フォーカス - フローの開放（By Paul Tompson）

Paul Thompson（pdbass）が語る「フォーカス - フローの開放」を翻訳しました。

とても興味深い内容です。

内容に誤りがございましたらご指摘いただけるとありがたいです。

翻訳文

flow

フロー

[Music]

concentration

集中力

[Music]

awareness

意識

[Music]

focus

焦点

Stan Getz called it being in the alpha state,
how Galper calls it being in the zone,
transcendentalists call it zen.

スタン・ゲッツはそれをアルファ状態と呼びました。ギャルパーはその状態をゾーンと呼び、超越主義者はそれを禅と呼びます。

Have you ever played a solo where everything just seemed to come together,
where everything just unfolded while you simply observed?
Maybe your hands seemed to play the instrument by themselves,
or it was like you were sitting and listening in the audience while you played.

すべてがうまく調和し、単に観察するだけですべてが展開されるような、ソロ演奏をしたことがありますか？たとえば、あなたの手が自動的に楽器を演奏しているように感じたり、演奏している間に客席に座って聴いているような感覚でしたか？

Something for some of us, this might seem like a once in a blue moon occurrence,
and yet it seems as though our musical heroes reach this level every time they touch the instrument.
Supreme flow, concentration, focus, these can all be achieved on a consistent basis
if we know how to work on it, regardless of the instrument we play or even the genre of music we perform in.

これは、私たちの中の一部の人にとって、まれな出来事のように思えるかもしれません。しかし、私たちの音楽の英雄たちは、楽器に触れるたびにこのレベルに達するようです。絶妙なフロー、集中力、焦点は、私たちがどの楽器を演奏し、どんなジャンルの音楽を演奏していても、一貫して達成することができます。しかし、まず最初に、私たちの脳が音楽とどのように関わっているかについていくつかのことを理解することが重要だと思います。最初に、マルチタスキングの神話です。

But firstly, I think it's important that we understand a couple of things about how our brains work with music.
First, the myth of multitasking.

まず最初に、私たちの脳が音楽とどのように関わっているかについて、いくつかのことを理解することが重要だと思います。
まずは、マルチタスキングの神話についてです。

Neuroscience tells us that we don't really do multiple things at once.
We simply switch very quickly in our brains from one thing to another, at the cost of doing it efficiently and probably making more mistakes in that process.

神経科学は、私たちは実際には同時に複数のことを行っていないと教えてくれます。
私たちは単に脳内で非常に素早く切り替えているだけで、それによって効率的に行うことができず、おそらくそのプロセスでより多くのミスを犯すことになります。

Don't believe me? Try this exercise:
Set a stopwatch. On a blank sheet of paper, write the phrase "I am good at multitasking" on one line. Then, on the next line, write numbers from 1 to 20. How did you do?

私の言葉を信じてもらえないですか？次の練習を試してみてください。
ストップウォッチをセットします。空白の紙に、「私はマルチタスキングが得意です」というフレーズを1行に書きます。次の行には、1から20までの数字を書きます。どうでしたか？

Now, grab a second piece of paper, restart the timer, and write the same thing. But this time, alternate between the top line and the bottom line, letter by number. How much longer did it take you to do this? Did you make any mistakes?

それでは、別の紙を用意して、タイマーをリセットし、同じことをやってみてください。ただし、今度は上の行と下の行を交互に、文字と数字のペアで書いていきます。この作業にはどれくらい時間がかかりましたか？ミスはありましたか？

This exercise is only showing us the advantage of focusing on one thing at a time. So what does this mean? It means we can't focus on playing well if we have to stop and think about what the notes in the chord are. It means we can't play well if we constantly evaluate everything we play, phrase by phrase or chorus by chorus.

この練習は、一度に1つのことに集中する利点を示しているだけです。では、これはどういう意味でしょうか？それは、コードの音符について考えるために停止して考える必要がある場合、うまく演奏することに集中することができないということです。また、フレーズごとやコーラスごとに常に自分の演奏を評価し続けることはできません。

This means we can't be thinking about things we have to do off the bandstand in the back of our head. We have to be focused entirely on the present and the now in order to play our best. You have to step aside for the music to happen at its highest level.

これは、演奏中にやらなければならないことを頭の中で考えている余裕はありません。最高の演奏をするためには、完全に現在と今に集中しなければなりません。音楽が最高のレベルで起こるためには、あなた自身が音楽のために退場しなければなりません。

Pianist Hal Galper once said, "The key is your ego," and that's where the problem is. As long as your ego is there, blocking you, your sense of self is there. It's like music is going from your ear directly to your cerebrum to be judged and then to your temporal lobe to actually be processed. We have to take that extra link in the chain out of the whole process of making music. We can't waste our time juggling additional thoughts that happen while we're playing.

ピアニストのハル・ギャルパーはかつて、「鍵はあなたのエゴです」と言いました。そして、それが問題の所在です。あなたのエゴがある限り、あなたを妨げ、自己意識が存在します。音楽が耳から直接大脳皮質に送られ、判断された後に頭蓋内領域に実際に処理されるのです。私たちは音楽を作り出す全体のプロセスから、その追加のリンクを取り除かなければなりません。演奏中に起こる余分な思考をくるくる回す時間を無駄にすることはできません。

Secondly, mental practice is just as important as physical practices when it comes to making music. Combining mental practice with physical practice will accelerate your development as a musician. It's not a myth - training your brain somehow makes your fingers perform better on your instrument. David Baker, Joshua Bell, and Jaco Pastorius, to name a few, have all spoken about the benefits of mental practice and how important it is.

第二に、音楽を作る際には、精神的な練習が身体的な練習と同じくらい重要です。精神的な練習と身体的な練習を組み合わせることで、音楽家としての成長を加速させることができます。それは神話ではありません。脳の訓練は、なんらかの方法であなたの指が楽器上でより優れた演奏をするようにします。デイビッド・ベイカー、ジョシュア・ベル、ジャコ・パストリウスなど、いくつかの方々が精神的な練習の利点やその重要性について語っています。

So how does one practice and maintain focus? Here are six techniques that I use to stay on my mental game as a musician:

それでは、どのようにして集中力を保ち、練習を行うのでしょうか？私が音楽家としてメンタルゲームに集中するために使っている6つのテクニックをご紹介します。

When we get nervous, we tend to take short, shallow breaths. Our heart rate goes up, and our mind becomes flooded with all kinds of racing thoughts. Taking a deep cleansing breath at the beginning of a song or at the beginning of a phrase is one of the best ways to empty out a noisy mind.

緊張すると、浅い呼吸になりがちです。心拍数が上がり、頭の中があらゆる種類の思考で騒がしくなります。曲の始めやフレーズの始めで深呼吸することは、騒がしい心を空にする最良の方法の一つです。

Maybe you're playing a tune that has a particularly challenging bridge or some kind of lick in the head that's very difficult, or maybe a really rough set of changes you have to negotiate. Maybe you're a bass player, and you're hella nervous because you have a solo coming up. Notice how your body reacts to this - we become tight, we breathe less. Notice how you breathe or your lack thereof. Take a deep breath before you get to these spots and release it. Learn to take deep breaths at critical parts of the tune. Relax.

もしかしたら、特に難しいブリッジやヘッドのフレーズ、難解なコード進行など、挑戦的な箇所を演奏しているかもしれません。もしくは、ベース奏者で、ソロが控えていて非常に緊張しているかもしれません。このような状況で、自分の体の反応に気づいてください。緊張して体が緊張し、呼吸が浅くなることに気づくでしょう。自分の呼吸に注意して、これらの箇所にたどり着く前に深呼吸をし、それを解放してください。曲の重要な箇所で深呼吸をすることを学びましょう。リラックスしましょう。

Now, this goes without saying, but in the context of our brain and focus, there are two types of listening we can focus on: distal and proximal. Distal listening means the big picture - pull back, hear the entire band, all the instruments at once, almost as if you're sitting in the audience. Proximal means close or isolated. Most of us learn to do this kind of listening when we're learning an instrument or a lot of us in music school probably listen to music like this. This is where you zoom in on that one or two instruments and you tune everything else out.

さて、これは言うまでもありませんが、脳と集中力の文脈で言えば、私たちは二つの種類の聴取に集中することができます：遠隔聴取と近接聴取です。遠隔聴取は大局を見ることで、引いて演奏全体を聴きます。一度にバンド全体やすべての楽器を聴くような感覚で、まるで観客席に座っているかのようです。近接聴取は近くや分離されたものを意味します。ほとんどの人は楽器を学んでいるときにこのような聴取方法を身につけますし、音楽学校の多くの人々もこのように音楽を聴くでしょう。この場合、1つまたは2つの楽器に焦点を絞り、他のすべてを排除します。

[Music]

Both of these types of listening have helped me at various times. Sometimes I'm too focused on what I'm doing and I need to widen my listening and start to include other musicians and instruments into what I'm hearing in general. On the other hand, sometimes my focus is too broad, and I feel like I need to zone in on exactly what the drums are playing. So, I might choose to listen to only the hi-hat and what's happening there, or only the ride cymbal, or sometimes the left hand of the pianist in order to narrow my focus. At that point, I can start slowly adding instruments into my field of vision or taking them away as needed.

これらの聴取方法の両方が、さまざまな場面で私を助けてきました。時には自分が行っていることに過度に集中しすぎているため、より広い範囲で聴取し、他のミュージシャンや楽器を一般的に聴く必要があります。一方で、時には焦点が広すぎると感じ、ドラムの演奏に正確に注目する必要があると感じることもあります。そのため、ハイハットやそこで起こっていることにだけ耳を傾けたり、ライドシンバルにだけ注目したり、時にはピアニストの左手に集中することで、自分の焦点を絞ることができます。その段階では、必要に応じて視野に楽器を徐々に追加したり、削除したりすることができます。

Now, you can do this at home. If you've never tried it, take one of your favorite records and put it on and see if you can mentally move the faders up and down and focus solely on what the piano player is doing or solely on the bass notes, and then maybe blend in a little bit of drums or listen to just what the horn player is doing. This is a way to practice widening and narrowing your focus during a given song.

自宅でもこれを試すことができます。お気に入りのレコードをかけて、仮想的にフェーダーを上げ下げし、ピアノの演奏に完全に焦点を合わせるか、ベースの音符に完全に集中するか、そして少しドラムを混ぜたり、ホーン奏者が何をしているかにだけ耳を傾けたりしてみてください。これは、特定の曲中に焦点を広げたり狭めたりする練習方法です。

This is one I've been thinking a lot about recently. For me, whether I play with my eyes open or closed is a total game changer. I never really seriously thought about it until this one time when I got to kind of play with Christian McBride.

最近、私が多く考えていることの一つです。私にとって、目を開けたまま演奏するか、閉じたまま演奏するかは、完全にゲームチェンジャーです。実は、クリスチャン・マクブライドと一緒に演奏する機会があったときまで、真剣に考えたことはありませんでした。

[Music]

It was a real blast, and in the end, he offered me one piece of advice. He said, "Open your eyes when you play." Frankly, I was actually terrified playing with him, and I closed my eyes because I was scared to death. But slowly, I started to notice that when I did close my eyes when I played, I was more inside of my head. My brain was much more active, even producing images while my eyes were closed and my thoughts were racing. For me, I have to play with eyes open, focused on something or even someone in the room, so that my eyesight disappears. I know that sounds weird, but when I keep my eyes open and I'm really focused on the music, I stop seeing.

それは本当に素晴らしい経験であり、最後に彼からひとつのアドバイスをもらいました。「演奏するときは目を開けなさい。」実は、彼と一緒に演奏すること自体がとても恐ろしく、私は目を閉じたまま演奏していました。完全に死ぬほど怖かったからです。しかし、徐々に気づき始めました。目を閉じて演奏すると、自分の中に入り込んでいるような感覚になることに。目を閉じている間でも、私の脳は非常に活発で、目を閉じたままで思考が加速している間にさえイメージが浮かびました。私にとっては、目を開けて演奏し、部屋の中の何か、あるいは誰かに集中する必要があります。そうすることで、視覚が消えるのです。奇妙に聞こえるかもしれませんが、目を開けたままで本当に音楽に集中すると、視界がなくなるのです。

When I toured with Maynard Ferguson 20 some years ago, and we would give clinics around the country, he always told the kids who played trumpet to pick a point of focus in the back of the room and to play to that spot. Now, I'm not sure he was talking in this kind of context, but I can totally relate. Now, when I open my eyes, I'm focusing outside of myself rather than inward. So, experiment if you're somebody who plays with your eyes closed all the time. Try to open your eyes, divert your visual focus, see what happens when you look at another member of the band or an audience member or that exit sign in the back of the room.

私が20年ほど前にメイナード・ファーガソンとツアーをしたとき、全国各地でクリニックを行っていた際、彼はいつもトランペットを演奏する子供たちに、部屋の奥の方に焦点を合わせて演奏するように言っていました。今、私は彼がこのような文脈で話していたのかはわかりませんが、私はそれに完全に共感します。今、目を開けると、内向きではなく外側にフォーカスしています。ですから、いつも目を閉じて演奏している方は実験してみてください。目を開けて、視覚の焦点を変えてみてください。バンドメンバーや観客の一人、あるいは部屋の奥にある出口の看板を見たときに何が起こるか、試してみてください。

pay attention to how your instrument feels when you play it. How tactile is it? What do the tips of your fingers feel like on the string, or the valve, or the key? How much actual motion do you have to move to make a sound? How much air do you have to breathe in to make a good tone? Pay attention to your body and exactly what it's doing in order to make the sound happen. Be mindful of your motions, your fingers, your hands, your embouchure, particularly in the practice room. The athletes that are most in tune and aware of their bodies when they're practicing are the ones usually that can avoid injury and execute the best.

演奏する際に楽器がどのように感じるかに注意してください。触覚はどれくらいですか？指先が弦やバルブ、キーに触れたときの感触はどうですか？音を出すためにどれだけの実際の動きが必要ですか？良い音を出すためにどれだけの空気を吸い込む必要がありますか？音を生み出すために体が実際に行っていることに注意してください。練習室での動き、指、手、エンブシュアに注意を払ってください。練習中に自分の身体に対して注意を向け、最も調和し、意識しているアスリートは、通常、怪我を避けることができ、最高のパフォーマンスを発揮することができます。

In other words, don't overplay. In a study conducted in 2014 at the Vrije Universiteit in Amsterdam, 44 elite musicians described their thoughts and focus of their attention while performing. The number one answer was the physical aspects of playing. The number two answer of that same survey was thoughts that give confidence. I think most of us know what it feels like to play something really well. Sometimes we feel like we can walk through a wall. Our confidence gives us permission to play without judgment. Miles Davis's attitude made every note he played the right one.

つまり、過度に演奏しないでください。2014年にアムステルダムのフリエ・フリユヴァイティット大学で行われた研究では、44人のトップミュージシャンが演奏中に考えたことや意識の焦点を説明しました。その結果、最も多かった回答は演奏の身体的側面でした。同じ調査で2番目に多かった回答は自信を与える思考でした。私たちの多くは、何かを本当に上手に演奏したときの感覚を知っていると思います。時には壁を突き破れるような気持ちになることもあります。自信があることで、評価なしで演奏することができるのです。マイルス・デイビスの態度は彼が演奏するすべての音を正しいものにしたのです。

Athletes practice visualization. NBA players shoot a hundred free throws in practice and then visualize themselves making a hundred more in their head. Visualize yourself playing an amazing groove. Visualize the other members of the band bobbing their heads and smiling. Visualize your audience roaring with applause when you're done playing. Visualize yourself playing extremely fast tempos and difficult passages with ease.

アスリートは視覚化の練習をします。NBAの選手たちは練習で100回フリースローをシュートし、その後も100回シュートを頭の中で成功させることをイメージします。自分自身が素晴らしいグルーヴを演奏している姿をイメージしてください。他のバンドメンバーが頷きながら微笑んでいる姿をイメージしてください。演奏が終わったときに聴衆が熱狂的な拍手を送っている姿をイメージしてください。自分が簡単に非常に速いテンポや難しいフレーズを演奏している姿をイメージしてください。

Now, I have to say that I've used visualization for years and years, but you've got to trust yourself when you visualize. Before I had big gigs or let's say I was going to take a big solo and I wanted to impress people, I would visualize my heroes in my head. I would try to play phrases like them. I would try to see myself as them while I played. And this is not the right approach. You have to see yourself. You have to have the confidence and the trust and the belief in yourself and what you decide to play. So visualization is great, but you've got to see your own success. Trust yourself.

私は長年にわたり視覚化を使ってきましたが、視覚化をするときは自分自身を信じる必要があります。重要なギグがある前や大きなソロを取るとき、人々に感動を与えたいと思うとき、私は頭の中で自分のヒーローたちを思い浮かべていました。彼らのようなフレーズを演奏しようと試みました。演奏中に自分自身を彼らのように思い描こうとしました。しかし、これは正しいアプローチではありません。自分自身を見る必要があります。自分自身と自分が演奏することに対して自信と信頼と信念を持つ必要があります。視覚化は素晴らしいですが、自分自身の成功をイメージすることが重要です。自分自身を信じてください。

Remember that love is the most important element of all with the music. When you play with love, there are no wrong notes or funny chords. There's no need to sound good. Why do you play? The greatest musicians in the world are like billionaires that give away their fortune every day. Don't hoard yours. Play and share the love with as many people as often as possible. You can't tell me that you've ever heard John Coltrane or Duke Ellington or Jaco Pastorius and not heard the incredible amount of love that's in their sound.

音楽において、愛こそが最も重要な要素であることを忘れないでください。愛を持って演奏すると、間違った音や奇妙なコードは存在しません。素晴らしく聞こえる必要もありません。なぜ演奏するのですか？世界で最も偉大なミュージシャンは、毎日自分の財産を与えている億万長者のような存在です。自分のものをため込まず、演奏して愛をできるだけ多くの人々と共有してください。あなたはジョン・コルトレーンやデューク・エリントン、ジャコ・パストリアスの音に含まれる信じられないほどの愛を聞いたことがないとは言えません。

There's a fear that professional musicians often have that someone is going to refer to their music as amateurish. "Amateur" the Latin root of the word is "amare," which means to love. I'll take amateur any day over someone who isn't having fun and loving what they do. Don't confuse the quality of the performance with the quality of the experience. Choose to play with love and love what you play.

プロのミュージシャンたちは、自分の音楽を素人っぽいと評されることを恐れることがよくあります。「アマチュア」という言葉のラテン語の語源は「amare」であり、それは愛するという意味です。私は愛を持って楽しんでいる人に比べて、いつでもアマチュアを選びます。パフォーマンスの品質と体験の品質を混同しないでください。愛を持って演奏し、演奏するものを愛することを選んでください。

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[Music]

END