリズム」と呼んでいます。

But you don't just have modes of notes; this pattern can have up to 16 different modes. I can start this exact pattern in 16 different places. I'll do modes of eighth notes just to make it faster. So here's where the eighth notes occur, right there. If I start the same pattern here, that's the first mode. If I do this exact same pattern but make this beat one, that's the second mode. If I start that same pattern starting here on beat one, that's the third mode. Does that make sense? It's the same pattern, the exact same; you're starting with the hammer-on each time but starting in a different place. Oh well, you can look at it that way. That's where you're going; I'm looking at it as the same thing, but now I'm gonna start, I'm actually gonna start with that now as beat one, okay?

しかし、音符のモードだけでなく、このパターンには最大で16の異なるモードがあります。同じパターンを16箇所で始めることができます。速くするために、8分音符のモードをやってみましょう。ここで8分音符が発生しますね。同じパターンをここから始めたら、それが最初のモードです。同じパターンをやりながら、ただし1拍目をここにすると、それが2番目のモードです。同じパターンをここから始めると、それが3番目のモードです。理解できますか？同じパターンで、毎回ハンマリングオンから始めますが、異なる場所から始めるのです。まあ、そう見ることもできます。それが目指しているところです。私はそれを同じものと見ていますが、今からこれを実際に1拍目として始めますね、わかりましたか？

And then this, two low Es, yeah? And then this time, this will be beat one, okay? Since, okay, we're gonna play through this paradiddle. Know how that feels? Yeah. Now I'm gonna play the same exact pattern in the same order, but I'm gonna make the open Es my downbeat, beat one. First one, second, the third one, the third mode of this rhythm starts with my left hand slap. And one reason why I'm glad I came up with this concept is that I noticed that I never started patterns with my left hand, and this automatically forced me to start starting patterns with my left hand.

そして、2つの低いE、そうですね？ そして、今回はこれが1拍目になりますね、わかりましたか？ では、このパラディドルを演奏してみましょう。どのような感じかわかりますか？ うん。今、同じパターンを同じ順序で演奏しますが、オープンのEを1拍目にします。最初のもの、2番目、3番目、このリズムの3番目のモードは左手のスラップから始まります。私がこの概念を考えてよかった理由の一つは、自分が決して左手でパターンを始めないことに気付いたことで、これにより自動的に左手でパターンを始めるようになりました。

[Music]

You get another clean start.

そうですね、もう一度きれいなスタートが切れますね。

[Music]

First one.
Second one sounds like a different pattern.
Third one.

[Music]

The fourth one starts with the pluck. That's another thing I wasn't used to. I wasn't used to starting a pattern with a pluck. Here we go. So that's four of those modes. You guys get the point. So when you come up with paradiddles or groove patterns, write it out using this method, and then just start playing it starting in different places, and you'll teach yourself new concepts that you've created if that makes sense. This is one of the few instances where you can teach yourself something that you created.

4番目はプラックで始まります。これも私が慣れていなかったことです。パターンをプラックで始めることには慣れていませんでした。では、これで4つのモードですね。皆さん、理解できましたか？ ですので、パラディドルやグルーブのパターンを考えるときは、この方法を使って書き出し、異なる場所から始めて演奏してみてください。そうすることで、自分で作った新しい概念を習得できます。これは、自分で作ったものを学ぶ数少ない瞬間の一つです。

タイムキーピング エクササイズ

Okay, so after you've studied and restudied that exercise and worked on your time with metronomes, without metronomes, here's a good exercise that I found that will allow you to see how good your internal time really is because if we have a tendency to rush like I do or a tendency to drag, this exercise will show you.

では、そのエクササイズを繰り返し練習し、メトロノームを使ってタイミングを調整したり、使わずに練習したりした後、内部のタイミングがどれくらい良いかを確認するのに役立つエクササイズがあります。急ぎすぎたり、引きすぎる傾向がある場合、このエクササイズはそれを示してくれるでしょう。

So, this is a great exercise to develop your internal clock. What I do is I have a four-bar drum machine that we're going to turn on in a minute, and we're going to need you to volunteer for this, correct? Great, right. So what we're going to do is just have you come up with a groove to play with this four-bar drum beat. Now, the key here, it may not make sense yet, but the key here is to make your groove simple. The goal here is to come up with a groove you don't have to think about so that you can find the pulse. I forgot to say this: there's a pulse that runs through any rhythm. There is a pulse, and whether you can audibly hear that pulse, there might be space going by, the pulse is still there, and I believe it can still be felt even when it's not there. My goal with this exercise is when the pulse is not there, still find it, still feel it, and lock into it.

このエクササイズは、内部のリズム感を発展させるための素晴らしいものです。私は4小節のドラムマシンを持っていて、これを使います。まもなくそれをオンにし、これに参加してくれるvolunteerが必要ですね。了解しました、素晴らしい。では、単にこの4小節のドラムビートに合わせて演奏するグルーヴを考えてもらいます。ここでの鍵は、まだ理解できないかもしれませんが、グルーヴをシンプルにすることです。目標は、考えずに演奏できるようなグルーヴを見つけることで、そうすることでパルスを見つけることです。これを言い忘れましたが、どんなリズムにもパルスがあります。パルスが聞こえなくても、時間が経過しているかもしれませんが、パルスは依然として存在しています。そして、それがないときでも、そのパルスを見つけ、感じ、それに合わせてロックすることがこのエクササイズの目標です。

So come up with a simple line because if you have to think about your line, you won't be able to feel that pulse because sooner or later measures of this drum pattern are going to drop out, and we're going to see if you can still feel that pulse, okay? So right now, Anthony's going to start this, fill the pulse, and place something to lock to it. Here we go. One, two, ready, go.

したがって、シンプルなラインを考えてみてください。ラインについて考えなければならない場合、そのパルスを感じることができません。このドラムパターンの小節がいずれか抜けていくでしょうから、いずれにしてもそのパルスを感じることができるかどうかを確認しますね。それでは、今、アンソニーが始め、パルスを感じ、それにロックする何かを置くでしょう。さあ、いきますよ。ワン、ツー、レディ、ゴー。

[Music]

Right, very nice, keep going. That's a nice repetitive pulse, right? And he's locking into it. So we're going to move through this kind of quickly so you can understand the concept, but if you were doing this on your own, you would stay with this groove until you're sure you can feel the pulse. Then, when you're ready, what I did is the fourth bar of this pattern. Right? Right. See if you can keep the pulse.

いいですね、良い感じですね。続けてください。素敵な繰り返しのパルスですね。彼はそれにロックしています。このコンセプトを理解できるように、ここでは少し早く進めますが、もしこれを自分で行っている場合は、パルスを感じることが確実になるまでこのグルーヴにとどまります。そして、準備ができたら、このパターンの4小節目を行います。そうですね。それでパルスを保つことができるか確認してみてください。

[Music]

Now, you would really stay there for a long time, but for here, we're going to move on. Now, here's the key too: no one can even tap their foot because if you tap your foot in that space, he'll play to your pulse. We want him to develop his own pulse.

普段なら、本当に長い間そのグルーヴにとどまりますが、ここでは進みます。そして、ここでも重要なのは、誰もが足を踏み出してはいけないことです。もし足を踏み出すと、アンソニーはそのパルスに合わせて演奏します。私たちは彼に独自のパルスを発展させてもらいたいのです。

[Music]

Right, that's all right. Just pull back,
just a hair.
But these are tendencies that we can find out from this machine,
that I have a slight tendency to rush.

そうですね、大丈夫です。ちょっと引いてみてください。
でもこれは、このマシンから見つけ出すことができる傾向で、私は少しだけ急ぎすぎる傾向があることがわかります。

[Music]

All right now, once you're comfortable with this and you want to stay on these exercises for a long time, keep going. One beat, you gotta find that pulse.

では、これに慣れてきたら、これらのエクササイズを長い間続けたい場合は、続けてください。1拍目、そのパルスを見つけなければなりません。

[Music]

Now isn't that easy, right? Even a little break like that, too easy. When you do this exercise and you get to where you can play the one beat, playing with a drummer is too easy. It's like a piece of cake. Here's the cool thing: keep playing, all right? We always complain about drummers with bad time, right? Always complain. But for me, it's a fun game. I enjoy drummers with bad time. All you want to do is lock into the pulse, right? And so it doesn't matter, just find the pulse. It doesn't matter what this drummer is doing, right? It doesn't matter if the drummer speeds up or slows down. If you find his pulse, it doesn't matter, and it won't matter, alright? Don't listen to the whole beat, find the pulse.

これは簡単でしょう？ たとえちょっとしたブレイクでも、簡単すぎます。このエクササイズをやって1拍目を演奏できるようになったら、ドラマーと一緒に演奏するのはあまりにも簡単です。まるでケーキのようなものです。ここがおもしろいところです。ずっとドラマーのタイミングの悪さに文句を言っているでしょう？ いつも文句ばかりです。でも私にとっては楽しいゲームです。私はタイミングの悪いドラマーが好きです。ただパルスにロックするだけですよね？ だからどうでもいいんです、ただパルスを見つけるだけです。ドラマーが何をやっているかは関係ありません、ですよね？ ドラマーがスピードを上げたり下げたりしても関係ありません。もしパルスを見つけたなら、関係ないし、関係なくなります。全体のビートを聴かないで、パルスを見つけてください。

[Music]

That pulse can be an eighth note, sixteenth note, wherever you feel it. And there's no drummer in the world with bad time like this. But no matter what that drummer does, they'll never lose you, and it'll become like a roller coaster. It'll become like a game.

そのパルスは8分音符、16分音符、どこで感じるかによります。このように悪いタイミングのドラマーは世界中にいません。でも、そのドラマーが何をやっても、あなたは決して迷わないし、それはまるでジェットコースターのようになります。ゲームのようになります。

[Music]

Great, okay, let me show you something real quick. That's wonderful. Now, that's just with a groove. We're just grooving. What I recommend is you go through this whole exercise again from the beginning and you start adding in a little ad-libs. Because that's where we lose it. We can all groove and keep time; it's when we ad-lib that our attention goes back to the base and away from the groove, and we usually rush. So, with the same exercise, you want to start adding in fills. You want to get to the place where you can freely solo as crazy as you want to one beat. When you can freely solo and keep the time to one beat, then you've got great internal time. So, I'm just going to try this. Sometimes I have good days at this, sometimes I have bad days. But I'm going to have Anthony change the machine, and I'm just going to play a little bit. I'll probably progressively get more and more complicated until I'll take you to the very final stage that I like to use this exercise for.

素晴らしい、では、ちょっと見てみましょう。素晴らしいですね。これはただのグルーヴです。私がお勧めするのは、もう一度最初からこのエクササイズ全体をやり直し、少しずつアドリブを加えていくことです。なぜなら、そこで問題が発生するからです。私たちは皆、グルーヴを保ちながら演奏できます。アドリブを加えると、私たちの注意が基本から離れ、グルーヴに戻ることが難しくなり、通常は急ぎます。ですので、同じエクササイズでフィルを加えていくことをお勧めします。自由にソロができ、1拍目の時間を保つことができるようになるまで進めていくと、素晴らしい内部のタイミングを手に入れることができます。では、試してみます。これは時折上手くいく日もあれば、上手くいかない日もあります。でも、アンソニーにマシンを変えてもらって、ちょっと演奏してみます。おそらく段々と複雑になっていくでしょうが、最終的にはこのエクササイズを使って行う最終段階までお連れします。

[Music]

Earlier, I talked about forgetting about technique. You've got to forget the technique; you've got to feel the groove. This is where all of this comes together, okay? So, my first thing is I'm just gonna find the pulse.

先程、テクニックを忘れることについて話しましたね。テクニックを忘れないと、グルーヴを感じることができません。ここでこれらすべてが結びつくのです。では、最初にパルスを見つけてみましょう。

[Music]

And I'm gonna play something that I'm really comfortable with, which is thumb in the key of E.

そして、私は本当に心地よく感じるもの、つまりEのキーでのサムを演奏します。

[Music]

As I get comfortable, I'm going to add a little, just a little more.

快適になってきたら、少しだけ追加してみます。

[Music]

Uh, a little bit ahead. When I know I'm ahead, I just… I just think about pulling back a hair.

あれ、ちょっと先行してしまいましたね。先行しているとわかったら、ちょっと引いてみることを考えます。

[Music]

Ah, way ahead, so I gotta pull back a hair now and find it again. That tells me something.

ああ、かなり先行してしまったので、もうちょっと引いてみて、もう一度見つける必要がありますね。これは何かを教えてくれます。

[Music]

That takes a thought, so I gotta not think about it and do it, and then I'll never lose it.
それは考えが必要ですね。だから考えずにやり、それをやれば決して失われません。

[Music]

Now, I'm gonna let that go once I'm cool and I know I can lock in regardless of what I'm doing, okay? I'm going to try not to have any idea where it is. Right now, I'm totally guessing; I've lost the pulse completely. And if I can guess and get close, you know I can get close when I know where it is. So, I'm going to guess that it's here. Okay, I find that over the years, I'm usually a quarter note off. And I'm serious about this; I have no idea; I'm trying to forget where it is. Ah, quarter note behind. And this is just something that I'll do at my own house. I'll walk around the house and see if I can come back in the room and go boom, you know? And if I can guess where it is and be even close, playing with the drummer's a piece of cake. Quarter note off, usually a quarter note off. But if I can guess and be a quarter note off, just imagine how good of an internal clock I really do have. So, I recommend you practice this, okay? It's a fun exercise. Cool, that's good. One, two.

さて、それができるとわかったら、どんなことをしていてもロックできるとわかったら、それを放っておきます。では、どこにあるかを一切知らないようにしてみましょう。今は完全に推測しています。パルスを完全に失いました。そして、私が推測して近づけるなら、それがどこにあるかわかるときに近づけることができます。だから、ここはおそらくここだろうと推測してみます。私がこれを何年もやってみて、通常は1拍のズレがあることに気付きました。本気で言っています。全く分からないんです。どこにあるかを忘れようとしています。ああ、1拍遅れですね。これは私が自宅でやることです。家の周りを歩き回って、部屋に戻ってきて、"ブーム"ってできるか試してみます。もし推測して近づけるなら、ドラマーと演奏することは簡単なことです。通常は1拍のズレがありますが、推測して1拍のズレがあるなら、実際のところ私の内部のタイミングはどれほど優れているのか考えてみてください。ですので、これを練習することをお勧めしますね。楽しいエクササイズですよ。良いですね、それはいいです。ワン、ツー。

[Music]

Yeah, I like it with the little bee. That was nice. You.

うん、小さな蜜蜂の音が好きだった。素敵だったよ、君。


END